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Gregory Halili: Miniaturas em Aquarela

Gregory Halili: Miniaturas em Aquarela

Esta entrevista com o artista de aquarela Gregory Halili, conduzida por Sarah A. Strickley, apareceu pela primeira vez na edição de dezembro de 2007 daArtista Aquarela.

Na tradição artística, horror vacui (pronuncia-se vack'wee) é a compulsão de fazer marcas em todo e qualquer espaço disponível, preenchendo toda a superfície com formas, linhas, figuras e detalhes ornamentais. Embora muitas vezes categorizados como arte de fora, alguns argumentam que os princípios de horror vacui são aqueles que agora moldam o gosto contemporâneo e, por extensão, a paisagem urbana contemporânea. Pense nos outdoors e anúncios preenchendo cada centímetro disponível em muitas das grandes cidades do mundo.

Freqüentemente, a arte criada nessa tradição é expressiva de obsessão ou ansiedade - afinal, em sua tradução literal para o latim, é o medo do espaço vazio ou do vazio - e, no entanto, de Gregory Halili constelação pinturas, que o artista descreve como emergentes do horror vacui compulsão, não carregue nenhum desconforto ou angústia que você possa esperar de um trabalho tão rigidamente prestado. Em vez disso, eles possuem uma intensidade constante, um ar rico e comemorativo. Eles honram o espaço em que emergem, luxuriando-o com a precisão de uma agulha de bordar.

O trabalho de Gregory Halili é expressivo do desejo de invocar o presente e o passado do mundo, para lembrar o que era e imaginar o que pode ser - uma variação interessante e refrescante da inquietação e ansiedade que muitos atribuem ao pano de fundo da vida moderna. Dado o nível - e as camadas - de detalhes presentes em suas exuberantes e verdejantes pinturas em aquarela, você pode se surpreender ao descobrir que ele está trabalhando em uma escala em miniatura: a maioria de suas pinturas tem entre 1 x 1 polegada e 10 x 12 polegadas. Para apreciá-los completamente, você deve aproximar-se deles e levar o nariz ao papel. Continue. Quanto mais você se aproxima dos mundos dessas pinturas, mais você certamente descobrirá: uma vibração surpreendente de cores ou uma linha que se move com a fluidez lânguida da abelha sem pressa. O trabalho de Halili convida a uma troca íntima com seus espectadores, promovida pelo sentimento de nostalgia que os envolve. Não podemos deixar de sentir que estamos testemunhando algo que sempre soubemos que existia, mas que nunca tivemos a sorte de ver.

Tive o prazer de conversar com o artista recentemente sobre sua vida e seu trabalho. A seguir, uma transcrição da nossa conversa:

Sarah Strickley: Eu li que você nasceu e cresceu nas Filipinas. Gostaria de falar um pouco sobre as maneiras pelas quais o cenário da sua infância pode informar parte do seu trabalho e posso imaginar algumas maneiras de entrar nessa conversa. Talvez devêssemos começar com coisas simples. Você sempre foi um artista, mesmo quando criança? Outros membros da família estavam envolvidos nas artes? O que te inspirou a começar a pintar?

Gregory Halili: A arte, ou a idéia de arte, veio cedo para mim. Ainda tenho meu primeiro desenho sobrevivente de um helicóptero, concluído aos dois anos de idade. Desenho tornou-se meu passatempo. Quando criança, eu costumava participar de concursos de arte na escola, competindo ao lado de meus amigos, que me incentivaram a trabalhar mais porque eram muito mais talentosos. Os materiais de arte não eram baratos, então lápis de cor e aquarelas de classe estudantil eram minha única opção quando criança. Não foi até minha família e eu emigrar para os Estados Unidos em junho de 1988 que fui exposto a vários meios. É claro que os materiais de arte também não são baratos aqui, mas o sistema escolar dos Estados Unidos forneceu ótimos materiais para as aulas de arte. Tive a sorte de ter maravilhosos professores de arte e a bênção de ter uma família que me incentivou e me guiou a continuar pintando. Ninguém da minha família está envolvido nas artes.

Sarah Strickley: Eu sei que você estudou na Universidade das Artes da Filadélfia. Como seu tempo na universidade afetou ou moldou seu trabalho, se é que o fez?

Gregory Halili: Minha família viveu uma vida modesta nas Filipinas. Imigramos para os Estados Unidos porque meus pais queriam dar a meus irmãos e a mim uma melhor educação e oportunidades. Eu sempre amei artes e pintura, então, mesmo antes de ir para a faculdade, durante o ensino médio, muitas vezes reproduzia e reproduzia obras-primas de livros e, às vezes, trabalhava com estilos e períodos específicos no museu. Eu tive meu quinhão de passagens artísticas através de movimentos artísticos e "ismos". Esses períodos de experimentação e admiração foram um grande momento no meu desenvolvimento artístico. Não só eu estava aprendendo sobre técnicas de pintura e história da arte, mas ao mesmo tempo estava descobrindo quem eu era como artista individual. Quando entrei na Universidade das Artes, eu já estava pintando miniaturas. Meu tempo na faculdade foi uma experiência gratificante. Tentei aprender e absorver o máximo que pude, não apenas dos meus professores, mas também de meus colegas de classe. O que aprendi não foi como pintar e criar miniaturas, mas simplesmente como pintar. Foi-me ensinado que, quanto mais eu resolvia problemas de pintura em formatos grandes e tradicionais, mais fácil se tornava a pintura em pequena escala.

Sarah Strickley: Quando você começou a pintar miniaturas que evocam a paisagem da sua infância? O que o trouxe a este lugar em seu trabalho?

Gregory Halili: Nascido a meio mundo de distância, não consigo deixar de me lembrar da minha antiga casa e de suas memórias. Minhas lembranças de infância desempenham um papel importante no desenvolvimento de minha arte. Pintar a paisagem da minha infância tem sido um processo criativo muito lento. A idéia de nostalgia me ocorreu em 1997, durante uma breve viagem de volta à minha antiga casa nas Filipinas. Meu retorno despertou a inspiração para criar as memórias escondidas que estavam incubando em minha mente. Sinto que minha manifestação da paisagem das Filipinas ainda está evoluindo.

Sarah Strickley: Você pinta do espaço da memória e da imaginação? Em caso afirmativo, que efeito você acha que isso tem sobre as qualidades tonais de suas pinturas?

Gregory Halili: Sempre lutei para retratar o que está em meu coração e mente, e o que se manifesta às vezes não é o que tenho em minha imaginação. Estou em busca da qualidade nostálgica que envolve minha reflexão interior, por meio de escolhas monocromáticas ou mínimas de tinta. Estou muito mais interessado na qualidade simbólica que um determinado assunto pode retratar, em vez da representação real de um objeto.
Sarah Strickley: Para o seu outro trabalho - suas paisagens da cidade, por exemplo - você está usando uma paleta totalmente diferente. Você poderia falar um pouco sobre sua abordagem dessas peças?

Gregory Halili: Ainda me lembro vividamente como vi pela primeira vez a cidade de Nova York. Quão magnífico foi. Minha lembrança desse momento foi a base das minhas séries e paisagens urbanas da cidade de Nova York. Cada pintura começa com uma única fotografia, selecionada entre as centenas de fotos que tirei ao longo dos anos. Não reproduzo a imagem fotográfica; Eu o uso como fonte de inspiração e referência. Como minhas paisagens, mantenho minha paleta de vistas da cidade quente e minimalista, evocando meu carinho e admiração por esta cidade incrível.
Sarah Strickley: O que o levou a aquarela e guache? Você sempre teve afeição pela mídia à base de água ou evoluiu para ela?

Gregory Halili:Embora eu tenha treinado em outras mídias, a aquarela sempre foi a minha favorita, mesmo quando criança. Meu tempo com guache foi breve, durando apenas alguns anos. Quando comecei a pintar em miniatura - por volta da 8ª série -, criei insetos minúsculos e até uma zebra do tamanho de uma pulga. Eu amei os aspectos técnicos da aquarela. Com o tempo, comecei a descobrir outras propriedades técnicas e a adorar ainda mais. A aguarela é um meio com grande versatilidade. Pode ser controlado para criar mundos aquáticos caóticos ou os detalhes altamente renderizados e ordenados, os quais costumo aplicar ao meu trabalho.

Sarah Strickley: Como você mencionou antes, você pode pintar em uma escala maior, se quiser. O que o atrai para a miniatura? No passado, as miniaturas serviam como lembretes para os viajantes. Eu me pergunto se essa idéia é uma da qual você se baseia.

Gregory Halili: Fico fascinado com a forma como as miniaturas revelam experiências diferentes, em oposição à experiência de ver alguns trabalhos em larga escala. Trabalhos em pequena escala têm uma intimidade física e psicológica que grandes formatos não podem revelar. Sua manifestação permite que o espectador examine minuciosamente o trabalho para o processo técnico e faça perguntas associadas à escala em relação ao assunto. Se alguém cria uma pintura do tamanho de um outdoor, é avassaladora. Mas se alguém cria uma pintura em miniatura, é em uma escala individual e em um nível mais íntimo. Minhas miniaturas servem como uma janela para o meu mundo íntimo, uma lembrança do meu passado e um vislumbre da minha memória.

Sim, as miniaturas serviram de pingente e medalhão durante os séculos XVI e XVII, quando os viajantes partiram para o novo mundo. É a mesma idéia a partir da qual eu crio minha arte: servir como lembrete e como memória contida.

Sarah Strickley: Eu mencionei a mudança dramática na paleta entre suas diferentes coleções de pinturas anteriormente. O que inspira suas escolhas nesse sentido?

Gregory Halili: Trabalho nas minhas pinturas como um agrupamento e como uma série. Cada série começa com uma única pintura ou uma idéia da qual o todo se ramifica. As escolhas para minha paleta dependem da emoção e da tradução do que eu quero evocar. Minhas pinturas na cidade de Nova York começaram com uma única fotografia, que tirei anos antes de realmente criar a obra de arte. O período de incubação necessário para iniciar a série foi um processo mental essencial. Agora posso ver - e mais importante, sentir e traduzir - a imagem da fotografia como uma peça antiga e antiga. Limitar as cores da minha paleta para cada pintura é uma decisão consciente. Para minhas novas pinturas da Constelação (veja as pinturas na parte superior), sou consumido pelo horror vacui e a criação de detalhes maravilhosos, parecendo um universo em miniatura. A escolha da paleta está em extremos opostos - claro e escuro, assim como a luz das estrelas e a escuridão do espaço. O espectador pode se surpreender ao encontrar dicas de cores nas minhas miniaturas. Quanto mais se olha, mais se encontra.

Sarah Strickly: Onde as pinturas começam para você?

Gregory Halili: As idéias para minha arte são inspiradas principalmente em reflexões e experiências internas baseadas em fotografias antigas, viagens e esboços. Criar uma miniatura é um processo técnico curto. É o processo criativo que leva mais tempo, na maioria das vezes, estudando, desenhando e contemplando o trabalho.

Sinto-me muito abençoado, feliz e humilde por estar em uma situação em que posso ser criativo e produzir trabalho diariamente. Sinto profundamente que os artistas em geral estão em uma posição em que podem enriquecer o mundo e compartilhar a beleza criada. Todos os dias, vejo meu trabalho como uma oportunidade de ser apaixonado e criativo. Cada miniatura é criada com paciência e reflexão silenciosa.

Sarah Strickley:Você é capaz de renderizar um nível extraordinário de detalhes em uma escala muito pequena. Correndo o risco de parecer bobo, vou em frente e pergunto: como você faz isso?

Gregory Halili:No lado técnico da pintura de miniaturas, uso uma lente de aumento de mão e pincéis de aguarela kolinsky, que variam de 5 × 0 a nº 4. Meus papéis de aquarela são principalmente arcos prensados ​​a quente. Cada pintura e assunto é diferente, então cada um é tratado de maneira diferente. Para formas mais biomórficas, como retratos e borboletas, o desenho subjacente é criado em linhas finas de ocre ou amarelo, usando um pincel 3 × 0. Para os detalhes arquitetônicos das paisagens da cidade de Nova York, começo desenhando com precisão os alicerces do assunto com um lápis muito afiado. As primeiras lavagens ocorrem principalmente nos primeiros estágios, quando eu crio a sub-pintura. O restante são etapas de detalhamento e camadas controladas de cores. Eu determino a consistência correta de tinta e água testando as pinceladas em outro papel antes de colocá-lo no trabalho artístico real.

Controlar a aquarela em uma escala muito pequena é quase como meditação. É preciso ter muita calma. Mesmo um pequeno tremor pode afetar a criação de linhas precisas.

Crio principalmente aquarelas em camadas - geralmente quatro ou mais camadas. E muitas vezes retrabalho quase inteiramente uma pintura de três a cinco vezes antes de sentir que ela terminou e o mais longe que pode ser sem ser excessiva. Cada miniatura é finalizada de maneira diferente, não pelo tempo, mas pela maneira como me sinto quando termina. Como muitos artistas, sinto que uma pintura nunca pode ser realmente concluída. Pode-se trabalhar e refazer uma peça continuamente, por muito tempo, e alterá-la completamente. Um artista precisa saber quando um trabalho é concluído.

SABER MAIS

  • Veja uma demonstração gratuita em aquarela de Gregory Halili.
  • Leia sobre as aquarelas de borboleta de Gregory Halili na edição de julho / agosto de 2015 daRevista.
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