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História de Katie OHagans: pinturas a óleo de figuras e retratos

História de Katie OHagans: pinturas a óleo de figuras e retratos

Este artigo de Christine McHugh apareceu pela primeira vez sob o título "Serendipity sério" no Edição de abril de 2013 de Revista.

São 20h, as meninas estão na cama, e Katie O'Hagan está diante da tela em branco em seu atulhado estúdio de 90 pés quadrados com seu cachorro, Seamus. "A pintura é um processo solitário em que quero me perder totalmente", diz ela. "Eu quero cantar junto com a música, conversar com meu cachorro, falar comigo mesmo, amaldiçoar minha pintura se ela não cooperar. Parece egoísta, mas não quero pensar em outra pessoa, conversar ou dar pausas. Além disso, tenho certeza de que uma modelo que concordaria em trabalhar durante meu horário normal das 20h. às três da manhã seria meio caro. "

Nos próximos 15 minutos, referindo-se às vezes a várias das 10 fotos no monitor ao lado do cavalete, O'Hagan agita as mãos, mede proporções no ar e não deixa marcas. A colocação desse primeiro elemento é importante e, sem nenhum desenho detalhado para se referir e sem bloqueio na tela, ela ainda está pensando por onde começar. Se esse corredor energético de longa distância tivesse espaço para passear e se ajudasse a acelerar o primeiro golpe, ela o faria. Impaciente, ela finalmente pega o pincel e começa a pintar - o olho direito do sujeito.

“Quando os olhos estiverem totalmente precisos”, ela diz, “eu sei que posso colocar todo o resto corretamente.” Em quatro ou cinco horas, ela completa o "primeiro passe" na cabeça. Então, geralmente nas sessões subsequentes, usando mais tinta e movendo-se mais rapidamente, ela passa a bloquear e pintar as formas maiores de cor na figura e no fundo, em nenhuma ordem específica, às vezes segurando o pincel na horizontal e na vertical para ajudar o globo ocular. as proporções (veja a demonstração de pintura de Katie O'Hagan na parte inferior deste artigo).

Lutando no início

Foi um caminho tortuoso que O'Hagan seguiu para se tornar um artista. Crescendo na costa norte da Escócia, ela passou mais tempo desenhando em seus livros e pastas do que estudando, mas não teve aulas de arte até o último ano do ensino médio. A professora de arte Fergus Mather notou um cartaz que ela desenhou para uma competição e a convenceu de que poderia entrar na escola de arte. "Eu não tinha planos melhores", diz O'Hagan, "então desisti de matemática, que eu odiava de qualquer maneira, e mudei para a arte".

O'Hagan acabou indo para a Edinburgh College of Art, mas nunca sentiu que ela se encaixava. "Eu só tinha feito desenhos e alguns pastéis", diz ela, "e queria aprender a pintar, mas fiquei totalmente intimidada pelo departamento de pintura. ” Ela não entendeu a maior parte do trabalho conceitual que as pessoas estavam fazendo. "Nada disso parecia acessível", diz ela, "e eu sabia que minha mente nunca funcionaria assim."

Então, ela teve aulas de design, estudou metalurgia e ourivesaria - e nunca tocou um pincel na escola de arte. Quando se formou em 1993, mudou-se imediatamente para Nova York "sem um plano claro, sem emprego, sem apartamento e cerca de US $ 600" no bolso. Ela se levantou rapidamente e passou a década seguinte trabalhando principalmente nas indústrias de cinema e televisão e desfrutando de uma vida social movimentada.

Procurando Expressão

Durante todo esse tempo, O'Hagan foi "perseguido por um impulso criativo frustrante e indefinível", mas ela não fazia ideia de qual deveria ser a forma. Ela tentou escrever roteiro e tocar violino em uma banda, mas nada parecia certo. "Ocasionalmente, eu desenhava os amigos como um truque de festa", diz ela, "mas, além disso, eu não pensava em arte".

Sua vida diminuiu um pouco depois que ela teve suas duas filhas. A família se mudou da cidade e ela deixou o trabalho para ficar em casa. “Embora eu adorasse ser mãe”, ela diz, “rapidamente fiquei inquieta com a rotina doméstica e me vi rabiscando em pedaços de papel e desenhando frutas ou o que quer que estivesse por aí.”

Operação sem manual

Em 2004, por capricho, ela decidiu tentar pintar e comprou seu primeiro conjunto de óleos. "Fiz um retrato do filho de um amigo", diz ela, "e comecei a pintar imediatamente. Parecia a coisa que estava bem na minha cara a vida toda - e eu finalmente estava vendo. ” Ela trabalhava principalmente quando as crianças dormiam e depois de dormirem à noite. “Pintei sempre que pude; Eu nunca tive que me forçar a fazê-lo. Visitei museus e galerias pela primeira vez e cheguei perto das telas, tentando descobrir como as pinturas eram feitas. ”

 

O'Hagan está convencido de que seu desenvolvimento sistemático e "casual" como artista é o único caminho que ela poderia ter seguido. “Eu costumava me sentir muito constrangida com a falta de treinamento formal”, diz ela, “mas nunca fui boa em prestar atenção na sala de aula ou em tarefas repetitivas, então acho que teria lutado para ficar. focado."

Como uma pessoa nunca "lê o manual", ela tende a descobrir as coisas sozinha, o que ela admite que nem sempre é o método mais eficiente, mas a mantém envolvida. “Certamente há muitas coisas que eu poderia ter descoberto mais rápida e facilmente em um ambiente instrucional, mas geralmente chego lá através de observação, tentativa e erro. Ter uma capacidade decente de observar alguma coisa e obter rapidamente uma representação precisa tem sido meu maior patrimônio e provavelmente é a razão pela qual sou capaz de trabalhar dessa maneira. ” Ela diz que também teve a sorte de conhecer e se tornar amiga de vários artistas, incluindo Paul W. McCormack e Daniel Sprick, que a inspiraram quando começou a pintar e ainda dão conselhos valiosos.

Pintura de fotos

Atualmente O'Hagan pinta em seu pequeno estúdio, quase sempre a partir de fotos. "É praticamente impossível encaixar um modelo ao vivo", diz ela, "especialmente porque eu tendem a trabalhar em uma escala relativamente grande". Com um monitor próximo ao cavalete, ela geralmente se refere a pelo menos cinco a 12 fotos, ampliando conforme necessário e adicionando seus próprios elementos de maquiagem. "Não copio uma foto servilmente porque acho isso entediante, mas felizmente sou um péssimo fotógrafo, de modo que nunca é uma opção".

Para Breakneck (acima), ela se referiu a 10 a 12 fotos. A cabeça, o corpo e o cabelo do sujeito são de diferentes referências. Ela compôs a maior parte da paisagem, mas verificou as fotos quanto ao cascalho e pedras. "Eu fiz a pobre modelo subir uma montanha para tirar as fotos", diz ela, "então, embora as fotos não tenham saído muito bem, eu fiz isso ao invés de colocá-la novamente. Na verdade, eu meio que gosto do desafio criativo que vem com a luta com material de referência medíocre em uma pintura de sucesso. ”

Fazer um desvio

Até alguns anos atrás, O'Hagan era atraído por uma pintura de retrato mais direta e fazia muitas comissões. Quando ela não estava na frente do cavalete, estava pensando em como resolver vários problemas técnicos, mas desde então sua pintura mudou drasticamente.

No início de 2010, um pouco cansada da pintura de retratos encomendada, a artista começou a esboçar conceitos para pinturas "mais ambiciosas" e a escrever idéias em um caderno, mas estava nervosa demais para colocá-las na tela, para "fazer uma pintura". pintando em vez de um retrato. " O ponto de virada para O'Hagan foi o processo de pintura Vida Jangada (acima), que coincidiu com seu divórcio repentino. Ela ficou tão envergonhada com o assunto literal e pessoal que virou a peça para a parede sempre que saiu do estúdio. “Foi a última pintura que fiz no meu antigo estúdio, minha antiga vida”, diz ela, “então foi bastante emocional. Tudo que acontecia fora do estúdio era tão cheio e tão triste que eu escapava de lá por qualquer chance que pudesse. Alternei entre sentir pena de mim mesmo e divertir-me com o assunto exagerado; então eu me preocupei que ninguém entendesse um pouco o aspecto superficial. Era ao mesmo tempo uma representação morta e um 'piss-take' do meu estado de espírito. ”

O que essa pintura era para O'Hagan, acima de tudo, foi um processo completamente envolvente. "Eu não estava entediada ou no piloto automático", diz ela, "e, mais do que isso, me abriu uma nova maneira de pensar sobre o que pintar. Eu vi como processar o que estava acontecendo internamente de maneira visual. Eu nunca fiz isso, e foi assustador, mas emocionante. "

Acolhendo a Jornada

Desde a pintura Bote salva-vidas, O'Hagan foi "imerso" no que ela chama de pinturas de "senhora triste", duas das quais apresentam o artista como sujeito. Mais sombrio do que seu trabalho anterior, esses estudos psicológicos narram sua jornada emocional enquanto ela luta com a solidão e o que isso pode significar: ansiedade, abandono, solidão, introspecção. As emoções de seus súditos - suas emoções - são palpáveis, expostas. (Uma das séries, Festa de Piedade, conquistou o segundo lugar em figuras / retratosRevista(Concurso Anual de Arte) e apareceu na edição de dezembro de 2012.)

O artista não decidiu conscientemente pintar esta série. "Sinto como se nem tivesse escolha", diz ela. "As idéias pareciam crianças clamando por minha atenção, e a única maneira de calá-las era se concentrar nelas - as 'menores' primeiro". E, ao terminar cada um, sentiu um pouco mais de encerramento sobre o que havia acontecido em sua vida.

Hoje, O'Hagan chegou a um acordo com sua situação pessoal e as coisas se acalmaram para ela, mas sua nova perspectiva sobre a pintura permanece. "Tenho mais ideias do que jamais terei tempo para pintar", diz ela. "Passar por um divórcio é um momento de olhar para dentro - acho que fui absorvido por mim - e isso se reflete no trabalho por enquanto. À medida que avança e as idéias se tornam menos vinculadas à minha própria situação, meu objetivo é continuar trabalhando, o que significa algo para mim, mas não é tão específico. O trabalho da comissão foi ótimo como um processo de aprendizado, mas, tendo chegado tão tarde para o jogo, eu realmente não tenho o corpo de trabalho que quero. Com esta série de 'dama triste', tenho minhas primeiras pinturas reais que parecem fazer parte de mim e se encaixam na minha estética. Transformar uma ideia em uma boa pintura é uma trajetória de aprendizado em si mesma, e eu ainda estou nos estágios iniciais dessa jornada. ”

No Nenhum homem é uma ilha, Thomas Merton escreveu: "A arte nos permite encontrar a nós mesmos e nos perder ao mesmo tempo". Katie O'Hagan encarna essa dicotomia maravilhosa cada vez que ela pega seu pincel.

Demonstração da pintura a óleo: “Cobbling Together” uma figura

Por Katie O'Hagan

É difícil para mim descrever como trabalho, porque minha abordagem à pintura é tão aleatória quanto quase tudo na minha vida. Não tendo aprendido a pintar em uma escola de arte, desenvolvi um processo incomum - que talvez não funcionasse bem para alguns. Em vez de começar com um desenho detalhado ou até mesmo bloquear a figura, geralmente começo com um olho e saio de lá. O que se segue não é uma demonstração completa e detalhada, mas espero que a minha explicação lhe dê alguma compreensão do meu método.

1. Embora esse olho pareça muito distante, é realmente apenas a primeira passagem. Estou preocupado em obter apenas uma aproximação de cor e valor neste estágio. Uma vez que a colocação dos olhos é totalmente precisa, sei que posso posicionar todo o resto corretamente. Embora não faça medições complexas, segurarei o pincel na horizontal e na vertical de vez em quando para garantir que tudo esteja caindo onde deveria.

2. Dentro de quatro a cinco horas, geralmente faço um bom primeiro passe da cabeça. Para a primeira passagem, normalmente diluo a tinta com um pouco de aguarrás. Então eu mudo para um meio de duas partes de aguarrás e uma para óleo de suporte.

Para misturar tons de pele, eu geralmente uso flocos brancos misturados com alizarina carmesim, azul-cerúleo e ocre amarelo. Essa mistura resultará em praticamente qualquer tom de pele que estou procurando. Em alguns destaques, alterno o azul cerúleo para o azul ultramarino. Para uma pele mais escura, adiciono o marrom Vandyke. Também uso toques de vermelhão aqui e ali nos meus vermelhos mais quentes e áreas mais intensas de cor, por exemplo nas bochechas e nas pontas dos dedos.

3. Depois que a cabeça é concluída, recebo pincéis maiores e mais tinta, acelero e começo a bloquear em grandes seções do restante da pintura. Sem ordem definida. Normalmente, vou me concentrar em uma seção grande por sessão de pintura, para não precisar limpar minha paleta e pincéis.

Eu luto para me manter interessado quando não estou pintando uma figura. De fato, pode ser um problema quando eu tiver que pintar um fundo; Fico facilmente entediado e pode ser um pouco estúpido. Estou tentando me forçar a colocar o mesmo cuidado nos outros elementos de uma pintura que coloquei na figura.

4,5 Embora a precisão seja importante nos estágios iniciais, não entre em pânico se me afastar do material de origem - na verdade, a deriva é quase um fato. Eu raramente uso o mesmo material de origem para a cabeça e o corpo; portanto, é necessária uma certa quantidade de "falsificação" ao juntá-los. Esta pintura não é exceção. A cabeça e o corpo são de imagens diferentes, ambas em ângulos ligeiramente diferentes. A mão no pescoço dela é de um terço. Este método significa que tenho que permanecer flexível e estar disposto a desviar-me da referência. As fotografias geralmente são distorcidas e, se você tiver um senso de proporção decente, se ajustará automaticamente para corrigir a distorção na maior parte do tempo. Essa abordagem de "juntar tudo" nem sempre é totalmente bem-sucedida, mas com o tempo se torna mais fácil e mais instintiva.

Pintura finalizada: À esquerda, você vê minha pintura a óleo concluída Quase em casa. Às vezes, tenho uma idéia muito clara do layout exato de uma pintura antes de começar, e às vezes é mais vago e descubro à medida que passo. Apenas não sou disciplinado o suficiente para sempre ter meus patos em uma fileira. Às vezes, acabo revirando a tela ou lixando a primeira passagem e recomeçando. Isso geralmente é necessário quando a ideia muda depois que eu já comecei.
Normalmente, estou trabalhando em várias pinturas ao mesmo tempo, o que ajuda a me interessar, mas pode causar problemas quando uma pintura fica parada há um tempo. Então, quando volto a isso, repenso a idéia e quero mudar as coisas. Estou tentando concluir uma peça antes de passar para a próxima.

Detalhe de pintura terminada: Na verdade, meus métodos de pintura continuam evoluindo. Quando comecei a pintar, eu costumava odiar fazer mãos, e me certificava de que os sujeitos sempre tivessem as mãos atrás das costas ou nos bolsos. Definitivamente, isso mudou, e agora as mãos são muitas vezes a parte mais divertida da pintura para mim, como pode ser evidente no close-up (à esquerda) da versão final de Quase em casa.

Saber mais

  • Leia trechos de uma entrevista com Katie O'Hagan.
  • Aprenda a desenhar e pintar a figura com o download do vídeo Desenhando e Pianting Pessoas com John Raynes: Anatomia do Corpo, Parte 2.
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