Técnicas e dicas

Tensão e Abstração no Realismo

Tensão e Abstração no Realismo

Os desenhos provocativos e tensos de grafite de Catherine Murphy desafiam a categoria, deixando o espectador se perguntando se ela está renderizando abstração ou abstraindo realismo.

de Lisa Dinhofer

Campo Cortado
1985, grafite, 14 x 17.
Todas as obras deste artigo coleção particular
exceto quando indicado.

Um bolo solitário em um forno aceso, uma cadeira arranhada por gatos, as costas de uma tela esticada e grosseira e uma pilha de varreduras de um chão sujo - essas são as imagens incomuns, mas tão comuns, da extraordinária desenhista e pintora Catherine Murphy. Incomum porque as imagens escolhidas raramente são apresentadas como objetos para desenhos grandes, complexos e lindamente renderizados; e comum porque retratam a experiência comum e cotidiana. Afinal, quem não varreu o chão?

Catherine Murphy é ao mesmo tempo minimalista, realista, uma mestre do estilo renascentista do norte e uma artista abstrata do século XXI. Isso é possível? São essas contradições? Ou diferentes facetas da mesma pedra preciosa? Vamos considerar cada ideia separadamente: Murphy compõe suas fotos como um pintor abstrato, observa da vida como um pintor realista, processa todos os detalhes como um mestre do Renascimento do Norte e trata sua superfície igualmente - milímetro por milímetro - como seria um minimalista. "Contradição é o caminho para a harmonia", disse Murphy em recente conversa telefônica. Essa pode ser a chave do motivo pelo qual as obras de arte de Murphy intrigam e seduzem o mundo da arte de Nova York desde o início dos anos 1970.

Nascido em Cambridge, Massachusetts, em 1946, Murphy veio para a cidade de Nova York para estudar, formando-se no Pratt Institute e na Escola de Escultura em Pintura Skowhegan, em meados da década de 1960. O momento aqui é crucial. O final dos anos 60 e o início dos anos 70 foram um período de grande fermentação na cena artística de Nova York. Era o momento da abstração versus a representação - nunca os dois podem ser reconciliados, era o pensamento crítico generalizado. Os artistas estabelecidos e reconhecidos foram os expressionistas abstratos. “A figura está morta, portanto a pintura figurativa está morta!” foi o grito comum.

Nunca diga nunca, e nunca diga morto. Alice Neel, Philip Pearlstein, Alex Katz e Neil Welliver na costa leste - junto com Wayne Thiebaud, David Park e Richard Diebenkorn no oeste - reviveram a figura. A pintura representacional foi reconsiderada. Catherine Murphy atingiu a maioridade neste momento. Seu primeiro show em Nova York foi na galeria cooperativa chamada First Street. Ela foi rapidamente escolhida após este show introdutório pelo notável revendedor Xavier Fourcade e agora é representada pela Knoedler Company de Nova York. Murphy recebeu numerosos subsídios e prêmios de organizações como a Fundação Guggenheim, a Fundação Ingram Merrill e a Academia Americana de Artes e Letras. Hoje, ela é uma crítica sênior da Universidade de Yale, em New Haven, Connecticut, e continua a mostrar suas obras de arte regularmente. Seu show solo mais recente de novas obras de arte foi na Galeria Knoedler em 2008.

Dividido
2007, grafite, 36 x 42 1/2. Coleção
Fundação Maxine e Stuart Frankel
para a arte, Bloomfield Hills, Michigan.

O que distingue Murphy como artista é o arco de seu crescimento, desde seus primeiros desenhos conhecidos nos anos 70 e 80 até o presente. Campo Cortado (1985) é um belo desenho paisagístico sem preconceitos, mas seguro. O espectador está posicionado a uma distância convencional da cena, longe o suficiente para olhar para este adorável espaço através de um arco proscênico de galhos e luz do sol. É uma paisagem bonita, mas previsível que já experimentamos antes. Comparar Campo Cortado para Dividido (2007). Não estamos mais a uma distância segura, mas forçados a entrar profundamente em uma cena em que um tronco de árvore morta foi dividido pelo homem e pela natureza. Vemos seu núcleo interno e sentimos a textura de sua madeira podre quando ela retorna ao chão de terra. Todo grão é retirado, toda erva daninha exposta. A balança também mudou do pequeno e íntimo (14 x 17) do campo cortado para os troncos de árvores grandes e agressivos desenhados em uma superfície 36-x-42 1/2. Murphy colocou suas imagens em nossos rostos. Nós nos tornamos uma participante fisicamente ativa em seu trabalho.

Isso é radical. Isso é perigoso. Poucos artistas pedem muito do seu público. No Luz de Forno, nós nos inclinamos para espiar em um forno aberto uma camada de bolo borbulhante, lata e tudo. Os cantos do desenho são arredondados para aprimorar essa experiência reconhecível.

Murphy não usa atalhos em sua renderização; não há espaço em branco em nenhum de seus desenhos. Não há lugar para recuperar o fôlego. Somos forçados a desacelerar e realmente experimentar tudo. É muito difícil caminhar rapidamente por qualquer uma dessas peças. Essa obra de arte leva tempo para ser visualizada - e muito tempo para ser criada. Dividido levou três verões de manhã ensolarada para obter a luz certa, de acordo com o artista. Luz do forno demorou seis meses para ser concluído, com o artista congelando o bolo na lata todas as noites. A maioria dos desenhos de Murphy é destinada a peças acabadas; eles não são prelúdios de uma pintura. Alguns desenhos, segundo o artista, podem levar mais tempo do que uma pintura.

Muitos dos desenhos de Murphy expressam um momento no tempo - isto é, o período entre uma ação e sua resolução. No desenho Derramar, somos testemunhas de um copo quebrado com o derramamento de leite espalhado sobre uma mesa de madeira. Avistamos o derramamento exatamente quando um belo reflexo da janela atinge a poça de leite. Acontecimento? Dificilmente. Nenhuma das naturezas mortas de Murphy simplesmente acontece.

Luz do forno
2008, grafite, 29 5/8 x 37.

A visão pode ser passageira, mas a renderização não é. A construção dessa configuração é um processo cuidadosamente projetado. Como você contém a imagem do leite derramado por meses enquanto espera para ver o reflexo certo? Em resposta, Murphy derramou gesso branco sobre uma mesa de madeira e deixou endurecer e secar. Infelizmente, o gesso secou o fosco, que era a superfície errada para captar a luz, então Murphy passou o acrílico por cima para dar ao derramamento uma superfície reflexiva e brilhante.

Originalmente, de acordo com o artista, o vidro no desenho era inquebrável. "O desenho simplesmente não funcionou", relata o artista. "Eu entrava no estúdio dia após dia, e simplesmente não funcionava. Por fim, peguei um martelo e esmaguei o copo, e lá estava ele. É por isso que os desenhos de Murphy parecem imediatos. Eles nos surpreendem porque o artista está disposto a arriscar uma peça de seis meses com o bater de um martelo. Agora, Derramar tem uma história com uma vantagem violenta. Quem derramou o leite e por quê? Quem quebrou o copo e como? Quem vai limpá-lo em um dia ensolarado tão bonito?

Todos os desenhos recentes de Murphy são em preto e branco e completamente tonais. Essas são duas opções distintas. Um desenho tonal é aquele em que a superfície é construída ao longo do tempo, obliterando as linhas que separam as arestas dos objetos ao chão. "Para um desenho que pode levar meses, passo cerca de uma hora na linha inicial." Murphy afirma. Uma maneira de estudar a técnica de um artista é procurar áreas que podem não estar completas. Nessas áreas, podemos observar a mão do artista. No caso de Murphy, o melhor lugar para se olhar é a borda da imagem, onde a linha de demarcação ocorre entre papel branco e grafite. Normalmente, essa área é coberta pelo tapete em um quadro. Prateleiras de Estúdio, quando observado de perto, revela uma superfície de grafite fortemente construída em papel de alta gramatura. Murphy usa papel Arches de um rolo, normalmente 140 lb e lápis de grafite Prismacolor Turquoise 5B afiados até o ponto da agulha. Ela constrói a superfície de grafite trabalhando nas sombras, deixando o branco do papel como o destaque mais claro. Às vezes, o artista trabalha da esquerda para a direita, dividindo gradualmente o desenho com grafite e reduzindo-o com borrachas até que o efeito correto seja alcançado. Trabalhar a partir de um rolo de papel em vez de folhas individuais permite que a artista escolha o tamanho e a forma do seu plano de imagem. Por exemplo: Prateleiras De Estúdio mede 29½ x 36 3/4, Dividido é 36 x 42 1/2 e Varrido é 25 5/8 x 33 1/2.

Prateleiras De Estúdio
2008, grafite, 29 1/2 x 36 3/4.

A escolha de preto e branco é significativa. Parte da experiência emocional da observação é removida pela remoção da cor. Esses desenhos se tornam jornalísticos em sua apresentação. O foco são os objetos, as relações entre os objetos e a luz que incide sobre eles. Curiosamente, para criar um objeto crível em valor, o artista deve ser bem versado na reação das cores. Cada cinza retrata uma cor diferente - em Contas Amarelas, o cinza de uma conta amarela é completamente diferente daquele da cor da pele do pescoço da babá ou do verde de sua blusa. O drama é outro elemento inerente a um desenho em preto e branco com uma ampla faixa de valores. A narrativa da imagem se torna fundamental, como em Arranhões. Aqui está a história de um gato invisível, uma cadeira de família e a destruição dela.

Pedir a um artista para nomear os artistas que ele mais admira é um negócio complicado, principalmente porque o gosto e a opinião mudam com tanta frequência. As influências de hoje provavelmente mudarão pela manhã. Então, o que - perguntamos de qualquer maneira. A resposta de Murphy a essa pergunta foi interessante. Os pintores minimalistas Robert Mangold e Ellsworth Kelly são as principais influências. Na pintura e no desenho minimalistas, a idéia se torna essencial e o estilo se torna irrelevante porque há muito pouco, se é que existe alguma coisa, na superfície. O que interessa aos minimalistas é a geometria do plano da imagem. Catherine Murphy adora geometria. É assim que ela compõe sua página. Por exemplo, Varrido retrata um oval de detritos com marcas da vassoura apontando em direção ao oval. Murphy trata sua superfície uniformemente da esquerda para a direita, e sem nenhuma mudança de foco, isso pode achatar o plano da imagem, como em algumas obras de arte minimalistas. Mas aqui a influência para. Para alguns, o minimalismo é um fim. Para Murphy, é apenas o começo.

Derramar
2007, grafite, 28 x 40.

A verdadeira paixão de Murphy está em observação - sendo fiel ao que ela vê. Ser fiel à visão física de uma pessoa traz uma série de novos elementos para a página, entre os quais as dimensões psicológica e física do assunto. Por exemplo, A volta de Eileen é um estudo geométrico das costas de uma mulher. Sim, mas não se pode descartar o fato de que esta é uma mulher muito sardenta nas costas, a composição cortada no pescoço para concentrar a atenção nas omoplatas entre as alças do sutiã. Tocamos a pele dela com nossos olhos. No Varrido temos uma visão aérea de uma pilha de poeira. Em resumo, os minimalistas nos afastam, mas Murphy nos traz de perto e pessoal. Às vezes muito perto e muito pessoal? Certamente, ela nos mostra os cantos esquecidos de nossas vidas. Há poesia nesses cantos e música. Mas não há romance - a arte de Murphy é a arte do real e não envernizada.

Sobre o Artista

Catherine Murphy nasceu em Cambridge, Massachusetts, e estudou no Pratt Institute, no Brooklyn, Nova York, e na Escola de Escultura de Pintura de Skowhegan. Ela tem sido objeto de numerosas exposições individuais e é crítica sênior de pintura na Universidade de Yale, em New Haven, Connecticut, há duas décadas. Ela é representada pela Knoedler Company, em Nova York.


Assista o vídeo: SURREALISMO NA LITERATURA. A arte da ficção #38 (Junho 2021).