Desenhando

En Plein Air: uma conversa com Joseph McGurl

En Plein Air: uma conversa com Joseph McGurl

Joseph McGurl cresceu sob a tutela artística de seu talentoso pai enquanto cultivava uma paixão por passeios de barco e um amor pelo mar. Essa influência inicial, juntamente com anos de trabalho e prática, o tornou um dos principais pintores de paisagem de hoje. Nesta entrevista, ele compartilha seu conhecimento, experiência e insights sobre a arte de pintar a natureza.

Sun Main Coast por Joseph McGurl, 2008, óleo, 18 x 24.
Cortesia de Trees Place, Orleans, Massachusetts.

Entrevista por Allison Malafronte

Artista americano: fale um pouco sobre seu treinamento artístico, especificamente sobre o papel influente que seu pai teve em inspirá-lo a se tornar um artista.

Joseph McGurl: Eu devo preceder minhas respostas dizendo que sei que muitos artistas discordarão de algumas das coisas que digo. Isso é bom e como deveria ser. Se todos concordassem com minhas opiniões, todos pintariam como eu, e a arte seria muito chata.

Desde que eu tinha cerca de 5 anos, sabia que queria me tornar um artista. Provavelmente porque meu pai era um, e parecia natural, e eu gostava de desenhar. Além de ser um modelo, meu pai me ajudou a corrigir meus desenhos quando eu não conseguia entender por que eles não pareciam corretos. Quando adolescente, eu o ajudei em seu trabalho, que incluía murais de pintura, mármore, stencil, pintura de estátua, granulação de madeira, pintura decorativa, renderização arquitetônica, desenho de monumento e praticamente qualquer coisa relacionada à pintura. Pintei principalmente fundos, limpei pincéis, misturei tinta e realizei outras tarefas associadas. Em tenra idade, também me senti à vontade ao usar tinta e explorar suas qualidades associadas. Provavelmente, o impacto mais profundo que meu pai teve em mim foi sua ética de trabalho dedicada. Ele teve que descobrir uma maneira de sustentar uma família de sete pessoas e foi capaz de fazê-lo por seu talento e trabalho duro. Trabalhamos longos dias.

Ao longo da minha adolescência, participei de aulas de sábado no Museu de Belas Artes de Boston, sob Ralph Rosenthal. Ele foi outro modelo que, entre muitas outras coisas, me ensinou a analisar o que eu estava desenhando ou pintando para entender melhor e retratá-lo de uma maneira mais convincente, o que era importante para mim. Frequentei o Massachusetts College of Art and Design e me formei em educação e pintura. Realmente não havia muita ênfase acadêmica nos conceitos básicos de desenho e pintura, e eu senti que minha educação estava incompleta. Mais tarde, descobri os discípulos da Escola de Boston e sua abordagem ao desenho, baseada nos ensinamentos da Academia Francesa. Essa abordagem do desenho evoluiu ao longo de centenas de anos para se tornar um método muito eficaz de treinar os alunos para enxergar claramente e desenhar com precisão. Estudei desenho de figura sob Robert Cormier, e realmente se tornou um ponto de virada na minha capacidade de expressar o que eu estava procurando.

Passando o cais
por Joseph McGurl, 2008, óleo, 23 x 25.
Coleção Robert Wilson Galleries, Nantucket, Massachusetts.

AA: Depois de estudar desenho de figura com Robert Cormier, o que o levou ao gênero de paisagem?

JM: Na minha juventude, pintei, esculpi, fiz impressões e fiz todos os tipos de projetos de arte. Gradualmente, os tipos de arte e materiais que me deram mais satisfação superaram os que achei menos interessantes. Recebi o feedback mais emocional das paisagens e decidi não gastar tempo com trabalhos menos fascinantes. Se não estou totalmente comprometido com o que estou pintando, ele perde a empolgação e acho que a falta de paixão se torna óbvia. Embora eu goste de desenhar figuras, realmente era um meio para atingir um fim. Eu queria desenhar melhor, e o método ensinado pelos artistas da Boston School é a melhor maneira de fazer isso.

AA: Há quanto tempo você estuda arte na Inglaterra e na Itália? Foi durante esse período que você se interessou pela abordagem tradicional e antiga do mestre em pintura?

JM: Esses foram os programas de verão que fiz na faculdade. A viagem à Inglaterra foi na Universidade de Londres. Infelizmente, o departamento de artes plásticas não foi bem administrado e acabou decepcionando. A história da arte foi melhor. O verdadeiro valor estava indo para os museus e vendo os policiais e Turners. Também fui à Holanda ver os mestres holandeses. Foi quando percebi que podia aprender muito mais estudando a arte nos museus. A viagem para a Itália foi realizada pela Universidade de Boston e foi excelente. O professor de história da arte, Sam Edgerton, foi um dos melhores professores que já tive. Mais uma vez, fiquei envolvido nas obras de arte dos museus. Isso me ensinou que a melhor maneira de abordar minha arte era aprender com aqueles que vieram antes de mim e tentar avançar um pouco enquanto desenvolvia minha própria identidade.

AA: Os artistas geralmente admiram sua obra de arte por sua capacidade de capturar luz e criar luminosidade e atmosfera. Você poderia resumir como fazer isso, tanto do ponto de vista técnico como do ponto de vista mental?

JM: Os aspectos técnicos da pintura da luz e da atmosfera são bastante diretos. Tudo se resume a misturar a cor e o valor certos para um local específico no espaço ilusório da pintura. Às vezes, modifico uma passagem com um esmalte ou um esgar. Também uso textura, ou a falta dela, para ajudar a definir espaço e luz. Uma das coisas que aprendi com os mestres é que a tinta espessa ajuda a trazer objetos para a frente e faz com que os objetos leves pareçam mais brilhantes; A tinta fina e transparente dá profundidade a uma pintura. A importância da exatidão da cor e do valor se torna óbvia para mim quando vejo uma reprodução de uma de minhas pinturas. Às vezes, uma cor ou valor específico não é reproduzido corretamente e sai da sua posição no espaço.

Mentalmente, é realmente importante visualizar a cena em três dimensões. Passei anos estudando a paisagem e tentando entender o que está acontecendo e por quê. Por exemplo, a cor de um objeto muda à medida que se distancia ao pôr-do-sol de maneira diferente do que ao meio-dia. Ao entender como o espaço e a luz afetam a cor e o valor, você pode exagerar ou minimizar as cores para aumentar ainda mais a profundidade. Lembre-se de que você está tentando pintar um espaço tridimensional em uma superfície plana e a luz do sol apenas com pigmentos, para não poder pintar apenas o que vê. Você também tem que pintar o que sabe para explorar todas as possibilidades.

Do outro lado do mar
por Joseph McGurl, 2007, óleo, 24 x 36. Coleção particular.

AA: Por favor, descreva sua conexão com o mar, incluindo seu “estúdio flutuante”, Atelier.

JM: Eu cresci na água e passei o verão nadando, andando de barco e explorando as ilhas e enseadas próximas. Provavelmente existem razões psicológicas pelas quais tenho uma conexão tão forte com o oceano, mas também existem razões artísticas. O oceano e a costa têm muitos aspectos do que me interessa intelectualmente e visualmente em nosso mundo. Há um espaço infinito e uma luz maravilhosa, que são assuntos primários na minha arte. Não é um ambiente estático. O sol, a maré, os padrões de vento e as formações de nuvens estão mudando a cada minuto. Também sou atraído pelo desafio de tentar pintar a profundidade, a reflexão, a transparência, o peso e o movimento do oceano.

Eu pintei de barcos desde que era adolescente. No início dos meus 20 anos, trabalhei como capitão de iate e desde então tenho usado vasos de pintura. O Atelier é o mais recente. É um veleiro equipado com ketch de 44 pés de comprimento. Foi construído em 1965 e possui linhas clássicas e agradáveis. Tantos barcos modernos são feios e parecem mais utensílios de cozinha do que barcos. Minha família e eu passamos a maior parte do verão navegando pela Nova Inglaterra, e pinto com muita frequência a bordo, ou levo o bote para a praia e pinto da terra olhando para fora. Velejar me dá uma melhor compreensão do meu assunto.

AA: Qual é o seu processo de plein air? Quão importante é para você criar estudos e esboços no local, em vez de usar fotografias como referências para o seu trabalho em estúdio?

JM: Estou tentando retratar minha resposta ao mundo real - não uma representação visual plana dele. Estou tentando pintar a árvore inteira, mesmo o lado que você não pode ver. Também estou tentando pintar uma árvore viva que morrerá no inverno e florescerá novamente na primavera. A ciência nos ensinou que o espaço e o tempo não são estáticos e que no nível subatômico há um frenesi de atividade. Sabendo disso, não posso pintar a partir de uma foto desprovida de todas essas realidades. Também estou tentando entender a natureza da maneira mais completa possível, e estudá-la atentamente enquanto a interpreta em tinta é a maneira mais eficaz que conheço para fazer isso. O desafio de entrar em campo apenas com minhas tintas e sair com uma imagem útil também é atraente. Às vezes, não tenho tempo suficiente para capturar um certo efeito, mas é assim que acontece. É difícil confiar apenas em minhas próprias observações, e pode parecer mais fácil pintar a partir de fotos, mas meu objetivo não é fazê-lo da maneira mais fácil, mas da melhor maneira. Como todo mundo, às vezes tenho tendência a ser preguiçoso e, se souber que tenho uma foto para me apoiar, talvez não pareça tão duro ou trabalhe tanto no esboço quanto deveria.

AA: Para os artistas que não conseguem obter uma vaga altamente cobiçada em um de seus dois workshops anuais, forneça a eles uma visão geral do que você focaliza em um workshop típico.
JM: Eu tento ajudar os participantes a ver a paisagem em termos mais simplificados e mostrar alguns truques práticos que aprendi para tornar mais fácil pintar ao ar livre. Há muita informação para resolver. Acredito que a pintura ao ar livre é a forma de arte mais difícil de dominar. Além das preocupações usuais de concepção, composição, desenho, valor e cor, os pintores de plein air têm uma quantidade infinita de detalhes para simplificar. A faixa de valor não é grande o suficiente para pintar o brilho do sol ou a profundidade de uma sombra, e como pintar cinco quilômetros de distância, o movimento das ondas ou todas as folhas de uma árvore? Além disso, a luz está mudando constantemente, pode estar quente ou ventoso, o sol está nos seus olhos e você deve limitar seus suprimentos ao essencial.

Nas minhas oficinas, começo com uma visão geral do meu processo de pintura e mostro aos alunos meu equipamento de pintura e coisas que tornaram o procedimento um pouco mais fácil. Em seguida, discuto, através de demos e críticas, alguns dos principais problemas que a maioria dos participantes tem na pintura da paisagem. Um exemplo é que eles perdem de vista o fato de que todo objeto tem uma forma definida. Uma rocha e uma árvore têm formas subjacentes semelhantes. As texturas superficiais da superfície confundem os alunos. Discuto a importância de ver a verdadeira forma do objeto e, em seguida, conceber formas abreviadas de implicar a textura desse objeto. Também passo muito tempo na perspectiva linear e atmosférica, a fim de ajudá-los a criar profundidade na pintura. Geralmente faço uma demonstração pela manhã e depois eles trabalham em suas pinturas à tarde. Passo pelo menos uma sessão de demonstração no estúdio mostrando o processo mecânico de fazer um estúdio pintando a partir de um esboço. Também mostro algumas das ferramentas exclusivas que às vezes uso e discuto como montei o estúdio. Esta demonstração inclui alguns métodos de manipulação de tinta, como vidros, impasto e scraffito.

Paz
por Joseph McGurl, 2008, óleo, 24 x 36.
Cortesia de Trees Place, Orleans, Massachusetts.

AA: Você acha que é possível ensinar artistas a pintar no nível de habilidade que você alcançou? Isso é transferível ou você acha que é algo com que você nasceu naturalmente?

JM: Eu acho que é um pouco dos dois. Você tem que ter algum talento e ter algum treinamento. Você também tem que trabalhar muito nisso por um longo tempo. Assim como médicos ou encanadores precisam pagar suas dívidas, os artistas também. Quando olho para a obra de arte que estava fazendo nos meus 20 anos, foi muito ruim, mas acabou melhorando.

AA: Que paisagistas, passado e presente, você admira?

JM: Os artistas anteriores incluem Frederic Edwin Church, Sanford Gifford, Worthington Whittredge, John F.Kensett, J.M.W. Turner, Arthur Streeton, John Singer Sargent e Hugh Bolton Jones. Para artistas contemporâneos, Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Antonio López García, Don Demers, William Davis, Matt Smith, Marcia Burtt e Ken Auster.

AA: O que mais te inspira como artista? Onde você procura motivação criativa?
JM: Às vezes me inspiro vendo um show em uma galeria ou museu. Quando estou pintando do lado de fora com outros artistas, sou inspirado em como eles adotam uma abordagem diferente para a mesma cena. Além disso, a natureza em todas as suas formas - às vezes com a marca do homem - é provavelmente a maneira mais inspiradora de me empolgar com a pintura.

Para me motivar de forma criativa, simplesmente vou trabalhar. Às vezes, tenho pensado em um problema específico a noite toda e, se acho que encontrei a solução, fico empolgado com o trabalho do dia seguinte. Outras vezes, não me sinto particularmente criativo, mas tenho que ser produtivo. Eu faço o meu trabalho e muitas vezes a inspiração vem depois de um tempo. Às vezes, esses acabam sendo meus melhores dias, e o dia passa rápido demais.

Para mais informações sobre Joseph McGurl, visite seu site em www.josephmcgurl.com.

Fim de semana com o instrutor de mestrado
Joseph McGurl ministrará duas oficinas de mestrado e fará uma demonstração durante Artista americano Fim de semana Com a Masters Workshop Conference, de 10 a 13 de setembro de 2009. Para mais informações, visite www.aamastersweekend.com.

Assista o vídeo: How to Paint air! Oil Painting and Plein Air Tutorial (Outubro 2020).