Desenhando

Noções básicas de desenho: valores criar desenhos dramáticos

Noções básicas de desenho: valores criar desenhos dramáticos

O uso cuidadoso de sombras e luzes dentro e ao redor da figura pode dar aos seus desenhos mais poder e força dramática.

por Dan Gheno

Laocoön
de Baccio Bandinelli, giz vermelho e preto,
21 x 15¾. Coleção Uffizi
Galeria, Florença, Itália.

Alguns projetistas farão quase tudo para criar drama em seus desenhos de figuras. Mas, com demasiada frequência, esperam até o último momento para fazer uso de sua ferramenta mais poderosa - o valor - preenchendo apressadamente seus desenhos da figura com gradações de claro e escuro, como se fosse uma reflexão tardia colada no papel.

De fato, o valor pode ser o instrumento mais importante na sua caixa de ferramentas artísticas. Nem linha, forma nem cor existem sem valor. Sem alterações de valor, esses outros elementos pareceriam sem graça, chatos e chatos. Mas com grande poder também surgem conseqüências graves: se os valores forem usados ​​imprudentemente ou como complemento, os desenhos parecerão supermodulados, enlameados e indecisos.

Neste artigo, exploraremos como você pode usar valores para revigorar seus desenhos e dar-lhes mais emoção. Investigaremos como você pode usar a renderização de valor para manipular meios-tons, realces, luzes refletidas e formas de sombra para dar profundidade e dimensão volumétrica às suas figuras. Veremos como você pode usar contrastes de valor para projetar composições emocionantes através da detecção de sombras e luzes, como criar profundidade atmosférica com haulation, como cobrar suas figuras com bordas perdidas e encontradas e como usar o valor para aprimorar o já inerente qualidades fortes e expressivas de linhas, gestos e formas abstratas.

Nu acadêmico, visto por trás
por Paul Cézanne, 1862, carvão,
grafite e giz preto no bronzeado
papel colocado, 24? x 17? Coleção
o Art Institute of Chicago,
Chicago, Illinois.

Luz e sombra
Cada objeto, tão simples quanto uma esfera ou tão complexo quanto a figura humana, é composto por milhões de mudanças de valor tonal. Eles variam desde o mais brilhante, onde o objeto está mais diretamente voltado para a luz, até o mais escuro, onde o objeto fica mais distante da fonte de luz. Quando você começa a desenhar a figura humana da vida, é muito fácil se perder nas especificidades de suas formas e na multiplicidade de formas de valor, sacrificando a natureza essencial dos volumes que adicionarão energia ao seu desenho. A maioria das formas humanas básicas pode ser categorizada em formas tubulares esféricas, cilíndricas, semelhantes a caixas ou semelhantes a barris, individualmente ou em qualquer número de combinações híbridas. Você achará mais eficaz evocar uma forma figurativa, envolvê-la com um ar e fornecer energia gestual quando pensar no volume subjacente ou no "conceito de forma". O peito é ao mesmo tempo barril e caixa. Imagine um eixo percorrendo seu núcleo em forma de caixa para obter sua inclinação básica e fundamental no espaço. Em seguida, procure as quebras de plano grande entre os planos frontal, traseiro e lateral para encontrar suas principais divisões de claro e escuro. As principais mudanças de valor tendem a ocorrer nesses locais, mas não estão limitadas aos principais planos. O baú também tem uma qualidade de barril, sobreposto às formas mais quadradas. No caso de um desenho do peito na vista frontal, como Laocoön por Baccio Bandinelli, a luz geralmente tende a diminuir gradualmente à medida que passa pela frente ligeiramente curvada. Eventualmente desaparece no o Exterminador do Futuro, ou a área onde a luz termina e a sombra começa, que é freqüentemente encontrada no canto abruptamente virado da quebra do plano lateral.

Como você deve se lembrar de artigos anteriores, o volume geral da cabeça se assemelha a uma esfera. Procure um brilho em forma de crescente ou um grupo de destaques que abranjam a curva da cabeça. Essa forma semicircular lembra aquela que se curva sobre a forma de um ovo, exceto que é quebrada pelos montes e profundezas das feições. Quando a luz está acima do modelo, esse brilho geral tem uma forma grande e um valor brilhante em direção ao topo da testa. Parece diminuir, quase desaparecendo, à medida que o rosto se estreita e se curva para longe da luz dentro do barril da boca e do queixo. Se você duvida da importância desse brilho curvilíneo, tente um experimento: encontre um noticiário na sua TV e diminua o brilho para que apenas os destaques no rosto do apresentador permaneçam. Você descobrirá que a coleção curvada de destaques tenderá a permanecer no lugar quando o apresentador virar à direita e à esquerda, para cima e para baixo, da mesma maneira que o brilho de um ovo atuaria se você o girasse em seu eixo enquanto o segurava. um ponto abaixo de uma única fonte de luz. Mesmo assim, tente não colocar a cabeça de uma boneca nos ombros de sua figura. Dentro de sua forma geral de ovo, a cabeça se encaixa em subplanos frontais, laterais, superiores e inferiores mais extremos que fornecem as quebras de valor mais fortes e dramáticas.

Desenho da Academia de pé
Nu masculino no perfil

por R. Tweedy, carvão, 24 x 18.
Coleção Art Students League
de Nova York, Nova York, Nova York.

Deixe brilhar
Claro, esse brilho emocionante não se limita ao rosto. Você notará um efeito semelhante ocorrendo em todo o corpo, ajudando a reforçar as mudanças globais maiores no plano do corpo. A maioria das pessoas acredita erroneamente que todos os destaques são brilhantes e focados. De fato, destaques duros ocorrem no corpo. Esses nítidos destaques - simplesmente reflexos ofuscantes da fonte de luz refletida nos óleos da pele - tendem a ocorrer com mudanças severas de forma, como no canto do nariz e em muitos dos pontos ósseos do corpo. Muitos artistas sentem falta do brilho geral muito mais sutil que flui vagamente pelos óleos da pele por todo o corpo. Ou eles acreditam erroneamente que é um clareamento da forma da superfície. Longe disso! Os valores no brilho são luminescentes e um pouco mais brilhantes como um grupo - ou um tipo de destaque mais amplo e suave - em vez do conjunto de valores gradualmente gradativo que você pode encontrar em uma superfície seca e sem óleo, como uma gesso. Esse brilho foi muito importante para Leonardo da Vinci. Chamando-o de "brilho" em um de seus muitos cadernos sobre luz e sombra, ele defendia fortemente sua observação e uso, ao mesmo tempo em que reconhecia o quão difícil é diferenciar o brilho da luz da forma normal. No entanto, ele sugere uma solução quando afirma que os realces e o brilho não são fixos e estacionários, como são os outros valores normais da forma de superfície, mas "se movem conforme o local onde os olhos os observam". Descobri que, se eu mover a cabeça para frente e para trás um pé ou dois, geralmente consigo isolar o grupo sutil de destaques brilhantes enquanto os assisto ondulando na pele da modelo. Você deve manter os olhos fixos no brilho instável, um bloco de brilho de cada vez, encarando sua forma enquanto move lentamente seu ponto de vista de volta à sua posição original.

Homem jovem
por Jean-Auguste-Dominique Ingres,
1816, grafite,
11½ x 8? Museu da Colecção
Boymans-Van Beuningen,
Roterdã, Holanda.

Aviões e Valores
Depois de ter apresentado a figura de maneira vaga e acho que estou feliz com suas proporções gerais e silhueta geral, começo a bloquear as formas de sombra internas. Eu levo tempo, encontrando as formas das sombras gradualmente, desenhando o terminador na borda da sombra com uma linha fina e muito leve. Muitos artistas passam a maior parte do tempo tentando encontrar as proporções perfeitas antes de finalmente começarem a desenhar no terminador. Para mim, bloquear uma linha terminadora preliminar é parte do processo que me ajuda a encontrar as proporções gerais. Imagine tentar desenhar uma caixa desenhando apenas sua silhueta externa. Você acharia confuso se também não desenhasse uma aparência dos planos internos ao construir a caixa. Enquanto trabalho com essa linha terminadora interna, tento evitar a tentação de preencher a forma da sombra com um valor sombrio até ter certeza de sua posição, semelhante à maneira como R. Tweedy apresentou e começou a renderizar Desenho Acadêmico. Eu mantenho essa linha inicial muito fraca, para que seja facilmente corrigível se eu perceber um erro e, quando mais tarde preencher a forma com um valor escuro, a linha de esboço original se fundirá no valor subjacente da sombra. Não há nada mais rígido em um desenho do que ter uma linha rígida e escura tocando suas formas internas de sombra.

Valor local
Não é fácil ver essas grandes massas de valor claro e escuro, especialmente para os iniciantes. Às vezes, ajuda a olhar de soslaio ao olhar para o modelo, desfocando todos os detalhes que distraem, de modo que apenas as duas formas principais de valor permaneçam visíveis. As diferenças de cores locais são outra distração ao tentar analisar seus relacionamentos tonais maiores. Cor local refere-se ao nome geral da tonalidade ou cor de objetos individuais, como camisa rosa, jeans azul ou mesmo pequenas diferenças de cores locais, como nariz vermelho, orelhas ou dedos. Para avaliar melhor as diferenças entre suas massas claras e escuras, tente colocar um pedaço transparente de acetato colorido na frente dos seus olhos para criar uma visão monocromática que minimize as diferenças de cores que distraem camuflando os valores à sua frente. Ao fazer isso, observe também o valor local dos objetos que você está desenhando. Pergunte a si mesmo qual é o valor geral da camisa rosa que você está desenhando ou o valor geral da calça jeans da modelo. Faça a mesma pergunta sobre o cabelo da modelo e você provavelmente notará que o cabelo loiro não é tão claro como o que você pensava originalmente. Cada objeto ou valor local terá suas principais formas claras e escuras, mas as luzes do jeans azul escuro serão menos brilhantes que as da camisa rosa da modelo. Também haverá uma diferença correspondente nas sombras, com as sombras no jeans parecendo mais valiosas do que as formas escuras na camiseta.

Figura inclinada
por Dan Gheno, 1997, lápis colorido,
24 x 18. Coleção do artista.

Meios-tons
A maioria dos artistas está muito feliz com o efeito dramático resultante do bloqueio das principais massas claras e escuras no desenho da figura humana. É quando eles começam a descobrir os detalhes dentro dos grandes padrões claros e escuros que vêem o sucesso se esvaindo como a água através dos dedos. Os meios-tons de renderização, ou as variações sutis de valor, da luz mais clara à mais escura, dentro do lado iluminado da figura, podem ser confusos, mesmo para os artistas mais avançados. Muitos artistas os desenham muito escuros, obscurecendo as luzes em seus desenhos. Outros os desenham muito claros, criando um desenho desbotado. Isso ajudará você a ver as diferenças sutis no lado da luz se você categorizar essas modulações complexas de valores em dois grupos, "meios-tons claros" e "meios-tons escuros". Embora sejam apenas palavras, o conhecimento desses rótulos permite que você classifique melhor as informações visuais à sua frente. Os meios-tons são mais brilhantes, onde o formulário gira mais diretamente em direção à fonte de luz e mais escuro, pouco antes de o formulário cair na sombra completa.

São Paulo rasgando suas vestes
por Raphael, metalpoint aumentado
com guache branco sobre cinza-lilás
papel preparado, 9 1/16 x 4 1/16.
Coleção J. Paul Getty Museum,
Los Angeles, Califórnia.

A área mais comum de problemas de meio-tom para artistas ocorre quando eles tornam as modulações de valor no lado claro do rosto muito escuras, envelhecendo o modelo além de seus anos. Por exemplo, muitos artistas observam o meio-tom escuro abaixo do olho ou a dobra abaixo do nariz (chamada sulco nasolabial) e os tornam tão escuros ou mais escuros quanto a sombra do lado oposto do rosto. Por mais difícil que seja acreditar algumas vezes, esses meios-tons parecem iguais à sombra porque estão cercados pelos valores mais brilhantes do resto do rosto. Quando encontro alunos incapazes de acreditar em mim, digo-lhes para fazer dois pequenos orifícios em um pedaço de papel branco. Depois, levo-os a segurar esse papel na frente do modelo, deslocando-o para frente e para trás até verem o detalhe de meio-tom isolado atrás de um dos orifícios e toda a força da sombra atrás do outro. Dessa forma, eles podem estimar as diferenças relativas reais entre os dois valores como formas abstratas, livres de pressupostos anteriores.

É tão difícil para nós ver as relações de valor dentro do lado sombrio da forma humana. Assim como no meio-tom facial que parecia super escuro por causa dos valores da luz circundante, muitas das sub-formas escuras aparecerão extraordinariamente brilhantes e com foco nítido quanto mais tempo você as olhar. Na verdade, é uma ilusão: quando você preenche toda a sua visão com sombras, as pupilas de seus olhos se abrem, vendo detalhes adicionais e percebendo-as mais nitidamente. Você deve ter cuidado extra ao desenhar os detalhes no lado da sombra, reconhecendo que a falta de luz obscurece os detalhes, agindo como uma tela de véu que desfoca detalhes específicos na forma sombreada. "Um esconde e o outro revela", disse Leonardo, referindo-se à sombra e à luz. Lembrando que a luz traz à tona ou ilumina detalhes, é mais lógico e dramático desenhar mais detalhes no lado claro da figura - desde que você os mantenha suficientemente brilhantes como um grupo.

Embora você certamente veja algumas luzes refletidas na sombra, não as deixe muito brilhantes. Como o artista do século XIX Howard Pyle explicava frequentemente a seus alunos, as sombras não têm cor ou luz própria. As sombras são "mais ou menos negras e opacas", disse ele. A única razão pela qual vemos detalhes no escuro é por causa da luz refletida refletindo nas superfícies adjacentes. Portanto, a luz refletida indireta que entra na sombra nunca pode ser tão brilhante ou distinta quanto a luz direta que atinge o modelo.

Artistas orientados para o valor, como Rembrandt, Guercino e Caravaggio, muitas vezes mantinham suas formas de sombra passivas para replicar melhor a experiência humana da visão, uma vez que menos informações estão disponíveis para o cérebro processar. Ainda assim, não há nada errado em ver uma abundância de detalhes na sombra. Apenas mantenha suas formas suaves e mantenha as diferenças de valor nas formas de sombra renderizadas de perto. Salve seu contraste dramático para as maiores diferenças de valor entre os padrões gerais maiores de luz e escuridão.

Junto com Howard Pyle, artistas como Robert Henri, Charles Hawthorne e muitos outros falaram muito em seus próprios ensinamentos sobre a importância de encontrar o grande valor e os contrastes de cores. Eles sabiam que não era possível replicar toda a gama de valores e cores reais, considerando os limites de nossos lápis, papel e tintas. Henri defendeu a observação do modelo, não apenas para observar áreas individuais, mas para comparar pares de formas claras e escuras opostas para julgar melhor o valor relativo e as relações de cores, tentando então replicar essa relação proporcional no trabalho artístico. Em outras palavras, para avaliar um valor escuro geral no modelo, observe uma área mais clara do modelo - ou próxima ao fundo - e, pelo canto do olho, pergunte-se como a sombra é comparada à forma mais brilhante. De acordo com Pyle, talvez você precise ficar um pouco mais claro com as luzes e um pouco mais escuro nas sombras para criar a mesma proporção de contraste de valor em sua obra de arte que você vê na realidade.

Core Shadow
Não importa a rapidez com que você trabalha, às vezes você sabe que não terá tempo para "preencher" todos os problemas. A única resposta é planejar com antecedência. Às vezes, gosto de concentrar um valor dramático nas áreas de foco em que quero que o espectador olhe. Freqüentemente deixo as outras áreas do desenho desprovidas de valor ou levemente desbotadas, certificando-me de diminuir gradualmente a renderização - deixando que as formas de valor desapareçam progressivamente no white paper, como Ingres fez em Homem jovem. Mas e se você realmente gostar da grande forma gráfica que a sombra apresenta à medida que viaja pela figura geral? Muitas vezes, é melhor simplificar a forma escura para algo chamado sombra do núcleo, um termo que se refere à área mais escura da sombra da forma que não recebe luz direta e pouca luz refletida. Olhando para o Tiepolo Estudo das Costas, observe como as formas das sombras tendem a escurecer à medida que a forma abaixo se afasta gradualmente de todas as fontes de luz refletida. Isso normalmente resulta em uma faixa escura que às vezes é sutil e outras muito óbvia, mas quase sempre situada perto do terminador ou da borda da sombra. Em pouco tempo, amplie sua linha de esboço inicial do terminador em uma sombra central imaginada e suavemente renderizada, como se houvesse uma poderosa luz refletida saltando sobre o modelo. Com Figura para recortar, Eu sabia que o modelo não aguentava uma pose tão exigente fisicamente por muito tempo. Bloqueiei a sombra mais levemente do que realmente a via, enfatizando seu núcleo, para que eu pudesse manter a forma geral forte que ela criava enquanto fluía através da figura.

Mulher nua com uma cobra
de Rembrandt, ca. 1637,
giz vermelho aumentado com cor branca,
9 11/16 x 5 7/16. Coleção
J. Paul Getty Museum, Los Angeles,
Califórnia.

Valor como design
Freqüentemente, as formas claras e escuras podem parecer bastante complexas quando viajam pela forma do modelo, parecendo para os olhos destreinados como se fossem uma coleção aleatória de formas desajeitadas isoladas. Um design forte e poderoso baseia-se no equilíbrio entre complexidade e simplicidade. Procure por algum tipo de padrão de sombra unificador na figura humana que você está desenhando. Seu modelo não é apenas uma coleção aleatória de manchas escuras. Geralmente, é possível encontrar algum tipo de padrão de formas claras e escuras que percorrem ritmicamente todo o corpo, transmitindo harmonia e um senso dinâmico de design, como no bloco de sombras bastante óbvio, mas elegante, que atravessa Mulher nua com uma cobra, de Rembrandt. Não congele quando se deparar com um conjunto mais esquivo de formas de valor, como as que Cézanne enfrentou em Nude Acadêmico. Olhe atentamente e deixe o modelo guiá-lo. O corpo humano é uma máquina projetada por conta própria, com cada forma de valor escuro e claro sincronizada com a anatomia abaixo. Procure um afunilamento que geralmente exista nas extremidades de cada forma clara e escura. Assim como cada parte do corpo está entrelaçada, uma na outra, cada forma de valor apontará para ou entrelaçará com a outra, criando um poderoso padrão de unidade, não importa quão aparentemente distantes as formas individuais possam aparecer primeiro.

Spotting
Lembre-se de onde você coloca as luzes no desenho, não apenas as suas trevas. Participe de algumas "reflexões" contemplativas, equilibrando suas luzes e trevas por toda a superfície do desenho para obter harmonia na composição. Por exemplo, quando você renderiza o realce no nariz do seu objeto com um pouco de giz branco, tente distribuir mais algumas manchas de branco por outras áreas externas do desenho. Não tenha medo do lápis branco. Na verdade, não é mais perigoso do que o seu lápis escuro e, quando aplicado a papel tonificado, pode ser usado da mesma maneira para indicar forma, da mesma forma que Raphael São Paulo rasgando suas vestes, usando mais pigmento para criar luzes mais brilhantes e menos pigmento para indicar iluminação mais fraca. Ao fazer seu próprio desenho, tente pensar no lápis branco como a ferramenta que representa os meios-tons claros, enquanto o lápis escuro é a ferramenta que gera os meios-tons escuros e as formas de sombra.

Depende muito do valor do papel: se for brilhante o suficiente, considere seu valor base como parte do meio-tom claro e, se estiver escuro o suficiente, considere parte do meio-tom escuro. De qualquer forma, antes de obter uma renderização detalhada, é útil aplicar um pouco de giz branco nas áreas de meio-tom claro do seu desenho para reservá-lo para outras manipulações. Freqüentemente, se você esperar aplicar o branco ao seu desenho até que esteja quase pronto, descobrirá que invadiu muitas áreas de meio-tom claras com linhas escuras de lápis ou massas de valor, não deixando espaço para o pigmento branco e gerando muito desenho sem graça e enlameado.

Estudo das costas
de Giambattista Tiepolo, ca. 1745,
sangue e giz branco sobre papel azulado, 13½ x 11.
Coleção Stuttgart Kupferstichkabinett,
Stuttgart, Alemanha.

Halation
Muitos artistas acham gratificante concentrar-se no drama dos contrastes de valor, localizando os fortes padrões de escuridão e luz que percorrem a figura, mas se destacam quando se trata de trabalhar nas “formas negativas” ou nas chamadas áreas vazias e passivas. ao redor do modelo. Um desenho de figura forte e dramático ainda parece poderoso contra um fundo em branco. Mas pense no potencial gráfico disponível quando você posiciona algumas sombras no lado claro da figura ou coloca um meio-tom claro atrás do lado sombrio da figura! Originalmente chamado contraste simultâneo pelos cientistas e filósofos do início do século 19, cada forma de valor - escuro contra a luz e luz contra o escuro - aumentará o poder do outro, tornando as luzes mais brilhantes quando justapostas ao escuro e as sombras mais escuras quando colocadas perto de um valor mais leve, como no de Seurat Figura nua por um cavalete. Na próxima vez que você tirar vida, observe atentamente o plano de fundo ao redor do lado escuro do modelo. Você pode notar que o valor do plano de fundo parece clarear um pouco quando se aproxima do lado sombreado da figura ou um fundo sombrio ficando mais escuro à medida que se aproxima das partes iluminadas do modelo. Chamado halation pela maioria dos cientistas, esse efeito é freqüentemente exagerado pela maioria dos artistas para criar um intercâmbio mais dramático entre o fundo e as formas das figuras. Muitos artistas, como Seurat, usam esse efeito extensivamente, enquanto outros o usam seletivamente para endurecer e acentuar certas arestas na figura que desejam avançar no espaço, ou detalhes que desejam que o espectador perceba mais rapidamente, uma técnica que Guercino usa em Juventude Sentada.

Meio Ambiente
Tente não exagerar, no entanto, ao construir uma figura flutuante que parece não querer viver dentro de sua própria configuração. Para dar mais profundidade e dimensão ao seu trabalho, procure a atmosfera que envolve seu modelo enquanto você trabalha da vida. Tente observar e explorar as áreas em que as luzes e as sombras do seu objeto se fundem em valores semelhantes no ambiente, incorporando a figura a uma forma abstrata maior, às vezes mais emocionante. Da mesma forma, você pode aplicar essa idéia a duas ou mais figuras, encontrando padrões de valores claros e escuros que abrangem e unificam várias figuras em uma composição complexa, como Tiepolo costumava fazer em seus desenhos.

Juventude Sentada
de Guercino, ca. 1619, carvão preto
mergulhado em chiclete aumentado com branco
giz em papel pardo, 20 9/16 x 16 13/16.
Coleção J. Paul Getty Museum,
Los Angeles, Califórnia.

No mínimo, mesmo quando você estiver desenhando uma figura singular contra um fundo em branco, poderá mesclar a figura no piso plano, onde os pés projetam uma sombra projetada no chão em uma figura em pé ou onde O corpo do modelo toca a cadeira de uma figura sentada. A simples existência de uma forma de sombra projetada para trás, para frente ou através da planta ou cadeira do piso ajudará a criar uma sensação de espaço envolvente. Mesmo que a sombra projetada esteja escondida atrás das pernas que a projetam, você sempre pode desenhar uma linha de esboço muito leve ou algumas linhas atrás da figura para indicar uma planta baixa, uma dica das costas de uma cadeira ou alguma outra detalhe da parede além da figura. Outro ponto a ser lembrado sobre o meio ambiente: assim como a luz se gradua lentamente na forma giratória da figura, ela também varia à medida que viaja pelo chão, parede e móveis que cercam o modelo. Observe a profundidade atmosférica criada em seu desenho quando você tornar o ambiente um pouco mais escuro à medida que se afasta da luz - ou vice-versa.

Figura versus fundo
É natural sentir medo do fundo. Talvez você esteja com medo de exagerar nas sombras por trás do modelo e sobrecarregar a figura. Como você sabe, depois que o papel é manchado com tom, muitas vezes é impossível voltar a limpar o papel antes de tentar novamente, resultando em uma aparência indecisa no desenho. Você pode achar liberador desenhar obedientemente o plano de fundo exatamente como o vê, baseando-se nos valores existentes dos objetos por trás do modelo para dar contraste com a figura no desenho. Você provavelmente precisará se reposicionar um pouco para maximizar os contrastes entre seu modelo e o plano de fundo. Freqüentemente, mover a cabeça apenas um pouco é suficiente para, por exemplo, ver um nariz inundado de luz - que foi inicialmente perdido contra a luminosidade no plano frontal do batente da porta - contra a sombra escura do plano lateral da moldura.

Mas e se você estiver interessado principalmente em desenhar o modelo para si, como uma entidade singular, assim como um escultor cativado principalmente pelos ritmos e volumes internos do modelo? Em seu coração, você sabe que precisa colocar alguns valores contrastantes em segundo plano para ativar e dramatizar melhor os padrões de valores na figura. Mas você hesita - e se cometer um erro? Se for você, experimente as formas de valor de fundo em um pedaço de papel vegetal colocado sobre o desenho da figura. Dessa forma, você pode ouvir várias formas até estar convencido de que um design específico funciona com sua figura e, em seguida, pode aplicar a forma vencedora ao seu desenho com abandono e confiança. Leve sua tarefa a sério ao testar diferentes formas de fundo com a figura. A menos que você seja um mestre, normalmente não basta cercar a silhueta da figura com uma forma que se reflete na sua. Em uma prática que chamo de "contraponto de ponto", peço aos artistas que observem os grandes padrões de luz e sombra que percorrem a figura ou a inclinação geral do gesto da figura. Analise todos esses movimentos direcionais e pergunte a si mesmo qual é o mais forte - e tente criar uma forma de fundo que funcione em oposição. Talvez no caso de um modelo inclinado para a frente para a esquerda, você possa enfrentá-lo com uma forma de plano de fundo inclinada para a direita.

Figura nua por um cavalete
por Georges Seurat, 1883-1884,
Conté, 12 × 9½.
Coleção privada.

Depois de decidir a melhor forma de contraponto para o plano de fundo ou "espaço negativo", tente não ter medo de invadir as "formas positivas" da figura ao começar a dar tom ao papel. Um pequeno desvio do valor de segundo plano sobre o valor não vai doer. De fato, pode até simular a sensação da atmosfera invadindo suas formas figurativas.

Muitos artistas em treinamento envidam todos os seus esforços para aprender anatomia e aprofundar seu senso de proporções. Não sei quantos alunos tentaram me ignorar com a desculpa de que aprenderão a observar e renderizar valores quando dominarem o básico "mais importante". Eu tento explicar a eles que ver o valor faz parte do processo de aprendizado, que é difícil perceber proporções e anatomia corretas, sem também olhar para as formas de valor dentro e ao redor da figura. Eu sinto que é muito importante praticar tudo, se você é um artista iniciante, fazendo um pouco de renderização de valor, mesmo que seu senso de proporção ainda esteja um pouco desligado. Dessa forma, você desenvolve sua compreensão de todos os aspectos do processo de desenho, avançando igualmente na sua compreensão dos valores e na sua compreensão de proporções. Então, à medida que sua compreensão das proporções se torna mais sofisticada, você não precisa voltar à estaca zero para se atualizar.


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