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Pastel: Patricia A. Hannaway: Desenhando o que o modelo está fazendo

Pastel: Patricia A. Hannaway: Desenhando o que o modelo está fazendo

Patricia A. da Califórnia. Essa abordagem dinâmica e cinematográfica faz sentido para alguém que se destacou como animador de sucesso.

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por Bob Bahr

Atitude
2006, pastel em papel tonificado,
21 x 12. Todas as obras deste artigo
coleção do artista.

Quando Patricia A. Hannaway vê algumas das pinturas mais dinâmicas de Tintoretto, ela vê o trabalho de um animador. "Você juraria que uma pintura de Tintoretto se mexia quando não estava olhando diretamente para ela", ela exclama. “Os números estão em transição de um movimento para o outro; eles estão cheios de energia! Estou atraído por essa energia.

Hannaway é tendenciosa de certa forma - ela é mais conhecida por seu trabalho no campo da animação. O artista da Califórnia foi o animador sênior do personagem de Gollum em O Senhor dos Anéis: As Duas Torres, e ela também trabalhou nos filmes de animação Shrek e Antz. Ela cortou os dentes no departamento de animação da Walt Disney Feature Animation, onde trabalhou Mulan. Seus empreendimentos de arte também mereceram seu reconhecimento; ela é representada por Kathleen Avery Fine Art, em Palo Alto, Califórnia. Mas quando Hannaway vê alguns desenhos acadêmicos sendo criados por artistas realistas contemporâneos, ela fica consternada. “Preencher o contorno externo, chamado de 'envelope', não é o que muitos dos Mestres Antigos desenhavam”, afirma ela. “O envelope endurece o desenho - é por isso que muitos desenhos acadêmicos podem ser firmes e imóveis. Eles são apenas modelos em um carrinho. Eles não respiram ou se mexem. Mas a vida está em movimento contínuo. ”

Comece com a linha de ação

Hannaway acredita firmemente que o A melhor maneira de iniciar um desenho é estabelecendo primeiro a linha de ação - uma linha que mostra a forma, força e direção do movimento da figura. "A linha de ação não é o contorno externo", diz ela. "Você deve dar um salto conceitual e considerar qual é a ação." Desenhe a forma do movimento, não a coisa, diz o artista. Ela defende manter sua caneta ou lápis na superfície enquanto desenha e desenha a partir do seu ombro, não da sua mão. Levantar o ponto do papel interrompe sua linha de pensamento e faz com que você perca o seu lugar, e Hannaway diz que tudo precisa ficar na página em um fluxo. “Depois de melhorar a representação da linha de ação, você descobrirá que ela serve como uma espécie de cabide e todos os detalhes ficam pendurados”, explica ela. “A perspectiva estará nela, tudo. É incrível."

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Para este artigo, o artista desenhou a linha de ação para três estágios de um arremessador de beisebol jogando uma bola. No esboço à esquerda, o arremessador está terminando o arremesso, e Hannaway começou com o pé direito do arremessador, onde sentiu a ação começar, e desenhou a linha de ação pela perna, pelas costas e para dentro do enrolamento. braço. "A energia está subindo dos pés e a tensão se enrola nesse braço ferido", ela afirma. Os próximos dois esboços mostram linhas de ação indicando a força que sai do corpo através da mão que o arremessa. O gesto é exagerado, mas Hannaway o controlaria mais tarde, enquanto desenvolvia o desenho.

O esboço à direita ilustra como as linhas de ação mostram não apenas a direção, mas também a força. Observe como uma linha curvada para cima ao longo das costas da figura sugere uma força relativamente pequena, enquanto a linha das costas curvando para fora implica um forte empurrão.

"Ao começar com a linha de ação e permanecer nesse estado de espírito, você permanece no modo de pesquisa", diz Hannaway. “Se você estiver focado no contorno, perceberá que está pensando na necessidade de fazer uma parte ou outra parecer de uma certa maneira; você se relacionará as peças em vez de relacionar a ideia. A ideia é a ação, e é isso que precisa ser comunicado. ”

Estudo da figura masculina
2007, pastel em papel tonificado,
18 x 11.

A escolaridade do artista estava enraizada no tradicional. Ela se formou em história da arte no Smith College, em Northampton, Massachusetts, e obteve um M.F.A. da Academia de Arte de Nova York. Mas um segundo MFA, este em animação por computador, obtido na Escola de Artes Visuais, em Nova York, apontou para sua carreira atual e, quando Hannaway foi trabalhar para a Disney, ela sentiu que estava cruzando algum tipo de linha para ilustração comercial. Hannaway agora sente que o movimento foi exatamente o oposto. “Eu posso renderizar qualquer coisa, posso fazer com que qualquer coisa pareça uma fotografia, mas achei que era um beco sem saída”, diz ela. "Fiquei surpreso ao encontrar um sentimento de conexão com os Velhos Mestres através da animação." Ela começou a perceber a linha de ação de destaque nos desenhos de Michelangelo e Rubens. Ela viu como Kollwitz e Degas construíram seus desenhos com o gesto maior da figura. Ela observou os martelos oscilantes, os cavalos de criação e a luta vigorosa retratada nos cadernos de anotações de Leonardo e os momentos fugazes capturados na obra de Velázquez. E ela ficou maravilhada com o dinamismo nos assuntos de Tiepolo. "Suas figuras se reviram e são muito exageradas, mas de alguma forma elas ainda funcionam em suas pinturas", diz Hannaway. “Você provavelmente nunca verá alguém girando ou pressionando tanto quanto algumas figuras dele - se você tentasse, provavelmente quebraria suas costas. Mas quem se importa?"

Estude para Tempestade
2006, carvão vegetal e giz em papel tonificado,
24 x 18.

O ponto não é o exagero. É como a linha de ação, o gesto, é usada para avançar a idéia de composição maior. "Às vezes distorço as formas do corpo para acentuar a linha de ação", diz ela. "O que quer que faça o desenho funcionar e ler corretamente no papel, é o que eu tento alcançar. Não copio o que vejo; Eu empurro a pose, usando o modelo como referência. ” Hannaway enfatiza que um artista sempre pode diminuir o tom se a linha de ação for muito extrema. "Mas sempre vá ao extremo, depois puxe-o para trás", ela aconselha. "É muito difícil tornar uma pose amortecida mais dinâmica. Torno a linha de ação mais extremada do que na vida real, para que quando eu renderize sobre ela, haja algum movimento restante. ”

Os números envolvidos em movimentos dramáticos não são os únicos com uma linha de ação. Qualquer corpo que tenha peso tem uma linha de ação. Em uma figura em pé, a linha de ação descreve como o peso é manipulado pelo corpo: qual perna é a que mais suporta, qual quadril é inclinado, qual ombro responde mergulhando levemente, como a coluna está curvando-se - mesmo como a cabeça é mantida pelo pescoço. "Em uma pose de pé, a força da ação é o peso caindo no chão", diz Hannaway. Determinar onde o peso, a compressão ou a extensão está em uma pose orienta esse desenho e determina o centro de interesse.

Greve!
2005, carvão sobre papel creme, 24 x 18.

O artista tem alguns conselhos simples para os desenhistas que querem aprender a colocar a linha de ação com rapidez e precisão: Vá ao zoológico e desenhe macacos. Eles o forçarão a capturar a maneira como eles se movem - eles não ficarão parados o suficiente para uma renderização cuidadosa. "Você não pode capturar os contornos deles", diz o artista. “Mas você pode capturar a linha de ação e, consequentemente, a essência do macaco. Assista a transferência de peso, as ações típicas, como fica. Aprenda o caráter do animal. Veja como ele trava e desce, como a tensão funciona em seu corpo. Você não pode se preocupar com a mosca no ouvido ou outros detalhes. " Hannaway enfatiza a linha de ação a ponto de querer sacrificar a correção anatômica e cita Goya como um exemplo convincente desse conceito, em particular os desenhos altamente eficazes de sua série Os Desastres da Guerra. "Ninguém se importa que a anatomia de um braço ou ombro possa não estar correta em um deles", explica o artista. "A maneira como o braço é desenhado serve a poderosa idéia por trás do design do desenho." Pode parecer difícil ignorar a técnica na maioria dos casos, mas Hannaway serve a um mestre diferente. Ela está em busca incessante da "idéia", e essa idéia é expressa mais nas linhas de ação das figuras em suas peças do que nas informações de superfície. Sua arte é sobre coisas acontecendo, eventos ocorrendo ou prestes a ocorrer. Ela o compara ao cinema - exceto que um pintor se limita a apenas um quadro. Este artista valoriza o cinestésico sobre o meramente preciso.

De fato, a essência da abordagem de Hannaway está encapsulada em um lema que seu mentor, Jim Smyth, formulou: "Desenhe o que o modelo está fazendo, não como ele é". Ela explica que esse modo de pensar promove um diálogo entre o artista e o modelo, o que permite ao artista capturar os relacionamentos mais amplos e "sentir" a pose em seu próprio corpo enquanto desenha. “Meu processo de pensamento enquanto desenho é: o modelo está fazendo isso, e meio que fazendo - me envolvo com o que o modelo está fazendo e mentalmente faço a pose, sentindo o movimento em meu próprio corpo. Isso é transferido para a página através de uma linha energizada; o desenho procede de um sentimento interno para o exterior. Por outro lado, quando o foco está na aparência do modelo, esse diálogo é encerrado. De repente, o desenho passa a ser sobre os detalhes da superfície e o esboço de um contorno externo. Ele progride para "preencher" um contorno em vez de "sentir" os relacionamentos e o peso maiores. Nada mata um desenho mais rápido do que esse processo de pensamento! Apenas presto o que aprimora o gesto. Indiscutivelmente, Hannaway menciona que a palavra animar vem do latim animatus- "dar vida a."

Se encontrar um equilíbrio delicado entre uma linha de ação forte e uma inadequadamente exagerada é uma tarefa difícil, a aversão de Hannaway a desenhos bem renderizados traz uma ainda mais difícil: saber quantos detalhes são suficientes - saber quando parar. “O desenho de animação - e na minha opinião, grandes desenhos de belas-artes em geral - favorece apenas capturar o que é essencial para um personagem ou forma, em vez de renderizar as qualidades de superfície de uma forma”, explica o artista. “Um bom desenho funciona de dentro para fora, do geral ao específico.” Ela resumiu dizendo simplesmente que mais detalhes não resultam em maior verdade ou precisão. “O discernimento intelectual do que enfatizar é o grande prazer de fazer um desenho envolvente e animado”, explica Hannaway. “Um movimento estressante de desenho é mais verdadeiro do que uma fotografia que congela uma figura em um instante de tempo. Os grandes artistas pretendem capturar a essência do modelo, e é isso que os animadores buscam. ”

Ela lembra com carinho como a Disney organizou um lagarto gigante para visitar seus escritórios quando os animadores precisavam estudar o movimento do animal para criar um personagem, e como os artistas passavam um dia desenhando um falcão vivo em preparação para uma cena em particular com aquele pássaro. isto. "Desenhar é como respirar na Disney", diz Hannaway. "As pessoas nem sequer pensam nisso, é tão natural e são tão boas nisso. Então, em vez de desenhar o que vê, você desenha para Compreendo alguma coisa." Não é que o desenho não seja importante; Hannaway ainda retira da vida pelo menos 10 horas por semana, e sua idéia de um bom dia está chamando a atenção dos clientes em um café por horas. Mas o desenho não é sobre exibir ou justificar uma técnica ou criar uma imagem fotográfica. É construir um banco de imagens mentais; observar e aprender sobre seu ambiente, física e humanidade; e internalizar os elementos mais importantes de poses e formas para que ela possa servi-los a seus propósitos. “O design de uma composição é sempre a prioridade - vou sacrificar tudo pelo design”, diz o artista. “Então, com base no design, retiro coisas que quero enfatizar. É seleção, e tem muito pouco a ver com pintar o que vejo. O design é determinado pela idéia, e a idéia é o que desejo transmitir. ”

Ternura
2007, pastel em papel tonificado, 21 x 13.

Recentemente, isso significou pinturas figurativas temáticas em larga escala. Hannaway executa muitos estudos sobre carvão e guache em preparação para uma pintura, depois pinta pequenos estudos a óleo para determinar a iluminação da peça e esclarecer a composição. Os eventos atuais e o comportamento humano contemporâneo constituem o assunto. "Eu acho que é importante que os artistas sejam a consciência de seus tempos", diz ela. “É bom aprender sobre os materiais e as habilidades dos séculos passados, mas a arte deve ser do nosso mundo. Estou procurando um significado na condição humana. "

Sobre o Artista

Patricia A. Hannaway ganhou um M.F.A. em animação por computador da School of Visual Arts, e um M.F.A. na figura pintura e desenho da New York Academy of Art, ambos na cidade de Nova York. Ela foi uma animadora sênior de personagens da trilogia O Senhor dos Anéis e seus outros créditos incluem trabalhos nos filmes Mulan, Shrek e Antz. O artista ensinou desenho e animação na Universidade de Stanford, em Palo Alto, Califórnia. Ela recebeu uma bolsa da Andy Warhol Foundation. Hannaway é representado por Kathleen Avery Fine Art, em Palo Alto, Califórnia. Para mais informações sobre a artista, visite seu site em www.patriciaahannaway.com.

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