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Técnica: Lavagens acrílicas sobre desenhos

Técnica: Lavagens acrílicas sobre desenhos

por John Rutherford

Cirurgião exausto
2002, Conté e acrílico, 17 x 21.
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coleção do artista.

Minha abordagem ao desenho de figuras me permite trabalhar rapidamente para estabelecer os contornos lineares da forma do modelo e o padrão tonal de luz e sombra. Os desenhos acabados são obras de arte completas, mas também podem ser as bases de pinturas a óleo ou acrílicas mais desenvolvidas.

Uso lápis Conté de cor terra (principalmente o número 617) para desenhar linhas e sombras, porque são fáceis de segurar e mover-se suavemente pelo papel. Também gosto que elas produzam linhas nítidas ou marcas largas quando apontadas com uma almofada de areia e estão disponíveis em várias cores de pele. Como gosto de fazer linhas longas e fluidas, seguro os lápis no meio, com o braço totalmente estendido. Começo a desenhar com o papel em uma posição quase vertical, aplicando mais pressão ao desenhar áreas sombreadas e menos pressão ao identificar detalhes no lado claro.

Trabalho em papel de desenho bond branco porque a superfície lisa facilita as linhas vivas e suaves que descrevem o modelo posado. É importante que o papel seja bastante pesado para aceitar as lavagens de tinta acrílica sem dobrar.

Fumante
2002, Conté e acrílico, 17 x 16.

Eu sempre começo desenhando a cabeça da modelo; é a unidade de medida mais conveniente para julgar as proporções do resto do corpo. Segurando o lápis bem na minha frente, fecho um olho e movo o polegar para baixo até que o ponto afiado marque o topo da cabeça e a miniatura marque o fundo. Depois movo o lápis para baixo e sobre o corpo do modelo para avaliar a profundidade e a largura do formulário. Uma figura em pé pode ter seis cabeças de altura e uma a duas cabeças de largura, por exemplo, e uma figura sentada ou inclinada seria mais baixa e mais larga.

Usar a cabeça como unidade de medida me ajuda a avaliar a proporção, enquanto analisar formas positivas e negativas me ajuda a descrever com precisão a pose e o gesto do modelo. Após anos de experiência, posso fazer todas essas determinações de maneira rápida e geral. Estou tão preocupado em criar linhas fluidas e elegantes quanto em descrever a pose com precisão. Um desenho rígido e exato é menos atraente do que um esboço animado e sugestivo.

Uma luz forte no modelo cria padrões de sombra distintos que posso desenhar com a borda larga do lápis Conté, deixando as áreas limpas do papel para sugerir valores mais claros. Quando termino de estabelecer esses padrões, pego o trabalho fora do estúdio e pulverizo a superfície com um fixador viável. Esta etapa, que normalmente faço quando o modelo está fazendo uma longa pausa, garante que as lavagens sobre o desenho não perturbem as linhas.

Casal de aposentados
2002, Conté e acrílico, 16 x 16.

Em um pequeno recipiente, misturo meio de brilho acrílico com uma pequena quantidade de tinta acrílica sienna queimada e aplico sobre a figura para criar um tom de pele geral. Quanto mais tinta acrílica eu uso, mais vermelha fica a lavagem. Se um tom de fundo ajudar a estabelecer a borda iluminada da figura, eu também o escovo. Se o tom de pele do modelo for mais frio, eu uso uma lavagem de umber queimado como tom de pele. Ao desenhar a partir de um modelo vestido, uso lavagens da cor local para bloquear a forma geral da camisa, calça ou outras peças de vestuário.

Quando o modelo retoma a pose, adiciono tinta acrílica branca de titânio à mistura de brilho médio e pinte os destaques. O branco torna a tinta um pouco mais opaca e mais fria, e isso equilibra bem com a cor da pele transparente e quente.

Nesse ponto, o desenho está completo, mas eu poderia continuar trabalhando com uma paleta completa de cores em cima dessa declaração simples de valor. Na minha experiência, um desenho preciso é a melhor base para criar uma pintura porque as proporções, gestos e composição são resolvidos. Não importa se o modelo muda de posição após os intervalos, porque as linhas do desenho já fixaram sua pose
no papel ou tela.

O processo que estou sugerindo permite simplicidade e precisão no desenho e na pintura. A tinta continua propositalmente com o desenho. Por outro lado, empilhar tinta para corrigir a falta de desenho preparatório não apenas adiciona tempo e dinheiro ao processo, mas também aumenta a opacidade da superfície. Isso limita os esmaltes e reduz a vibração da arte, independentemente do meio usado para estabelecer os tons.

Quando trabalho sozinho no meu estúdio, às vezes uso tinta a óleo para as lavagens de cores sobre o desenho da Conté, combinando sienna ou umber queimado com um meio tradicional de verniz e aguardente mineral. Nesse caso, é especialmente importante borrifar toda a folha de papel de desenho com fixador viável, para que o óleo da tinta não vaze e crie uma mancha ao redor do desenho. Obviamente, a tinta a óleo seca mais lentamente que o acrílico e requer o uso de solventes que às vezes criam um odor incômodo. Por esses motivos, meus alunos usam tintas acrílicas ou outras tintas solúveis em água e levo acrílicos comigo para sessões de desenho nas quais compartilho espaço e o custo de um modelo com outros artistas.

Também usei a mesma técnica com aquarela, guache e caseína - todos os três solúveis em água - e eles funcionam tão bem quanto os acrílicos e dão uma aparência um pouco diferente aos desenhos acabados. Qualquer que seja o meio escolhido, é útil testar as misturas de tinta, água e meio em um pedaço de papel de desenho para garantir que a lavagem não seja muito fina ou opaca. Deve ser transparente o suficiente para permitir que as linhas Conté sejam exibidas de maneira clara, mas opaca o suficiente para criar um tom de pele satisfatório.

Dos milhares de desenhos de lavagem que fiz de um modelo, apenas cerca de 35% são bem-sucedidos. Alguns desenhos o fazem porque um modelo bonito faz uma pose que garante um desenho forte; outros o fazem apesar de um começo aparentemente impossível - uma pose que parece que não funcionará devido à vista do cavalete ou à posição dos holofotes. Mas o objetivo é manter o exercício e tentar ficar animado com o processo. Se você fizer isso, todos os desenhos serão benéficos.

Sobre o Artista
John Rutherford nasceu em Napa, Califórnia, e estudou na Academy of Art College, em São Francisco, e no Art Center College of Design, agora em Pasadena, Califórnia, antes de iniciar uma carreira como ilustrador comercial. Aos 55 anos, ele se aposentou e se tornou um artista e professor de tempo integral, oferecendo aulas de desenho e pintura na Academia de Artes. Ele é ativo em associações de arte em Mendocino, Califórnia, onde mantém um estúdio.

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