Desenhando

Aguarela: Jane Paul Angelhart: uma abordagem prática e criativa dos retratos encomendados

Aguarela: Jane Paul Angelhart: uma abordagem prática e criativa dos retratos encomendados

Tendo completado mais de 400 retratos em aquarela de crianças, Jane Paul Angelhart sabe como evitar possíveis problemas com tintas barrentas, poses incomuns, crianças nervosas e mães dominadoras.

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de M. Stephen Doherty

Bailarinas
1998, aquarela,
30 x 22. Coleção
o artista.

“Eu aviso a outros artistas que, embora pintar retratos de crianças em aquarela possa ser uma empresa muito lucrativa, também pode ser um negócio difícil, especialmente para um pintor que realmente quer seguir sua própria agenda”, diz Jane Paul Angelhart. “Para a maioria dos clientes, a comissão representa um grande compromisso financeiro e os envolve em um processo desconhecido. Eles não têm certeza do que esperar e estão acostumados a ver seus filhos em instantâneos ou fotografias da escola - nenhum dos quais realmente representa a personalidade que um artista desejará capturar em uma pintura. Como resultado, os pintores precisam gastar muito tempo ajudando os clientes a entender como o processo funciona melhor e por que pode não ser o que eles estão esperando.

"Não consegui encontrar ninguém para me ensinar a navegar pelas águas traiçoeiras dos retratos encomendados, então demorei um pouco para descobrir os aspectos técnicos do uso da aquarela e o lado profissional do trabalho com clientes pagantes", lembra Angelhart. “Eu experimentei por anos para encontrar uma paleta de pigmentos que produziam tons de pele luminosos e realistas. Quando comecei a pintar em aquarelas, o conjunto padrão que se podia comprar tinha o básico (preto, branco chinês, ocre amarelo, siena queimada, umber queimado, viridiana, azul ultramarino, amarelo cádmio e vermelho cádmio). Esses pigmentos são adequados para pintar com óleo, mas não eram transparentes e vibrantes o suficiente para minhas pinturas de crianças em aquarela. Também avaliei por que algumas comissões eram mais difíceis de concluir do que outras, para não repetir meus erros. Eventualmente, eu descobri como manter uma carreira lucrativa e satisfatória, e então comecei a ensinar outros artistas para evitar que eles passassem pelas mesmas lutas. ”

Betty Jean
1990, aquarela,
Coleção 22 x 18.
o artista.

Angelhart cobre todos os aspectos do retrato em suas aulas, oficinas e em seu novo DVD, mas o componente mais crítico é a seleção das cores dos tubos e a sequência do aplicativo em papel aquarela. "Depois de mapear cuidadosamente os traços da criança, passo com o que chamo de 'cores do circo'", explica ela. “Esses pigmentos incluem cores puras de quinacridona e verduras - cores vivas e vivas que mais tarde suavizo quando aplico lavagens subsequentes. É fácil amortecer uma cor, mas difícil tornar uma cor opaca mais viva em aquarela. As cores brilhantes acrescentam profundidade e interesse à pintura, brilhando através das camadas e criando complexidade. Evito usar azuis e roxos nos estágios iniciais, porque eles podem turvar as cores e fazer com que a pele pareça machucada ou cansada. ”

Para alcançar esse estágio de aplicação de lavagens de “cores circenses”, Angelhart passa por um processo de tirar centenas de fotografias digitais de seu assunto, selecionar o melhor desses instantâneos, desenvolver um desenho em escala real, transferir as linhas importantes do desenhando e apresentando sua paleta. Cada passo é importante para capturar um senso da verdadeira personalidade da criança, bem como de sua semelhança. "Aprendi com todos os meus anos de retratos que preciso controlar a situação do começo ao fim para criar uma pintura que satisfaça a mim e ao cliente", explica ela. “Qualquer pessoa pode fazer uma cópia exata de uma fotografia, mas é preciso muito planejamento e controle cuidadosos para desenvolver uma aquarela que realmente capture a personalidade de uma criança.”

Dançarino
1998, aquarela,
Coleção 15 x 11.
o artista.

Um aspecto importante do estabelecimento do controle é ter uma conversa com um cliente para esclarecer os parâmetros da comissão. “De um modo geral, meus clientes são famílias de classe média, não grandes corporações ou herdeiras ricas, então o custo de um retrato é uma quantia significativa de dinheiro para eles”, explica Angelhart. “Eles tendem a se preocupar em se comprometer com a despesa sem saber se realmente gostarão da pintura pronta, então eu os coloco à vontade e me dou a necessária latitude, dizendo a eles que usarei o filho deles como objeto de uma pintura, e se eles querem comprar a pintura, isso é ótimo; mas se eles não quiserem comprá-lo, vou mantê-lo no meu portfólio. No final, 99% deles compram o retrato, mas, ao oferecer opções, alivio a ansiedade e evito que os clientes assumam o controle do processo. Quero saber que tamanho de pintura eles têm em mente, onde pretendem pendurá-la e se eles já têm retratos de outros membros da família; mas não quero que a mãe poste os filhos, olhe por cima do ombro enquanto eu tiro fotos ou diga à criança para sorrir. Esclareço que quero ficar sozinha com a criança para que ela possa me conhecer e o que farei; e eu digo a eles que não verão nada até a pintura terminar. "

Angelhart viaja para a casa do cliente para poder fotografar crianças em um espaço onde elas estejam relaxadas e confortáveis. Se o tempo permitir, ela fotografa as crianças no quintal ou na área de recreação. Se uma pose ao ar livre for impossível, o artista trabalhará perto de uma janela da casa, de preferência um quarto ou área de recreação onde a criança esteja à vontade. “O objetivo é reduzir o nível das crianças - tanto física quanto mentalmente - e desenvolver um senso de confiança e conforto que permita que elas relaxem e sejam elas mesmas”, explica o artista. “Eu tento fazer com que eles me falem sobre eles - seus lugares favoritos, as atividades que mais gostam, seus animais de estimação e assim por diante; e respondo a quaisquer perguntas que possam ter sobre o meu interesse em pintar o retrato deles ”.

Beth com Snorkel
1998, aquarela,
20 x 28. Coleção particular.

Enquanto conhece a criança no início da manhã ou no final da tarde, quando a luz do sol está quente e baixa no céu, Angelhart tira centenas de fotografias em locais diferentes, com e sem adereços, e em diferentes ângulos (perfil, três quartos e rosto cheio) ) Na maioria dos casos, Angelhart se distancia da criança e usa uma lente longa para que o menino ou a menina sejam menos conscientes de olhar para a lente e, assim, as fotografias resultantes serão mais precisas com menos distorção da lente. “Embora algumas vezes as primeiras fotografias sejam as melhores, na maioria dos casos, são os últimos quadros que realmente capturam a verdadeira personalidade da criança, porque são tirados quando o menino ou a menina esquecem a câmera e ficam completamente relaxados, O artista explica. "Naquela época, eles não estavam preocupados com a postura ou a postura, a expressão ou os gestos".

Embora Angelhart permita que as crianças encontrem sua posição mais natural, ela tenta fazê-las posar para que elas não tenham um sorriso largo e cheio de dentes no rosto. Ela também toma cuidado para que a luz do sol não atravesse seus rostos e projete sombras estranhas, e ela tira algumas fotografias com a luz do sol atrás da cabeça da criança. "Depois que as crianças aceitam minhas sugestões, peço que elas se sentem e fiquem em vários lugares ao redor do quintal ou em casa."

Chase e Summie
2006, aquarela,
22 x 30. Coleção particular.

De volta ao estúdio, Angelhart baixa todas as fotografias digitais para o computador e analisa cuidadosamente cada imagem para identificar as três ou quatro que podem ser usadas para criar o retrato mais atraente e característico do sujeito. Ela faz ampliações de impressão colorida dessas fotografias para usar como referência e desenvolve um desenho de grafite bastante detalhado em uma folha de papel que é do tamanho da pintura pretendida. Quando ela está satisfeita com esse desenho, transfere cuidadosamente um número mínimo de linhas para uma folha limpa de papel aquarela prensado a frio de 300 libras Arches ou uma gramatura semelhante de papel Fabriano. “Quero reduzir ao mínimo a quantidade de grafite no papel de aquarela, então apenas uso pontos ou linhas curtas para indicar a localização de pontos de referência, como a largura dos olhos, a parte inferior do nariz, as bordas do boca e assim por diante ”, explica o artista. A maior parte do 'desenho' no papel aquarela é feita com o pincel com cores muito claras e sem manchas. Angelhart chama isso de planta ou mapa para sua pintura.

Mona Lisa Eyes
2004, aquarela,
22 x 15. Coleção particular.

Com suas fotografias de referência iluminadas na tela de um computador próximo, Angelhart começa a mapear os traços faciais usando os pincéis redondos da série 7020 da Loew-Cornell (nºs 4 a 12) e cores brilhantes e transparentes, como ouro de quinacridona, laranja queimada com quinacridona, coral de quinacridona , vermelho antraquinona, laranja perinona, laranja amarelo, ouro verde, verde azeitona (Holbein), verde ftalocianina, azul manganês, azul ultramarino, azul cobalto, violeta cobalto e ópera. “As cores da terra, como o ocre amarelo, a sienna queimada e o umber cru, podem combinar para criar ótimos tons de pele na pintura a óleo, mas são granulados e lamacentos demais para a aquarela”, diz ela. “Tenho alguns cádmios disponíveis para situações especiais, mas prefiro começar com as cores mais brilhantes e vibrantes que posso encontrar, e depois modulo-as quando pinto as sombras ou flutuo lavagens de cores nas primeiras camadas de pintura."

Ela estabelece as áreas de sombra adicionando cores complementares às cores quentes da pele - digamos, um azul cobalto ou verde azeitona jogado em uma poça de quinacridona queimada em laranja. "É importante não entrar cedo demais com azuis e lavanda frios que farão com que as formas das sombras pareçam duras", explica ela. "Esses sotaques fortes são bons para adultos que têm estruturas faciais angulares, mas são muito nítidos para a pele macia de uma criança. É preciso muito pouca tinta para virar uma bochecha ou representar uma sombra projetada ao lado do nariz no rosto de um jovem. "

Candler Grands
2007, aquarela,
22 x 30. Coleção particular.

Angelhart gasta bastante tempo definindo os traços faciais porque esses são críticos para o sucesso do retrato. “Ao contrário de muitos outros artistas, estabeleço imediatamente os destaques no nariz, nos olhos e ao redor da boca pintando uma cor fraca ao redor da área para ficar branco; e estabeleço muitos outros detalhes logo no início. Sempre posso ajustá-las posteriormente, mas acho útil estabelecer essas áreas críticas antes de me aprofundar no processo de pintura. Lavagens subsequentes suavizam esses detalhes posteriormente. ”
Uma vez que o rosto da criança esteja claramente definido, Angelhart bloqueia a massa do cabelo e o fundo da criança. "Eu tenho que ter uma noção de uma gama completa de valores para saber como equilibrar a composição geral", diz ela. “Pinto o cabelo e o fundo com pinceladas muito mais soltas, de cor molhado em molhado. O fundo é o lugar onde me divirto com misturas de cores e lavagens aleatórias. ”

Phillip
2006, aquarela,
30 x 22. Coleção particular.

Depois que Angelhart marca as áreas mais escuras da composição, ela pode voltar ao rosto para adicionar camadas de cor para aprofundar e esfriar as sombras, intensificar o rosa nas bochechas, escurecer a forma do lábio superior e pontuar os cantos do rosto. a boca. “Em uma oficina, mostro aos alunos como misturar cores na superfície do papel aquarela e não na paleta”, explica ela. “Quanto menos pigmento for aplicado, mais brilhantes permanecerão as cores. Eu mostro a eles como colocar a tinta no papel ou colocá-la em uma área úmida e depois persuadir as cores a fluirem para onde eu quiser. ”

O último passo no processo de pintura é resolver a pintura dos olhos da criança. "Há muitas coisas que faço antes de pronunciar uma pintura como concluída", explica ela. “Normalmente, tiro fotografias digitais enquanto pinto e converto uma das fotos em uma impressão em preto e branco para poder verificar novamente os valores; e olho constantemente a imagem inversa da pintura em um espelho para procurar pequenas distorções. Os olhos são a primeira e a última consideração no processo de pintura, então eu os verifico uma última vez antes de adicionar minha assinatura à pintura.

"Pintar um retrato em aquarela é muito parecido com criar um filho", conclui Angelhart. "É um bom equilíbrio entre deixar as cores vibrantes transparentes crescerem e florescerem em direções inesperadas, mas ser um guia cuidadoso e atencioso que treina e assiste".

Kerry
2006, aquarela,
22 x 16. Coleção particular.

Sobre o Artista
Jane Paul Angelhart projetou e construiu vitrais para igrejas, criou dois filhos, desenhou plantas de casas para uma empresa de construção e fez escultura em argila antes de começar a trabalhar em aquarela e óleo nos anos 80. Nos últimos 15 anos, ela completou mais de 400 retratos em aquarela encomendados. Ela é representada pela Andreeva Gallery, em Santa Fe, e leciona na Andreeva Portrait Academy, na BACAA, em San Francisco, e na John Laurence Art School de Fredricksburg, no Texas. Para obter mais informações sobre Angelhart, visite seu site em www.angelhart-portraits.com.

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