Desenhando

Pintura a óleo: Daniel Graves: Mordomo da Arte Humanista

Pintura a óleo: Daniel Graves: Mordomo da Arte Humanista

Muitos dos grandes professores que treinaram Daniel Graves foram apresentados em Artista americano na década de 1970, enquanto ele e seus alunos foram apresentados em edições mais recentes. Quando a revista comemora seu 70º aniversário, examinamos a educação artística acadêmica que Graves dedicou parte de sua carreira à preservação.

de M. Stephen Doherty

O noivo
2005, óleo, 48 x 32.
Cortesia da Galeria Grenning,
Sag Harbor, Nova Iorque.

Muitos dos realistas importantes do século 20 foram perfilados em Artista americano, e esses artigos tiveram uma forte influência sobre os pintores que estavam famintos por informações que pudessem informar e instruir seus esforços criativos. Daniel Graves teve a sorte de estudar com vários desses artistas influentes, incluindo Joseph Sheppard, Frank Russell, Richard Serrin, Richard Lack, Pietro Annigoni e Nerina Simi; e ele foi apresentado na reportagem de capa de dezembro de 1988. Desde então, Graves continua transmitindo o excelente treinamento que recebeu para as novas gerações de artistas, e a revista contou com vários de seus ex-alunos, alguns dos quais agora ensinam nos Estados Unidos e na Europa.

Como Graves é um dos elos importantes entre o passado e o presente, acreditamos que é apropriado visitá-lo mais uma vez durante este ano de aniversário. Felizmente, ele escreveu extensivamente sobre o estado atual das artes representativas, sua própria formação e a missão que continua a motivá-lo como artista e professor. A seguir, um trecho do ensaio que Graves escreveu que ajuda a explicar a tradição que ele mantém e a metodologia que ele usa para conectar novas gerações de artistas a essa tradição.

Tendo dedicado grande parte da minha vida, tanto como artista quanto como professor, às artes representativas, estou muito satisfeito em ver que, mais uma vez, um número crescente de pessoas está encontrando imagens mais tradicionalmente representadas com significado para elas. A tradição a que me refiro é a do espírito humanista na arte ocidental.

Uma exposição do trabalho de Graves
estar em exibição no Eleanor
Ettinger Gallery, em Nova York,
a partir de 8 de março de 2007.
Para mais informações sobre Graves,
visite seu site em www.danielgraves.com.
Para ler o texto completo de sua
ensaio ou para saber mais sobre
A Academia de Arte de Florença,
visite o site da escola em www.florenceacademyofart.com.
Para uma lista de outras escolas de arte
mantendo a tradição que Graves descreve,
visite o site do Art Renewal Center.

Quando iniciei meus estudos em 1968 com Joseph Sheppard e Frank Russell na Faculdade de Arte do Instituto de Maryland, em Baltimore, a maioria, senão todas, das tradições dignas da educação artística estavam ligadas aos ateliês da Europa do século XIX. As informações recebidas pelos alunos eram transmitidas desde o Renascimento, primeiro por artistas individuais que contratavam aprendizes e depois por academias cuja função era educar artistas e manter uma tradição de artesanato. Como havia poucas instituições desse tipo nos Estados Unidos, a maioria dos pintores americanos viajou para esses ateliês europeus para aprender os princípios e técnicas essenciais para suas vocações.

Alguns dos americanos que tentavam imitar as academias europeias, como R.H. Ives Gammell e Richard Lack, abriram suas próprias academias. Gammell treinou Lack em seu ateliê de Boston e Lack abriu o The Atelier Lack [agora The Atelier] em Minneapolis, que continua a operar sob a orientação de seus alunos. Outros ateliês, passados ​​e presentes, com links para Gammell ou um de seus alunos, incluem os dirigidos por Allan Banks, Charles Cecil, James Childs, Robert Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Koestner, Robert Douglas Hunter, Richard Whitney, Andrea Smith, Ryan S. Brown e Juliette Aristides.

Meu próprio desejo de estar conectado à tradição em um momento em que não era mais inteiro, quando era considerado passé querer fazê-lo e quando sua linguagem estava sendo esquecida, foi o que me levou a Florença em 1978. Tendo estudado com Falta, eu decidi abrir uma escola de arte com Cecil em 1982 (que continuou até 1990 como o estúdio Cecil-Graves), e então fundei a Academia de Arte de Florença em 1991, e continuo atuando como diretor. Meu objetivo era misturar os ensinamentos de Falta com os de outros artistas / professores que me influenciaram bastante. Esse programa educacional e a tradição em que se baseia são o que levou centenas de estudantes à Academia de Arte de Florença, vários dos quais posteriormente fundaram seus próprios ateliês.

Auto-retrato
2005, óleo, 15 3/4 x 19 3/4.
Coleção privada.

Dizer que todos estamos trabalhando nessa tradição acadêmica não significa que nosso assunto e interesses artísticos sejam os mesmos. Como espero, é evidente a partir dos desenhos e pinturas criados pelos artistas que acabei de mencionar e seus alunos, cada um de nós está tentando criar um corpo único de trabalho baseado em seu caminho artístico individual. No entanto, todos nós falamos com a mesma linguagem visual. Ou seja, todos nós aprendemos, na medida do possível, a linguagem da tradição, que usamos para expressar nossas visões. Gosto de acreditar que nossa missão é reunir fragmentos da tradição humanística para que possamos contribuir com imagens significativas que inspirem as gerações futuras.

Minha busca inicial da tradição
Meu próprio caminho artístico, como expliquei, começou no Colégio de Artes do Instituto de Maryland e continuou meus estudos de graduação em Florença, na Villa Schifanoia, onde conheci Richard Serrin, uma das grandes influências em minha vida. Ele me ensinou a ler uma pintura, abrindo assim uma porta que é crucial para o desenvolvimento de um diálogo profundo e contínuo com os mestres do passado. Ele demonstrou um profundo entendimento técnico da pintura de Rembrandt e do século XVII, mas, igualmente importante, ele se comunicava com o mundo da pintura e conversava comigo sobre o significado do que via.

O explorador
2003, óleo, 35½ x 27½.
Todas as obras de arte desta coleção de artigos
o artista, salvo indicação em contrário.

Mais tarde, fui a Minneapolis com Serrin para ajudá-lo com um projeto mural, e foi lá que conheci Richard Lack, com quem estudei por quase um ano. Com Lack, aprendi muitas das tradições acadêmicas da Escola de Boston, que lhe foram passadas por Gammell, e o método de desenho e pintura do tamanho da vista usado por muitos pintores de retratos do século XIX, incluindo John Cantora Sargent. Voltei então a Florença e estudei com Nerina Simi, ou Signorina Simi, como a chamamos. Filha de Filadelfo Simi - um pintor florentino no estilo Macchiaioli, que estudara com Jéan-Léon Gérome -? Signorina Simi manteve o ateliê de seu pai desde a sua morte em 1923 até a sua em 1987 aos 97 anos. Voltei a Florença estudar com ela porque o trabalho que saía de seu estúdio tinha forças que eu queria adquirir.

Lack e Simi ofereceram uma conexão para Gérome me que era significativa para mim. A falta herdou a dele através da linhagem Gammells, enquanto a signorina Simi a colheu através do trabalho no estúdio com o pai. Ambos voltando a Gerome, tinham muitas semelhanças no que ensinavam, mas também algumas diferenças.

A Itália - com seus museus, igrejas e belezas naturais, e como um lugar onde as artes tradicionalmente floresceram - sempre foi um ímã para os artistas. A presença de Signorina Simi e Pietro Annigoni em Florença atraiu muitos jovens pintores (inclusive eu) que procuravam os fios desgastados da tradição realista. Queríamos desesperadamente nos sentir conectados à tradição, e parecia que em nenhum outro lugar os artistas trabalhavam como no passado - com uma atenção para criar, mesmo no nível material mais básico. Em Florença, não se chamava artista, mas pintor; e quando alguém conquistou o respeito dos outros, como Annigoni, recebeu o título de maestro. Essas coisas nos fizeram sentir que a pintura era uma profissão nobre, profundamente enraizada no artesanato, na cultura e na comunidade. Alguns dos que vieram ficaram por apenas alguns meses; outros, como eu, permaneceram porque Florença os cativou com sua beleza e cultura.

Hans
2005, óleo, 27½ x 23¾.

Embora eu não tenha estudado com Annigoni, que morreu em 1988 aos 78 anos, eu o conheci muito bem. Ele era, como alguns o chamavam, o Patriarca do Realismo. Estabelecendo o padrão para o desenhista, ele nos deu esperança, porque ele podia desenhar e pintar como os artistas fizeram nos séculos anteriores.

Eu visitei o estúdio dele muitas vezes para mostrar minhas pinturas; ele sempre foi encorajador, mas nunca deu muitos elogios. Pouco para conversar, ele gostava de discutir os significados mais profundos da vida. Obviamente, a arte sempre esteve na vanguarda de nossas discussões. Como eu saía do estúdio depois de visitá-lo, ele sempre me incentivava. Buon lavoro. Forza e coraggio? (Trabalhe duro e bem. Força e coragem), ele dizia, no tom, imagino, de um guerreiro romano.

Metodologia de Ensino na Academia de Arte de Florença
Em uma escola de belas artes, é dever ensinar apenas verdades incontestáveis, ou pelo menos aquelas que se apóiam nos melhores exemplos aceitos por séculos. As palavras de H. Flandrins, impressas em nosso folheto, são as mais próximas de articular uma declaração de missão na Academia de Arte de Florença. Com Flandrin - e tantos outros que poderíamos citar - como nossos guias, ensinamos o ofício de trabalhar na tradição realista semelhante à que foi ensinada nos ateliês do século XIX da Europa Ocidental - não necessariamente para produzir trabalhos do século XIX, mas , como mencionei anteriormente, porque nosso vínculo mais direto com os valores e ensinamentos tradicionais do passado, conhecidos por terem produzido artistas de nível profissional na tradição realista, é através desses estúdios. Como eu peguei peças da tradição de muitas pessoas diferentes, o que ensinamos na Academia de Arte de Florença é uma mistura do que recebi de muitas das que mencionei anteriormente, interpretadas à minha maneira.

Estudo na nuvem
2006, óleo, 35½ x 51¼.

Ao considerar o modelo de ateliê de treinamento como modelo, a Academia de Artes de Florença é diferente da maioria das outras escolas de arte, onde os alunos frequentam uma variedade de classes e geralmente são ensinados por muitas pessoas. Quando os alunos entram na porta da Academia de Florença, eles recebem um espaço de estúdio e se estabelecem em um ritmo de trabalho que permanecerá constante ao longo de seus anos de estudo. Exortando-os a se tornarem, como disse John Constable, paciente aluno da natureza, metade do dia é gasta trabalhando na figura e a outra metade do dia em seus estúdios, trabalhando em exercícios específicos. Desmistificamos o treinamento de um artista e dividimos a tarefa extremamente complexa de aprender a desenhar, pintar e esculpir da vida em etapas graduais. Nos termos mais gerais, os alunos passam os dias tentando ver e escrever exatamente o que está à sua frente, pois, como Leonardo disse, o pintor produzirá imagens de pouco mérito se considerar as obras de outros como seu padrão; mas se ele se esforçar para aprender com os objetos da natureza, produzirá bons resultados.

Porém, não é fácil fazer isso: uma progressão passo a passo do currículo da escola, do aprendizado a desenhar com precisão até o aprendizado de usar valores de cores precisos no óleo - ou, para os alunos de escultura, aprender a usar a estrutura correta no argila - geralmente leva de quatro a cinco anos. Com poucas exceções, os alunos se concentram exclusivamente no desenho do primeiro ano. Uma vez que eles adquiriram confiança em sua capacidade de precisão, eles são convidados a desenvolver, em preparação para se tornar um pintor, uma sofisticada compreensão das gradações de valor - daí o uso de carvão vegetal, cujo alcance o torna um meio eficaz para explorar a luz. e escuro. Os alunos intermediários alcançam uma base sólida no desenho, tanto em grafite quanto em carvão, e, geralmente no início do segundo ano, começam a desenhar com carvão e giz branco em papel tonificado, um passo mais perto da pintura. Os desenhos dos alunos começam a se parecer com os modelos reais e os desenhos das figuras têm o peso e o equilíbrio de uma pessoa viva. Com essas habilidades de desenho em mãos, os primeiros projetos de pintura são atribuídos.

Estudo para o presente
2006, carvão vegetal e giz branco, 53½ x 47½.

Obter controle sobre esse novo meio leva tempo e experiência e, como no desenho, avançamos passo a passo. Suavizamos a transição do desenho iniciando os alunos com a pintura en grisailleIsto é, com pintura em cinza. Isso permite que os alunos se familiarizem com o uso da tinta para estudar valores sem a complexidade adicional da cor. Apenas alguns projetos são dados en grisaille (geralmente dois modelos e uma pintura com figuras de cinco semanas) antes de um projeto em cores limitadas ser atribuído. Iniciamos os alunos com três cores, sem incluir o branco: ocre amarelo, vermelho inglês e preto. Essa é a paleta mais tradicional e básica que existe - os estudantes a iniciam há séculos, e acredita-se que muitos grandes pintores, como Ticiano, a usaram para produzir alguns dos seus melhores trabalhos. Depois que os alunos descobrem o potencial dessas cores básicas, outras são adicionadas conforme necessário: amarelo Nápoles, vermelhão, azul cobalto etc.

Os alunos do terceiro ano têm tempo para absorver e praticar o material fornecido a eles no segundo ano, juntamente com um maior grau de dificuldade no assunto. O retrato é introduzido, primeiro no desenho e depois na pintura. Muitos estudantes começam a mostrar uma tendência a certos assuntos e podem começar a gastar mais tempo desenvolvendo suas habilidades na área que mais os fascina.

No quarto ano, os alunos dominam o desenho em duas mídias e estão familiarizados com os métodos e materiais da pintura a óleo, a última tão importante nos estudos de um pintor quanto a primeira. Agora é a hora de refinar as habilidades, identificar e enfrentar as fraquezas remanescentes e começar a colocar o conhecimento técnico à prova. Uma das políticas mais benéficas que instituímos nos últimos 10 anos é a crítica final. No final de cada trimestre, os alunos trazem individualmente todo o trabalho que produziram para os professores reunidos. O objetivo da crítica é que os alunos saibam se estão em andamento, dando-lhes uma indicação clara do que sentimos seus pontos fortes e fracos e dando sugestões personalizadas sobre como melhorar. Eles recebem uma nota de aprovação / reprovação com base no desempenho em cinco categorias diferentes: progresso, desempenho, atitude, esforço e presença.

Suspeito que, para alguns estudantes, os dias às vezes pareçam lentos e tediosos, mas quando eles saem depois de estar aqui há alguns anos, sabem como seguir um procedimento que funciona. Toda arte é sobre controle: se você não pode seguir movimentos específicos de balé, não pode dançar balé; você não pode tocar música clássica a menos que tenha controle sobre todas as escalas e seus dedilhados. Você não pode pintar e esculpir da maneira tradicional, a menos que tenha aprendido os princípios e técnicas necessários, como movimento, gesto e proporção.

Estudo para o presente
2006, carvão e giz branco, 52¼ x 50.

Geralmente, existem dois tipos de estudantes: aqueles que parecem ter um dom especial para ver e depois traduzir de forma rápida e fluida de três dimensões em duas, e aqueles que lutam por cada nova habilidade que adquirem. Ambos são excelentes pintores e escultores, além de excelentes professores, por diferentes razões. Os primeiros são frequentemente modelos admirados; eles percebem rapidamente os erros dos alunos e a razão pela qual eles os cometeram. Por outro lado, aqueles que lutaram têm um profundo conhecimento das dificuldades; eles servem como exemplos de progresso e podem simpatizar com a frustração daqueles que estão lutando.

O que parece ser comum entre os que são bem-sucedidos, os que sobrevivem é a paixão e o trabalho duro. Acredito que qualquer pessoa possa alcançar o sucesso, independentemente do seu nível de talento, se for totalmente apaixonada, envolvida e assídua. Como disse Michelangelo, se as pessoas soubessem o quanto eu trabalhei, elas não gostariam do que eu faço.

Uma declaração pessoal
Embora partes da tradição tenham sido salvas e transmitidas, preocupo-me com o estado atual desse corpo de conhecimento, que é uma das razões pelas quais dediquei parte do meu tempo ao longo dos anos ao ensino. Ao desenvolver o programa na Academia de Arte de Florença, optei por enfatizar os aspectos da tradição que me pareciam vitais. Ao fazer isso, não era meu desejo manipular a tradição para se ajustar à minha visão pessoal, mas fortalecê-la, desenvolvê-la e fornecer a uma geração de estudantes as ferramentas necessárias para se dedicar ao que considero um dos maiores e ocupações mais desafiadoras de todas: a criação de imagens que tenham ressonância emocional e habilidade técnica e que, em sua veracidade e beleza, transmitem idéias de grande significado. Para esse fim, como mencionei anteriormente, misturei o que aprendi com os artistas / professores influentes que conheci durante o curso de meus próprios estudos. Eu necessariamente interpretei seus ensinamentos do meu jeito, encaixando as peças como parecia mais correto. No espírito de transmitir aos alunos o que é puro? ou é verdade? - ou seja, para garantir que estamos ensinando princípios e não impondo estilos, maneirismos ou técnicas - nos concentramos em aspectos práticos da arte na escola.

O presente
2006, óleo, cada painel 51½ x 53½.

Para aprender essas técnicas clássicas de desenho, pintura e escultura, é preciso conhecer o idioma para que eles possam falar de uma maneira que seja compreendida. Eu quero passar essa linguagem para os alunos, não para que eles entrem em seus estúdios e produzam trabalhos que sejam uma imitação do passado, mas para que eles possam ir ao mundo e criar obras de arte em um idioma que há muito tempo é usado. por artistas, e isso há muito tempo é entendido por pessoas de todos os níveis da sociedade - sejam eles artistas que trabalham ou não. Tudo o que foi dito, sei que a tradição é muito maior que a soma de todos os elementos do artesanato. De fato, estamos de pé sobre os ombros dos gigantes.

John Ruskin apontou que temos gerações de pessoas atrás de nós, ajudando-nos a fazer obras de arte. Eu acrescentaria que essas gerações de artistas elevaram o significado técnico e psicológico da pintura a um nível tão alto que qualquer pessoa que leva o bastão enfrenta a competição mais dura que existe. Por que não podemos produzir Leonardos hoje? alguém pode perguntar. Não acredito que seja apenas porque nos falta conhecimento técnico e experiência. Eu acredito que é porque há algo além do que, além do mais para a técnica que também faz parte da tradição. Espero que, tendo a escola em Florença, expondo os alunos às suas grandes obras-primas e cultura, que eles aprendam mais da essência da tradição, que tenham mais do que técnica por trás deles para motivá-los.

Dado que não queremos apenas repetir o trabalho dos séculos passados, acho que um dos grandes desafios que enfrentamos é o de descobrir o que vamos pintar e esculpir. Apenas registrar a aparência superficial da realidade? nunca foi a província da pintura, cuja linguagem é muito mais profunda. Desde o início, os artistas pintaram, esculpiram e desenharam coisas que tinham significado para eles, e as imagens que deixaram para trás são um testamento vivo, um registro de sua consciência na terra.

Para continuar o testemunho do que os humanos viram, acreditaram, sentiram e pensaram, precisamos ter a coragem de nos perguntar com o que realmente nos importamos, porque, se não sabemos, não podemos expressá-lo. Devemos desenvolver nossa capacidade de sentir profundamente, pois o que sabemos com nossas mentes é apenas parte do que temos para dar à nossa arte - também temos nossos corações para dar. Hoje, muitos de nós somos adultos em nossas mentes, mas crianças em nossos corações. Devemos nos tornar sábios em nossos corações, em conjunto com o aperfeiçoamento de nosso ofício, a fim de nos expressar de uma maneira que toque e seja significativa para os outros. Buscar beleza e significado em nossas vidas é trazê-lo para nossa arte.


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