Desenhando

Pintura a óleo: Patrick Gordon: acolhendo os desafios da carreira média

Pintura a óleo: Patrick Gordon: acolhendo os desafios da carreira média

Após uma bem-sucedida carreira de 20 anos como aquarelista em Tulsa, Patrick Gordon mudou-se para Nova York para criar grandes pinturas a óleo multipanel de flores. "Ainda estou pintando coisas que amo que representam meus pensamentos e experiências, mas as imagens são completamente novas."

de M. Stephen Doherty

The Studio Table
2007, óleo, 60 x 48 (díptico).
Todas as obras deste artigo
cortesia da Fischbach Gallery,
Nova Iorque, Nova Iorque.

Olhando para os artigos de revistas, livros e catálogos de exposições dos anos 80 que relataram a mudança de atitude em relação à pintura em aquarela, encontramos 40 x 60 pinturas de objetos de natureza morta, interiores, figuras e paisagens de artistas como Sondra Freckelton, Carolyn Brady, John Stuart Ingle, Janet Fish e uma artista de Oklahoma com 20 e poucos anos chamada PS Gordon. Aquele jovem estava montando mostras em galerias e museus de suas naturezas-mortas realistas e em larga escala que incorporavam móveis antigos, objetos de herança, papel de parede estampado, tecido cintilante e retratos exatos.

Em novembro passado, o recentemente transformado Patrick Gordon criou uma sensação no mundo da arte de Nova York com uma exposição intitulada "Patrick Gordon: A Verdade e a Beleza" na Fischbach Gallery, em Nova York. O espetáculo incluiu mais de uma dúzia de pinturas a óleo, medindo de 36 x 36 a 76 x 48. Várias das pinturas eram na verdade três ou quatro telas separadas, trancadas ou penduradas com alguns centímetros de espaço entre elas. Em cada gravura, as imagens compostas simetricamente apresentavam um buquê de flores em um vaso que repousava sobre uma mesa e contra um fundo de tecidos, molduras e objetos refletivos luxuosamente estampados; ou o vaso é isolado em um espaço inespecífico. Cada uma das pinturas foi criada durante um período de dois ou três meses a partir das fotografias de Gordon, ampliadas até 131/2 x 19 em uma impressora Canon I-990.

Mil orquídeas
2006, óleo, 72 x 60 (tríptico).

O ensaio de John Arthur incluído no catálogo de 28 páginas da exposição aludiu a uma grande mudança de vida que levou Gordon a um loft em Nova York de sua casa palaciana em Tulsa e o levou a usar seu nome completo em vez de suas iniciais. No entanto, o artista prefere não insistir nessas mudanças dolorosas. Em vez disso, ele comemora o fato de que, depois de passar por esse período, é capaz de aproveitar a vida e a pintura. “Muitos artistas alcançam o meio de suas carreiras e decidem se redirecionar”, explica Gordon, “ou porque é necessário ou porque é hora de revitalizar o trabalho e torná-lo mais relevante para a pessoa que ele se tornou.

“Trabalhei em óleo em vários momentos, mas decidi me concentrar em aquarela quando me formei na escola de arte”, continua o artista. “Foi um momento emocionante desafiar a noção tradicional de que as aquarelas eram desenhos pequenos, decorativos e coloridos”, explica Gordon. “Há alguns anos, pintei uma série de grandes óleos figurativos e realmente amei a sensação e o imediatismo do meio. Essa série foi bastante conflituosa, e era difícil organizar a exibição e a venda delas, então decidi voltar ao que sempre fora meu assunto favorito: flores. Eles são tão perfeitos em todas as fases de sua existência, estejam florescendo ou começando a murchar. Muitos grandes artistas do passado mostraram que representações de flores podem representar uma vida simplificada e bonita; e como era para isso que eu estava me esforçando, fazia sentido pintá-las. ”

Flores para Lalla
2007, óleo, 60 x 48.

Há momentos em que o artista visita a casa de um amigo ou janta em um restaurante de Manhattan e vê um arranjo de flores que se sente compelido a fotografar e pintar, mas na maioria das vezes ele compra flores cultivadas da Fisher Brothers Nursery, em Nova York, e as fotografa em seu estúdio sob luz natural. “Eu nunca uso holofotes porque acho que as flores ficam melhores sob luz natural”, explica ele. “Isso é um desafio no meu loft porque os prédios próximos bloqueiam a maior parte da luz solar direta, mas eu tenho uma ótima câmera digital Canon EOS 10D que tira fotos excepcionais, mesmo com pouca luz. Minha vida ficou muito mais fácil com a câmera digital, porque eu sei instantaneamente se tenho ou não o que preciso, enquanto antes eu tinha que esperar dias para que o filme fosse desenvolvido e impresso antes de saber se eu tinha ou não as melhores exposições. "

Como indicado anteriormente, Gordon seleciona as melhores fotografias e faz grandes impressões de uma ou duas imagens, e depois projeta a imagem em uma tela suave e traça os contornos das principais formas da imagem. “Faço um desenho rápido e aproximado da imagem projetada na tela, e depois selo com uma camada de verniz”, explica o artista. “Depois que o verniz seca, eu pintei a imagem com aplicações finas de cor sépia, ocre amarelo, umber queimado ou óleo cru de umber. A única exceção é em áreas que precisam permanecer brilhantes e, nesses casos, permito que o branco da tela permaneça visível.

Bule de chá cantonês
Com tulipas vermelhas

2007, óleo, 44 ​​x 60 (díptico).

“Normalmente trabalho com a tela virada de cabeça para baixo à medida que desenvolvo cada área da pintura”, diz Gordon. "Minha mãe, que era artista, começou a trabalhar de cabeça para baixo e continuei fazendo isso porque muitas vezes é melhor ver os padrões abstratos do que pensar na identidade do que estou pintando. Vou virar as telas grandes no cavalete para alcançar as áreas que quero pintar, mas na maioria das vezes não considero se estou pintando uma folha ou uma pétala e me concentro apenas na cor relativa e valor do que estou pintando. As luzes de halogênio sobre o cavalete mantêm a luz constante durante todo o processo. ”

Embora Gordon seja absorvido pelos padrões em desenvolvimento em uma tela, ele freqüentemente recua para avaliar as imagens, à medida que gradualmente revelam as histórias que o motivaram em primeiro lugar. "Existe uma alegoria subjacente ou um enredo autobiográfico que inspira toda pintura", explica ele. “Isso é importante porque ajuda a determinar o que deve e o que não deve aparecer em uma imagem e me mantém altamente motivado durante os meses de trabalho necessários para concluir cada imagem. De muitas maneiras, as mensagens e o simbolismo são o motivo pelo qual sou obrigado a pintar as naturezas-mortas. Se os espectadores começarem a ver as conexões entre os objetos, tudo bem, mas não é realmente essencial que eles entendam como algo simboliza um evento ou uma pessoa na minha vida. ”

Duas peônias com decantador
2007, óleo, 60 x 48.

Talvez a história mais óbvia contada no recente grupo de pinturas exibidas em Nova York esteja contida na natureza morta Ausência de Vermelho (Auto-Retrato). Gordon revela que os dois buquês embrulhados representam seus dois casamentos, o copo de água se refere ao seu longo interesse pela pintura em aquarela, as reproduções de peixes indicam vários amigos e familiares, a água derramada sugere as próprias lágrimas do artista e o tecido foi adicionado em reconhecimento ao revendedor que o entregou. "Tudo na pintura está lá por uma razão, e o tom quase monocromático da imagem também é significativo, mas nada disso importa para as pessoas que vêem a pintura", diz Gordon. "Eu só precisava que tudo estivesse lá para criar a pintura."

Divertidamente, Gordon usa panelas quadradas de alumínio como paletas e as descarta depois que ele termina de trabalhar em uma pintura. "Eu pinto no meu ambiente de vida, então tento minimizar o uso de solventes", explica o artista. “Em vez de raspar a tinta e limpar uma paleta com álcool mineral, prefiro simplesmente espremer as tintas em panelas quadradas de alumínio que descarto quando as cores do óleo secam. Nos últimos meses, segurei algumas dessas panelas pensando que seria capaz de fazer algo divertido com elas, mas até agora nada me ocorreu. ”

Bona Fortuna
2007, óleo, 60 x 36.

Além de pintar naturezas-mortas, Gordon desenha e pinta retratos encomendados. "Nunca busquei essas comissões, mas os colecionadores costumam me abordar sobre fazer um desenho de grafite ou uma pintura a óleo de um membro da família ou associado de negócios", explica ele. "Presumo que, se eles me procuraram, já estão familiarizados com o meu trabalho e querem que eu crie um retrato que seja consistente com as fotos que eu completei. Prefiro isso porque só estou interessado em pintar as pessoas da maneira como as vejo. "

O compromisso do artista em registrar o mundo e seus habitantes como ele os vê é elegantemente resumido por John Arthur no ensaio do catálogo. “O ato de pintar permanece no centro de sua vida e permanece uma obsessão inabalável. Na meia-idade, ele percebe e abraça esse fato com mais clareza, e agora sabe muito mais intensamente que é preciso estar sempre sozinho no estúdio. ”

A ausência de vermelho (Auto-retrato)
2007, óleo, 60 x 48 (díptico).

Sobre o Artista

Patrick Gordon nasceu em Claremore, Oklahoma, e obteve um diploma de bacharel e mestrado pela Universidade de Tulsa. Suas pinturas foram incluídas em exposições coletivas e individuais no Springfield Art Museum, no Missouri; o McNay Art Museum, no Texas; o Instituto de Artes Flint, em Michigan; o Museu de Arte Moderna de São Francisco; o Museu de Arte Philbrook, em Oklahoma; e Fischbach Gallery, em Nova York. Para mais informações sobre Gordon, visite seu site em www.psgordon.com.

M. Stephen Doherty é o editor-chefe e editor da Artista americano.


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