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Aguarela: Joyce Washor: Natureza morta em pequena escala

Aguarela: Joyce Washor: Natureza morta em pequena escala

Combinando observação atenta com uma abordagem intuitiva, Joyce Washor cria pequenas pinturas com grande impacto.

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por Tina Tammaro

Artista de Nova York Joyce Washor levou a sério o ditado "As coisas boas vêm em pequenos pacotes", pelo menos no que diz respeito ao seu trabalho. Primeiramente pintora a óleo, ela começou a pintar em pequena escala há cerca de 10 anos e recentemente começou a experimentar o formato miniatura - a maioria das pinturas mede cerca de
3 x 4 - em aquarela. "Trabalhar pequeno me parece mais livre, pois não preciso usar grandes folhas de papel e sei que não está me custando tanto", diz ela.

Quando perguntada por que ela fez da vida o assunto principal, ela rapidamente responde: “Por que não? Cezanne disse que iria surpreender toda Paris com apenas uma maçã! Além disso, gosto de fazer várias tentativas na mesma configuração e não preciso me preocupar com a mudança de luz na paisagem ". Empregando uma abordagem que apela tanto à sua intuição quanto às suas habilidades de observação, Washor procura maneiras mais imediatas de sugerir sua resposta emocional ao assunto, inundando suas pequenas imagens de personalidade.

O processo criativo da Washor se concentra em fazer boas escolhas. Às vezes, essas opções são baseadas nas regras básicas da pintura, como o uso de cores complementares para obter efeitos específicos. Outras vezes, ela baseia suas decisões em sua resposta intuitiva ao sujeito ou ao que já está acontecendo na pintura. Avaliando constantemente a imagem que está construindo, ela se esforça para pensar no futuro, antecipando como suas atuais aplicações de tinta levarão a camadas posteriores. Ao mesmo tempo, no entanto, ela pode fazer mudanças sutis na direção, quando necessário.

No Minha taça ultrapassa III O Washor equilibra lindamente a aplicação de tinta técnica com experiências mais divertidas. "Eu me senti muito livre quando fiz isso, como você pode imaginar no título, já que é a terceira versão da mesma configuração", explica o artista. "Recebi alguns" retrocessos "quando carregava a forma de plano de fundo, mas acho que funciona com a aparência despreocupada que procurava, por isso não fiz nada para corrigi-los. Tentei corrigir uma lavagem no lado esquerdo do plano de fundo, usando o dedo para escová-la para cima e acho que funcionou. Foi um daqueles erros de aquarela que se transformaram em um presente. ” Os respingos escuros no primeiro plano também eram "erros", e eles provam que os eventos aleatórios podem não apenas encantar o artista e o espectador, mas também ajudar a direcionar os olhos do espectador por toda a composição.

Também evidente nesta pintura é a técnica de Washor de aplicar o frisket ou o fluido de máscara como uma pincelada ou marca de desenho. Ela mergulha a ponta traseira do pincel no líquido e faz uma marca em que espera que possa deixar exposto o branco do papel. Em vez de preencher cuidadosamente uma forma previamente desenhada, o Washor aplica o fluido de máscara com um golpe confiante. Mais tarde, à medida que a aquarela se desenvolve, ela remove esse toque de líquido mascarado, deixando uma pitada ousada de branco.

Para obter uma nova aparência, planejamento e experiência cuidadosos são essenciais. Para esse fim, Washor costuma fazer vários estudos preliminares. No Ainda vida com cebola, por exemplo, ela fez algumas pinturas da instalação para poder “aquecer”, como ela diz. Ela poderia então abordar o que seria a pintura final com mais determinação, o que é fundamental para a aparência nova e espontânea que ela deseja. Para ajudá-la ainda mais nesse processo, ela testou as cores antes da pintura em pedaços de papel de aquarela.

Outra maneira pela qual Washor planeja suas pinturas é fazer vários esboços rápidos em grafite da composição. Desenhando vários retângulos 3-x-4 em grafite, ela faz esboços rápidos da configuração em papel vegetal, considerando como cada uma das formas se relaciona uma com a outra e variando os pontos de vista e os tamanhos de objetos diferentes. Neste ponto, ela está interessada apenas nas formas dominantes. "Não posso pintar uma configuração a menos que obtenha as formas geométricas primeiro", diz ela, "e sempre começo pela forma mais simples".

Depois de transferir o esboço para a superfície da pintura (papel Canson Aquarelle, papel Winsor Newton 140 lb ou Reeves Water Color Board), o artista escolhe uma paleta dentre as três paletas complementares que ela normalmente usa. Para Três Cebolas, ela selecionou uma paleta laranja / azul e optou por não usar fluido de máscara para salvar os brancos. "Deitei uma lavagem da cor de destaque", explica ela. “Isso foi em vez de salvar os brancos. Eu queria usar a cor complementar da cor do corpo para os destaques. Então, para a cor laranja da cebola, usei azul cobalto com muita água, porque essa cor é muito transparente e limpa. Usei aureolina com uma pequena quantidade de laranja de cádmio para as uvas verdes. Um rosa claro seria o complemento do verde, que eu posso tentar na próxima vez, mas desta vez usei uma cor amarelada muito quente. Foi apenas uma decisão intuitiva. ”

Em seguida, o Washor normalmente cobre todo o espaço pictórico com cores. “Gosto de trabalhar dessa maneira, porque cobre muita área e posso começar a comparar meus valores e temperaturas de cores mais cedo”, explica ela. No Três cebolas ela deitou no plano de fundo, sobre a mesa e no plano descendente nesse momento e salvou alguns brancos. “Usei muita água e mantive as cores o mais limpas e transparentes possível”, acrescenta o artista. Na cebola do meio, Washor vitrificou uma laranja transparente sobre uma lavagem azul.

Ao estratificar os tons, especialmente ao aplicar um complemento sobre outra cor, o Washor escolhe pigmentos transparentes sempre que possível. Ela costuma testar essas camadas em pedaços de papel separados enquanto desenvolve sua pintura. Algumas de suas cores transparentes favoritas são o azul Winsor, o azul cobalto, o viridiano, aureolina, o rose madder genuíno e o verde Winsor.

Gradualmente, o Washor começa a desenvolver as formas criando contrastes mais fortes de valor. “Pintei as sombras das hastes, cebolas e uvas e comecei a modelá-las, separando-as do bloqueio inicial de apenas uma cor”, descreve o artista. Três cebolas.“Virei a cebola à direita, sabendo que ela tem a sombra mais escura, pois fica mais distante da fonte de luz.” Ela também vitrificou uma sombra sobre as cebolas em várias áreas, estabelecendo formas inesperadas que adicionam interesse e drama à cena.

Em seguida, o Washor costuma colocar camadas de pigmentos de cores vivas para obter os ricos cinzas que emprestam riqueza atmosférica. "Usei laranja de cádmio como esmalte nas cebolas e no fundo", diz ela. Três cebolas. “Sobrepus deliberadamente a borda da cebola para simular uma borda perdida e tomei o cuidado de salvar a lavagem inicial como a cor de destaque.” Para deixá-la cinzenta, Washor não usa cores na família cinza, como o cinza de Payne ou o preto marfim, mas adiciona um complemento ou outra cor na mesma família que a cor original.

À medida que uma pintura se desenvolve, Washor se concentra nas semelhanças de cor e valor em toda a pintura e une essas áreas tonais para criar formas e padrões interessantes. No Três cebolas um verde quente em primeiro plano estabeleceu um caminho de cor que leva os olhos do espectador através da pintura, por exemplo. Ela também adiciona sotaques, como um roxo fresco no fundo de Três cebolas e uma versão mais quente nas uvas. Um esmalte quente em tons sobre as uvas modelava as formas, e o vermelho de cádmio e a violeta Winsor criavam um tom quente e escuro sob a cebola e entre as duas uvas à direita para unificar a composição. Esses traços claros ou escuros também definiram o ponto focal. “Eu escovei um pouco de laranja cádmio com apenas um pouquinho de violeta Winsor para suavizar um pouco as cebolas”, acrescenta o artista. "Usei um golpe rápido para dar à pintura uma sensação livre e livre."

Vaso branco e tomate amarelo da herança
2007, aquarela, 4 x 3.

Nessas naturezas-mortas em miniatura, Washor fala muito com um pouco. Observando a configuração cuidadosamente, ela busca a verdade sobre forma, cor, linha e valor e, ao mesmo tempo, conta com sua intuição e respostas emocionais para criar uma obra de arte satisfatória. Com um formato pequeno e uma quantidade mínima de tinta, ela oferece apenas informações suficientes para reconhecer os objetos em cima da mesa - apenas o essencial absoluto oferecido a nós como um presente.

Sobre o Artista

Joyce Washor formou-se na Rutgers University, em New Brunswick, Nova Jersey, e também estudou na Woodstock School of Art, em Woodstock, Nova York. O autor de Big Art, Small Canvas (North Light Books, Cincinnati, Ohio), Washor ensina na Scottsdale Artists 'School, no Arizona, e na Woodstock School of Art. Ela é representada pela Horizon Fine Art, em Jackson Hole, Wyoming; The Crane Collection, em Manchester-by-the-Sea, Massachusetts; The Lawrence Gallery, em Scottsdale, Arizona; e The Brigham Galleries, em Nantucket, Massachusetts. Para mais informações, visite www.joycewashor.com.

Leia sobre outra técnica de aquarela ainda vida em Yachiyo Beck: Não é apenas mais uma natureza morta.

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