Desenhando

Aquarela: Gary Akers: Desenho em aquarela do início ao fim

Aquarela: Gary Akers: Desenho em aquarela do início ao fim

O desenho é fundamental para o processo criativo de Gary Akers, ajudando-o a conhecer o assunto, decidir a estrutura e composição de valor e definir o ponto focal.

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de Lynne Moss Perricelli

O balde branco
2007, aquarela,
12¼ x 18¼.
Cortesia de Hammer Galleries,
Nova Iorque, Nova Iorque.

Gary Akers começa cada pintura em aquarela com um desenho, que é uma prática comum entre os praticantes do médium. Outros trabalhos não exigem tanto planejamento, mas quase todos começam com um estudo de grafite e aquarela, como uma espécie de teste para a peça final. "Não existe um raciocínio real para nada disso", diz o artista. "Eu apenas faço o necessário para descobrir como compor a pintura final." Ele acredita, no entanto, que o desenho é fundamental para o seu processo. “Você deve ser capaz de desenhar para pintar, e eu amo desenhar. É o que faço na minha pintura. "

Com isso, o artista quer dizer que o desenho é fundamental não apenas durante os estágios iniciais de uma pintura, mas também no final, quando ele freqüentemente incorpora o drybrush para definir o ponto focal ou aprimorar detalhes importantes. Drybrush é uma técnica pela qual o artista usa um pincel carregado com cerdas abertas e secas para aplicar detalhes finos em pequenas áreas. O interesse de Akers pela técnica deriva de seu trabalho com têmpera de ovo, no qual ele usa um pincel com uma ponta de agulha para desenvolver uma pintura com linhas tracejadas. "A qualidade linear da têmpera de ovo é como desenhar com grafite", ele descreve. "O uso de pincel seco nas aquarelas é uma extensão do desenho da mesma maneira, mas não dou muitos detalhes."

Berry Basket
2005, aquarela,
13¾ x 9¼.
Coleção privada.

Akers vive no meio da costa do Maine, cinco meses ao ano, e na zona rural de Kentucky pelo restante, fornecendo a ele diversos assuntos diversos. A maioria de seus súditos ele encontra "por acidente", diz ele. “Eles me procuram inesperadamente. Vejo como a luz está atingindo um objeto e gosto da sensação de profundidade ou textura criada. Dessa maneira, ele procura o que descreve como um "momento decisivo" no jogo da luz através das formas e registra idéias em esboços e fotografias, bem como em sua memória. Igualmente importante, no entanto, é a conexão emocional que o artista sente com o assunto. Adega, por exemplo, o artista desceu uma escada em uma antiga adega e encontrou vários cestos de maçãs, batatas e nabos banhados pelo brilho suave da luz acima. “A pequena sala não tinha janelas”, lembra o artista. “A única luz veio da porta aberta no chão. Quando o sol batia na parede de gesso caiado de branco, a sala acendia como se uma lâmpada tivesse sido acesa. Eu não podia acreditar. Toda tarde, por um curto período, esse belo triângulo de luz brilhante aparecia. Era como mágica, e o lugar realmente me fascinou. Isso me lembrou a fazenda dos meus avós e trouxe de volta memórias dos meus dias de infância. ”

Akers começa cada nova pintura de volta ao estúdio, onde ele faz vários esboços de grafite para finalizar a estrutura e composição de valor. Ele então faz um desenho em escala real em grafite - que pode levar até 10 horas - na superfície final, que geralmente é o quadro Bristol da série Strathmore 500. A superfície lisa e dura não absorve o pigmento e a água, mas permite que as lavagens flutuem por cima, criando cores mais ricas e profundas. "O que você coloca no quadro no início é a mesma intensidade no final", descreve o artista. "Com papel prensado a frio, você coloca as lavagens e perde um valor ou dois à medida que a tinta desaparece no papel." Outra vantagem do painel é que a superfície lisa é semelhante ao painel em gesso que ele está acostumado a usar para temperar os ovos.

Carrinho de chuva
2006, aquarela,
18¼ x 12¼.
Coleção privada.
Sombras de girassol
2007, aquarela,
16 x 22. Cortesia de Tree's Place,
Orleans, Massachusetts.
Varanda dos fundos
2005, aquarela,
10 × 15 ”. Coleção privada.
Aproximando-se do Porto
2007, aquarela,
16¼ x 22¼. Cortesia do lugar da árvore,
Orleans, Massachusetts.
Reflexões em
Estudo vermelho

2006, aquarela,
10 × 15 ”.
Coleção privada.

O artista utiliza materiais básicos, não mostrando preferências por tintas e pincéis. Sua paleta, organizada de fria a quente, em uma paleta John Pike que ele comprou na faculdade na década de 1970, consiste em azul cerúleo, azul cobalto, azul ultramarino, verde seiva, verde azeitona, luz vermelha de cádmio, luz amarela de cádmio e ocre profundo e amarelo. , sienna cru, umber cru e sienna queimado. Seus pincéis são principalmente redondos em zibelinas e misturas, bem como um pincel de pintor e uma pescada de 3, que ele usa para colocar em grandes áreas. "Abuso dos meus pincéis e costumo tirar uma pintura ou menos deles", diz o artista. "Eu entro no jornal, nos movimentos, e faço muita esfrega e barulho." Ele raramente emprega fluido de máscara, preferindo simplesmente pintar ao redor dos brancos.

Akers começa colocando as lavagens largas, desenvolvendo os mais escuros mais escuros primeiro e tendo o cuidado de preservar os brancos. Ele então constrói as cores e formas com mais camadas, permanecendo constantemente ciente da estrutura de valores que planejou nos esboços iniciais. Se ele decidir que a peça precisa de mais textura e detalhes, ele incorpora o pincel seco, empregando uma das duas técnicas. Para aprimorar a sensação de textura, como na pele, casca ou grama, ele usa um pincel sintético antigo para pressionar a tinta da paleta e, em seguida, levanta o pincel com as cerdas espalhadas em diferentes direções e o aplica ao quadro. . "Essa abordagem mantém algum senso de espontaneidade, porque não consigo controlar a aplicação da tinta", diz Akers. Na outra abordagem, o artista mergulha um pincel de zibelina na tinta, torce-o com os dedos para fazer um ponto nítido e depois estabelece linhas finas, que ele controla para obter os detalhes mais precisos. "Quando criei muitos detalhes", ele diz, "passo as áreas com uma lavagem para fazê-las se misturarem com as áreas circundantes". Ele admite que o drybrush não é para todos, principalmente porque exige mais planejamento e paciência, mas pede aos artistas que experimentem nas áreas que pretendem ser um ponto focal. "Pessoalmente, sinto que a combinação de lavagens soltas e detalhes justos cria uma pintura forte", diz ele.

Luz da adega
2006, aquarela,
10 × 15 ”.
Coleção privada.

Quando Akers começou a trabalhar em aquarela, depois de terminar a faculdade na década de 1970, ele estudou as pinturas e técnicas de muitos artistas, sentindo-se especialmente atraído por Andrew Wyeth, Winslow Homer e Edward Hopper. Todos esses artistas o influenciaram significativamente, embora agora Akers se sinta menos atraído por outros artistas. “No começo, como muitos artistas, eu estava olhando para tudo. Agora quero fazer minhas próprias coisas e não persigo o trabalho de outros artistas como costumava fazer. "

Seguir seu próprio curso levou ao considerável sucesso e aplauso do artista, com muitos prêmios e colecionadores de destaque em seu crédito. Akers atribui sua boa sorte à sua prática de estabelecer metas, baseando-se em cada conquista anterior. “Quando eu comecei”, ele lembra, “estabeleci uma meta de me tornar um membro da American Watercolor Society. Outro objetivo era ser destaque em Artista americano. Ultimamente, meus objetivos têm se concentrado em obter representação na galeria de Nova York. ” O recente show solo de Akers nas Hammer Galleries de Nova York atesta sua conquista nesse sentido. “Ter meu trabalho em exposições regionais e depois nacionais expôs os proprietários de galerias e revistas, o que levou a mais galerias e exposições”, observa ele. "É claro que tudo isso traz mais prazos e mais estresse, porque eu não assisto a nenhum dos programas de ânimo leve, mas eles foram criados um em cima do outro".

Memórias de Maine
1999, aquarela, 19 x 29.
Coleção privada.

Em todas as suas realizações como pintor, Akers é principalmente um desenhista, com o ato de desenhar informando todas as etapas de seu processo criativo. Incentivando outros artistas a desenhar o máximo possível, ele sugere "desenhar o que você sabe e pode se relacionar", exatamente como ele fez. É um conselho que se ouve repetidamente - e, no entanto, sempre vale a pena repetir.

Sobre o Artista
Gary Akers possui mestrado em artes plásticas pela Morehead State University, em Morehead, Kentucky, e estudou a técnica de temperamento de ovos em uma bolsa da Elizabeth T. Greenshields Foundation. Seu trabalho em aquarela e tempera de ovos foi amplamente exibido em várias instituições, incluindo o Speed ​​Art Museum, em Louisville, Kentucky; o Frye Art Museum, em Seattle; e a Academia Nacional de Design, na cidade de Nova York. Ele ganhou importantes prêmios da American Watercolor Society, da qual é um membro de assinatura; a Southern Watercolor Society; e a Sociedade de Aquarela de Kentucky. O Museu de Arte Contemporânea Kemper, em Kansas City, comprou recentemente sua aquarela Sra. Lean Arthur. Seu trabalho aparece em muitas revistas e livros. Ele mantém estúdios em Kentucky e Maine. Para mais informações sobre o artista, visite www.garyakers.com.

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