Desenhando

Acrílico: Mark Karnes: Pinturas e Desenhos Íntimos

Acrílico: Mark Karnes: Pinturas e Desenhos Íntimos

O artista de Maryland, Mark Karnes, pinta cenas do cotidiano esboçando estudos de valor em tinta ou aquarela e depois pintando lentamente em óleo ou acrílico sem um desenho preparatório detalhado.

por Ephraim Rubenstein

Sala de jantar
Dia nublado

2005, acrílico a bordo,
16 x 16. Todas as obras desta arte
coleção de artigos do artista
exceto quando indicado.

Continuando a longa fila de intimistas de Vermeer a Vuillard, Mark Karnes transforma um mundo sedutor nos aspectos mais silenciosos de sua vida doméstica. Como todos os grandes pintores que estão por perto, o trabalho de Karnes nos lembra que a beleza pode ser encontrada em todos os lugares, nos momentos esperados e inesperados, e a cada volta da cabeça. No primeiro de seus Cartas a um jovem poeta, a poeta alemã Rainer Maria Rilke formulou este desafio estético: “Se sua vida cotidiana parece pobre, não a culpe; culpe a si mesmo, diga a si mesmo que você não é poeta o suficiente para despertar suas riquezas; pois para o criador não há pobreza nem lugar pobre e indiferente. ” Quase em resposta direta às palavras de Rilke, Karnes faz pinturas e desenhos em sua casa ao norte de Baltimore há mais de 30 anos. “Meu trabalho é sobre minha conexão com o meu entorno. Os assuntos das minhas fotos são coisas familiares e imediatas para mim. ”

Karnes considera o seu entorno imediato tão convincente que, quando uma vez perguntado para onde ele viajaria em seu período sabático, ele respondeu: “Por que eu iria a algum lugar? Tudo o que eu preciso está aqui. Na experiência de Karnes, todos os aspectos restauradores da viagem - ver de novo, a renovação de nossos sentidos - estão disponíveis se você puder, como o poeta Rilke sugeriu, ter olhos para vê-los. Mesmo ficando exatamente onde está, Karnes ainda experimenta sua vida como viajante.

Interior com veleiro inconscientemente resume essa atitude. Karnes é, para usar a frase do poeta Billy Collins, navegando sozinho pela sala, explorando cada centímetro cúbico, cruzando todas as superfícies e ancorando em cada cavidade desse espaço familiar, ainda misterioso. Essa viagem em particular é realizada no meio do inverno, quando o veleiro de brinquedo geralmente fica na doca seca sobre a mesa. A luz fria do inverno, tão lindamente pintada na pintura, banha o sótão que Karnes usa como estúdio. O modelo de veleiro - a sutil peça central de toda a pintura - sugere que tudo é busca, enquanto o raio de luz direta, atingindo momentaneamente a parede oposta, nos lembra que o tempo está passando e que os ventos vão mudar. O brinquedo, alinhado diretamente abaixo de um desenho de figura emoldurada, também sugere a capacidade mágica da pintura de miniaturizar o mundo, reduzi-lo e destilá-lo em algo que você possa segurar na mão. O muito usado cavalete francês dobrável de Karnes, como uma peça de bagagem pronta e pronta para uso, fica encostado na parede logo abaixo da janela, aguardando o embarque.

Dormer Tarde
Luz solar

1998, óleo a bordo, 13 x 9.

Embora esse espaço no sótão seja o seu estúdio principal, toda a casa é justa para montar sua caixa de tinta. Como Vuillard, ou o pintor dinamarquês do século XIX Vilhelm Hammershoi, percebe-se Karnes rondando a casa com um olhar constante em relação aos assuntos. Quando uma idéia para uma pintura começa a se formar em sua mente, pedaços de fita adesiva começam a aparecer no parquet, marcando a posição das cadeiras, enquanto os bules de herança desaparecem subitamente, recrutados para o trabalho de natureza morta.

Nos últimos anos, Karnes adquiriu o hábito de fazer pequenos estudos em preto e branco em tinta ou aquarela de cenas que despertam seu interesse. Essas investigações iniciais resumem suas sensações visuais mais poderosas. Em questão de minutos, eles registram a principal divisão de luzes e escurecem em grandes e simples massas. Karnes considera que a tinta e a aquarela preta são materiais tremendamente imediatos. Eles diminuem o tempo entre ver o assunto e gravá-lo, para que ele possa responder com uma franqueza impossível em outras mídias. Para esse fim, ele mantém esses estudos extremamente pequenos para que possa ceder ao impulso e não ter que se preocupar em controlar a estrutura de um trabalho maior. Ele pode ler tudo dando uma olhada na página.

No momento, Karnes prefere usar aquarela preta ao invés de tinta, porque com a aquarela, ele diz, “os tons ficam mais próximos quando estão secos do que eram quando estavam molhados. Com tinta, os escuros tendem a clarear à medida que secam e, em seguida, é necessário voltar e retrabalhá-los. Eu tento mantê-lo como
o mais imediato possível, com a menor revisão possível. ” Além disso, Karnes pinta aquarelas de espectro total, portanto sua facilidade com o meio é uma vantagem para ele. Ele pode fazer dezenas desses pequenos estudos antes de solidificar a idéia para a pintura. Estas não são apenas obras bonitas por si só, mas também atuam como uma bússola durante todo o processo de pintura, garantindo que ele nunca se afaste da idéia inicial.

A suposição do artista de que o mundo visual pode ser melhor analisado em preto e branco revela Karnes como um tonalista inerente. No que diz respeito a isso, Karnes acredita que o valor - ainda mais que a cor - constitui o aspecto mais fundamental da experiência visual. Dito isto,
Karnes também é um colorista requintado, um homem cujos pensamentos de cores são refinados e elegantes. Em oposição à onda de maré saturada de cores do século XX, ele entende que a cor é sobre relacionamento, não apenas sobre volume. Sua tendência natural gravita em direção ao inverno, quando a natureza é afinada, e o mundo visual se reúne em torno de um centro mais suave.

Interior Com
Barco a vela

1989–2005, óleo, 24 x 36.

Ele muitas vezes pinta estudos em óleo e ocasionalmente em acrílico, e estes são igualmente impressionantes em seu imediatismo e na precisão com que eles analisam o campo visual. Esses estudos são dedicados à pura observação. Neles, ele deixa de considerar quais são os objetos e se importa apenas com a aparência deles, bem como com a melhor maneira de traduzir essa aparência para a linguagem da pintura. Golpes, barras, manchas - todos perfeitamente calculados e posicionados - surpreendentemente se tornam prédios, cadeiras e raios de luz.

Karnes nasceu em 1948 em Astoria, Nova York. Ele estudou na Philadelphia College of Art, onde estudou com o pintor Larry Day. Ele também conheceu o notável realista Sidney Goodman, que teve um grande impacto nele. Embora ele nunca tenha tido aulas com ele, Goodman criticou seu trabalho e o convidou para o estúdio para ver no que estava trabalhando. "Goodman foi o primeiro artista realmente sério que eu já vi", diz Karnes. "Ele foi generoso comigo - amigável e pé no chão."

A situação era bem diferente quando ele foi para New Haven para obter seu M.F.A. em Yale. A atmosfera era mais dura e controversa, e seu mentor, William Bailey, era cerebral, enquanto Goodman era intuitivo. Após a formatura, ele viajou para a Itália com uma bolsa da Fulbright de 1979 a 1980. Embora estivesse na Itália e vendo todas as suas riquezas eram inegavelmente frutíferas para Karnes, seu coração finalmente permaneceu em casa e ele nunca mais voltou.

Interior Com
Açucareiro

2000, acrílico a bordo, 25 x 26.
Coleção
Mary White.

Uma grande parte dos trabalhos realizados em sua casa aprendeu a se adaptar a um grande número de diferentes situações de iluminação. "Minha casa tem 30 janelas", observa Karnes. "Isso significa que você precisa ser extremamente flexível e se adaptar às condições de mudança". Além do efeito que essas janelas têm em suas pinturas interiores, elas também oferecem uma infinidade de vistas aéreas de seu bairro. Os pontos de vista em si - repletos com a configuração de mudança de linhas telefônicas e reprodução de quintal
conjuntos - são aqueles da realidade suburbana cotidiana. Nas mãos de Karnes, no entanto, o cotidiano se torna mágico. É sua firme convicção de que é a qualidade da luz que muda.

O pintor Pissarro costumava falar sobre pesquisar em diferentes quartos de hotel, olhando pelas janelas, tentando encontrar a vista perfeita. Ao longo dos anos, a visão de Karnes se tornou impiedosamente democrática, abandonando a ideia de que existe uma visão perfeita. Ele aprendeu a aceitar e
apreciar precisamente o que está diante dele, para se tornar o poeta que Rilke exigia. Ele concluiu que não importa qual é a visão. Para ser o mais livre possível de preconceitos e expectativas, ele acredita que todo o esforço deve ser mais aberto, mais arbitrário. "Eu fico com problemas quando tento ficar muito exigente com 'o que é'". Como Billy Collins, que escreve sobre a vida imediatamente à sua volta - bicicletas inclinadas do lado de fora das portas das farmácias ou pela manhã saem para pedir leite e papel - o trabalho de Karnes está imerso no sentimento e na aparência do cotidiano.

A abertura de Karnes também se reflete no uso de seus materiais. Seu método de trabalho evoluiu ao longo dos anos e está sempre aberto a revisão e experimentação. Às vezes, o artista pinta em linho, outras em musselina e outras em painéis de maçonita vestidas com um rolo de cochilo fino. Ele pinta principalmente em óleo, mas ocasionalmente muda para acrílico se precisar que a tinta seque imediatamente enquanto trabalha. Ele usa o que precisa, assim como aceita o que vê, não insistindo em encontrar o que ele já acha que estará lá.

Os esboços de Karnes são geralmente pintados alla prima, enquanto as pinturas mais acabadas se desenvolvem mais lentamente. Para eles, ele geralmente começa com uma superfície tonificada com uma lavagem neutra de umbigo cru. Mesmo com as peças mais complicadas, como Interior com Veleiro, o artista começa com quase nenhum desenho preparatório. O que lhe interessa no começo é a grande divisão de luz e escuridão. Ele então começa a introduzir mudanças de temperatura, pensando em quais partes da luz são quentes e quais são legais. A qualquer momento, ele faz apenas o desenho necessário para ajudá-lo a colocar a cor. Somente no final ele define as especificidades do desenho. Isso garante que a pintura seja sempre principalmente sobre tom, cor e luz, e não sobre o assunto ostensivo.

Janela com
Cavalete francês

2007, aquarela preta,
8 x 8.

Karnes mantém essa crença na primazia da luz, mesmo quando pinta o objeto que ele conhece melhor e que está mais próximo: ele próprio. Recentemente, ele pintou uma série de autorretratos, nos quais traz esse mesmo nível de desapego à sua visão. Nos auto-retratos de muitos artistas, o
o pintor usa o espelho apenas como uma ferramenta para ver o objeto que realmente deseja pintar: eles mesmos. Pense no monumental auto-retrato tardio de Rembrandt na The Frick Collection, em Nova York, no qual Rembrandt está milagrosamente lá na sua frente, sua forma tão palpável que você sente que pode alcançar e tocar esse rosto amado. Mas com Karnes, você não entende essa realidade palpável; você recebe o reflexo sombrio da imagem dele no espelho. A maioria dos artistas acaba com o espelho para se identificar. Karnes pretende dar-lhe o espelho, o mundo fugaz de reflexões e sombras. Acontece que ele está no espelho naquele momento. Isso representa uma lealdade à observação da mais alta ordem. Ele fala do compromisso de uma vida de respeitar a primazia da observação, mesmo que seja o eu mais particular que está em jogo.

Sobre o Artista
Mark Karnes recebeu seu B.F.A. na pintura do Philadelphia College of Art [agora The University of the Arts] e seu M.F.A. da Universidade de Yale, em New Haven, Connecticut. Ele recebeu prêmios e concessões da National Endowment for the Arts, do programa Fulbright, da Ford Foundation, do Maryland State Arts Council e do Baltimore Museum of Art. O trabalho de Karnes está em várias coleções importantes, incluindo a Galeria Nacional de Arte, em Washington, DC. Ele tem
serviu como professor na Faculdade de Arte do Instituto Maryland, em Baltimore, por mais de 30 anos.

O artista e escritor Ephraim Rubenstein é instrutor da Liga de Estudantes de Arte de Nova York e da Academia Nacional de Design.


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