Desenhando

Pintura a óleo: Usando cinzas sutis na pintura de natureza morta

Pintura a óleo: Usando cinzas sutis na pintura de natureza morta

Dois mestres da pintura de natureza morta têm muito a nos ensinar sobre o desenvolvimento de nossas pinturas.

por Joseph Gyurcsak

Ocre Azul Cinzento
2007, óleo, 12 x 16.
Coleção do artista.

Dois dos mestres mais admirados da pintura de natureza morta são o artista italiano Giorgio Morandi (1890–1964) e o pintor francês Paul Cézanne (1839–1906). Eles são reverenciados porque os artistas podem aprender muito estudando suas pinturas e tentando entender como eles lidam com uma seleção de objetos comuns, uma composição de formas inter-relacionadas, a manipulação sutil de cores harmoniosas e um arranjo de luz unificado.

Quero discutir alguns componentes-chave na criação de uma pintura a óleo de natureza morta, fornecendo uma demonstração passo a passo com base no meu entendimento de Morandi e Cézanne. Seja você um iniciante ou um pintor avançado, esta demonstração ajudará a melhorar sua abordagem para a pintura de natureza morta.

Minha pintura Cinzas sutis é uma natureza morta criada dentro de um período de duas horas usando uma técnica alla prima (pintando de uma só vez). A pintura a óleo foi inspirada nas composições, assuntos e cores de Morandi, que trabalhou com objetos semelhantes e uma paleta limitada para criar algumas das mais magníficas pinturas de natureza morta já feitas. Suas pinturas são lembretes úteis de quão rico um assunto de natureza-morta pode ser se alguém entender e abraçar o gênero. O que a princípio parece simplista se torna complexo à medida que se imita o uso sutil de Morandi de cores suaves e pinceladas visíveis.

Cinzas sutis foi cuidadosamente modelado para não perder a espontaneidade implícita nas marcas de pincel. Mais detalhes não melhoram necessariamente uma pintura. De fato, uma edição cuidadosa geralmente tem mais impacto do que uma elaboração excessiva. É importante que um artista observe e edite constantemente à medida que sua pintura toma forma.
As cores que usei na criação desta pintura foram amarelo de Nápoles, ocre amarelo, luz vermelha de cádmio, siena queimada, azul ultramarino e branco de titânio. Minha escolha de paleta foi limitada e isso ajudou a estabelecer a harmonia das cores. Tonifiquei minha tela com uma leve lavagem de siena queimada com antecedência (estabelecendo uma imprimatura) e deixei a superfície secar completamente por algumas semanas antes de iniciar a natureza morta. Eu afinei a cor do óleo de sienna queimado com uma pequena quantidade de Meio de envidraçamento alquídico de Utrecht para garantir que a cor não retornasse às suas propriedades úmidas após o início do processo de pintura.

Uma das principais maneiras de obter excelentes misturas de cinza não é usar o atalho para usar pretos ou cinzas pré-misturados, mas sim usar várias combinações de cores. Por exemplo, quando eu queria um verde cinza-acinzentado para minha demonstração, combinei o ocre azul-marinho e o amarelo ultramarino e adicionei o carmim de alizarina permanente para aprofundar e silenciar a cor até a temperatura e valor aproximados de que eu precisava. Eu sempre misturo a cor secundária e adiciono um complemento de valor e temperatura opostos. O resultado desse método é sempre um cinza de corpo rico que tem mais profundidade. Cézanne e Morandi usavam o cinza de maneira requintada, fazendo maravilhosas transições entre as cores puras, as luzes e as trevas.

Frutas ainda vida com tapeçaria
2000, óleo, 20 x 24.
Coleção do artista.

Selecionando um Assunto
Todos nós temos tendências, hábitos ou preferências. No final do dia, a única coisa realmente importante é pintar o que nos excita. Nossas pinturas têm mais probabilidade de ter esse “fator X” pessoal quando pintamos com paixão.

Dito isto, sugiro que considere sair de sua zona de conforto de tempos em tempos para obter uma compreensão mais ampla de si mesmo e do processo criativo em que está envolvido. Por exemplo, se você está tentando pintar uma natureza morta, trabalhe com um arranjo de objetos que você normalmente não agruparia. Outra idéia seria visitar uma loja de antiguidades e descobrir panelas, frigideiras, garrafas e outros utensílios de cozinha que possam permitir que você conte uma história através de sua aparência desgastada. Por fim, selecione objetos simplesmente por causa de sua forma, cor, textura ou tamanho e organize-os de maneira a contrastar sua aparência.

No caso de minha demonstração, concentrei-me em algumas garrafas descoloridas muito antigas, um castiçal, um pilão e alguns blocos de madeira que arrumei em cima de uma mesa de modelagem. Eu selecionei deliberadamente peças que não tinham cores fortes, porque eu queria me desafiar a mergulhar na sutileza das relações de cores, em vez de um contraste óbvio entre superfícies muito diferentes.

Compondo uma natureza morta
Depois de selecionar itens de interesse, coloque-os onde possa vê-los de diferentes alturas e ângulos - de uma vista aérea acima, de um ponto de vista direto ou de uma vista baixa e sem-fim. Isso o ajudará a determinar o melhor ponto de vista a partir do qual o espectador verá o assunto. Se você não tem certeza do ponto de vista para pintar os objetos, faça esboços em miniatura ou folhear as páginas de um livro sobre pintura de natureza morta para ver o que outros artistas fizeram. Considere como suas composições sugerem ordem equilibrada, movimento antecipado, desordem perturbadora ou incerteza misteriosa.

Quando você finalmente fecha uma composição, ela pode apresentar uma imagem muito complexa ou bastante simples. Você verá rapidamente que esse processo de tomada de decisão é uma etapa essencial na criação de uma pintura. Não se apresse, absorva o assunto, esteja com ele, fale com você, confie na sua intuição e você saberá quando estiver certo.

Para esta demonstração, organizei uma composição ao nível dos olhos, para que as variações não viessem das relações espaciais, mas das diferenças de cor, altura e forma.

A importância da iluminação
Depois de ter um arranjo de objetos e um ponto de vista estabelecido, é hora de acender a luz. Pode aparecer através de uma janela iluminada pelo sol como um forte fluxo de luz quente ou com a exposição voltada para o norte como fria, até luz criando bordas mais suaves com tons de azul-cinza. Lâmpadas incandescentes podem iluminar objetos com forte iluminação direcional, criando arestas duras e aumentar áreas de luz que podem ser definidas com nitidez.

Frasco de mostarda e garrafas marrons
2007, óleo, 12 x 16.
Coleção do artista.

Os artistas geralmente recomendam a luz norte para um estúdio de pintura, porque é um brilho constante de luz fria que cria sombras quentes. Eles acham isso preferível a um padrão variável de luz solar quente e sombras frias. Nenhuma situação de iluminação está certa ou errada. Cada um é diferente e estabelece relações variadas entre a intensidade e a temperatura das cores. A luz norte tende a permanecer constante, permitindo que um assunto seja pintado por um longo período de tempo sem que a luz mude durante o curso normal de um dia. A luz natural oferece a chance de trabalhar com a luz quente e dourada disponível no início e no final do dia; a forte luz do sol ao meio-dia; ou o padrão recortado de formas escuras contra a luz que caiu abaixo do horizonte no final da tarde.

Se você não gosta de pensar em padrões imprevisíveis de luz natural, ou se sua programação permite apenas tempo para pintar à noite, a iluminação artificial pode fornecer horas ilimitadas para pintar um assunto. Alguns artistas vêem as luzes incandescentes como uma desvantagem, porque estão quentes na temperatura e removem a maior parte da frieza de um objeto.

Um fato importante sobre iluminar seu assunto com algo abaixo de 5500 Kelvin (uma classificação da cor da lâmpada que melhor assimila a luz natural) é que a luz artificial parecerá quente. Algumas lâmpadas no mercado oferecem um melhor equilíbrio de luz para ajudá-lo a obter cores mais frias em sua pintura. Por exemplo, muitos artistas usam lâmpadas incandescentes de espectro completo da Chromalux montadas em uma lâmpada de artista profissional da luz do dia ou em uma lâmpada combinada.

A iluminação é o componente único que permite que você estabeleça cores vivas ou opacas, sombreamento, realce ou tons baixos no assunto. Esta é uma decisão fundamental na criação de atmosfera em torno do assunto. Muitas grandes pinturas de natureza morta usam a iluminação como tema principal. Por exemplo, se você organizar objetos para que alguns deles sejam iluminados por uma luz forte e outros no escuro, você criará grande drama e profundidade em sua pintura. De qualquer maneira que você escolher para iluminar seu assunto, lembre-se de que você tem uma ferramenta tremenda à sua disposição para influenciar o efeito geral de como o assunto aparece e como os espectadores provavelmente responderão a ele. Cézanne sabia disso muito bem, e ele às vezes passava algumas semanas organizando seus arranjos de natureza morta para ter a iluminação e o ambiente certos.

Usei uma lâmpada combinada enquanto criava a pintura Sutil Grey. Meu horário de trabalho nem sempre me permite pintar sob condições de iluminação natural, por isso montei essa pintura de natureza morta em meu estúdio tarde da noite usando lâmpadas balanceadas ou luzes fluorescentes que carregam a mesma temperatura de cor que a luz natural.
A decisão de como direcionar a luz sobre os objetos foi guiada por uma pintura de Morandi que geralmente era iluminada por uma iluminação do tipo mais plana que não projetava grandes sombras. Pintar uma luz mais plana é certamente muito mais difícil de gravar, porque depende mais de mudanças de cores tonais do que sombras projetadas, tons médios distintos e realces nítidos. Também requer que o pintor seja mais sensível a observar as mudanças de temperatura.

Mistura de cores dentro de um intervalo limitado
Muitas vezes acontece que uma harmonia de cores domina uma natureza morta, enquanto duas ou três outras desempenham papéis de apoio no drama. Se você não tiver certeza de qual deve ser essa harmonia, coloque uma folha de papel branco em uma superfície plana dentro das áreas gerais do objeto e, em seguida, coloque um pequeno objeto branco no papel para que ele revele imediatamente qual é a cor. a temperatura das sombras projetadas deve ser em termos de calor ou frescor. A área iluminada será automaticamente a temperatura oposta. Ter essas informações o ajudará a misturar cores com mais precisão em termos da temperatura correta das sombras, tons médios e áreas claras.

Ainda vida na suíte
2006, óleo, 8 x 10.
Coleção do artista.

Por exemplo, se o tom geral do seu assunto for banhado por uma luz quente, você poderá ter combinações de cores como amarelos, vermelhos e laranjas nas áreas de tons claros e médios. As áreas de sombra incluirão combinações de azuis, violetas e verdes frescos.

Para obter uma harmonia de cores, ajuda a estabelecer misturas de cores usando uma paleta limitada de quatro a seis cores de tubo, em vez de uma grande variedade de uma dúzia ou mais. Também é recomendável usar o branco com moderação para evitar enfraquecer o croma de uma cor. É mais vantajoso aumentar o valor de uma cor misturando cores mais claras, como a luz amarela de Nápoles ou o amarelo-cádmio-limão em vez dos brancos. Eu recomendo usar pequenas quantidades de branco para manter a intensidade da cor. Da mesma forma, sugiro neutralizar misturas de cores adicionando uma contrapartida complementar de um pigmento. Quanto mais familiarizar-se com as propriedades exclusivas de uma cor, maior será o seu sucesso com a mistura de cores, pois você obterá maior controle, consistência e harmonia de cores.

A fotografia da minha paleta mostra claramente como minhas cores foram organizadas e pré-misturadas. Estabeleci grandes pilhas de cores e concentrei-me em misturar todos os principais pontos de cor que observei no assunto. Usar menos cores na pintura não significa necessariamente usar menos volume. John Singer Sargent e Joaquín Sorolla e Bastida aplicaram quantidades generosas de cor de óleo para tornar as pinceladas bastante aparentes. Os artistas que testemunharam Sorolla no trabalho comentaram que ele espremeu tubos de cores inteiros em sua paleta antes de iniciar suas demonstrações.

Valor, cor e forma da forma de criação
Uma vez que os artistas aprendem a ver grandes pontos de cor e não detalhes, eles se concentram no relacionamento de valor, na temperatura da cor e na forma. Quando afastam noções objetivas sobre a identidade do sujeito, são livres para criar com tremenda expressão. E quando o desenho é preciso e as cores são bem misturadas, a falta de detalhes não diminui o assunto reconhecível emergente e a leitura como o assunto da pintura.

Cézanne tinha a capacidade de manipular linhas e formulários com a devida atenção a ambos. É raro um artista comandar esse equilíbrio, porque a maioria dos pintores prefere um ou outro. Os volumes de suas formas pintadas eram às vezes amplos, tons planos e, outras vezes, mudavam de luz para sombra. As qualidades da linha são cores calculadas com fortes movimentos direcionais que vibram contra as formas de massa. Ele confiava nessas linhas para manter o contorno do objeto, para que seus tons quebrados orquestrados ou tons abertos de cor pudessem reter seu frescor.

Saber quando parar
Nas minhas aulas de pintura, muitas vezes aconselho os alunos a parar, abaixar os pincéis, afastar-se da pintura e avaliar sua experiência criativa. Eles precisam avaliar o que já expressaram e depois determinar como ir além - ou parar enquanto estão à frente.

Mostra de viagem
2006, óleo, 11 x 14.
Coleção do artista.

Eu faço questão de fazer uma pausa a cada 20 a 30 minutos para revisar meu trabalho à distância. É sempre surpreendente ver como as coisas se parecem a alguns passos atrás e ajuda a ver uma pintura em desenvolvimento de um ângulo diferente ou afastá-la por alguns dias e vê-la com uma nova visão. A pintura é mais do que um processo de aplicação de cores a óleo na tela. É aquele em que pensamentos e sentimentos são expressos. À medida que essas figuras se tornam evidentes na imagem, os artistas precisam se proteger para não exagerá-las ou trabalhar na tela até que a imagem fique rígida e inexpressiva.

Sobre o Artista
Joseph Gyurcsak estudou arte na Parsons The New School for Design e na School of Visual Arts, ambas na cidade de Nova York. Ele começou sua carreira profissional no final dos anos 80 como ilustrador freelancer, trabalhando para clientes de publicidade e publicação. Atualmente, ele é o artista residente / gerente de marca da Utrecht Art Supply, em Nova Jersey, e dá aulas e palestras em todo o país em nome da empresa. O artista é representado pela Galeria de Belas Artes Bucks, em Newtown, Pensilvânia, e pela Galeria RoCa, em Havre DeGrace, Maryland. Para mais informações sobre Gyurcsak, visite seu site em www.josephgyurcsak.com.


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