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Pintura a óleo: Debra Teare: Atualizando Trompe lOeil para hoje

Pintura a óleo: Debra Teare: Atualizando Trompe lOeil para hoje

A pintora a óleo Debra Teare combina o melhor das técnicas convencionais de trompe l'oeil com suas próprias sensibilidades modernas para criar suas peças ilusionistas.

por James A. Metcalfe

Everything Nice
2007, óleo, 13 x 10.
Coleção Christine E. Lynn.

Por mais de 3.000 anos, os amantes da arte maravilharam e celebraram os talentos dos pintores trompe l'oeil. O gênero nunca desaparece da linha de frente porque os artistas contemporâneos não deixam, eles adotam os princípios do estilo e aplicam sua própria individualidade, mantendo sua filosofia. A linha tênue entre imagem e realidade - e essa tentação final de "enganar os olhos" - ainda oferece desafios únicos aos pintores contemporâneos.

Teare nos princípios de Trompe l'Oeil

Debra Teare empurra um pouco o envelope em suas pinturas de trompe l'oeil, mas ela segue essencialmente os princípios básicos do gênero, que ela descreve abaixo:

"Trompe l'eoil é uma forma de arte que evoluiu ao longo de muitos milhares de anos. Inicialmente, era simplesmente uma maneira de pintar que "enganava os olhos", mas, eventualmente, muitos praticantes da arte descobriram que certas convenções aprimoravam o efeito ilusionista que estavam buscando. Uma convenção é manter a profundidade de campo o mais superficial possível. Efeitos como gravar ou fixar objetos planos em uma placa tornam possível uma profundidade de campo rasa. Outra convenção é iluminar a cena da esquerda, o que aumenta a chance de a iluminação real da pintura corresponder à iluminação ilusionista de uma exposição. Outra não é quebrar o plano da imagem - ou seja, não executar um objeto ou sombra na tela, preservando a ilusão de que os objetos existem inteiramente no espaço dentro do quadro. Uma maneira de aprimorar o efeito tridimensional é manter uma profundidade de campo rasa. Eu faço isso mantendo minhas caixas ou prateleiras o mais superficial possível. Qualquer objeto ou textura que tenha uma qualidade escultural ou tátil provavelmente acabará em uma pintura trompe l'oeil. Gosto de trabalhar dentro dessas regras, mas me sinto livre para violar essas convenções para obter um efeito único. ”

Um dos pintores trompe l'oeil mais bem-sucedidos atualmente é Debra Teare. Embora esse nativo de Utah tenha levado 15 anos para encontrar seu nicho, Teare sabia que quando a encontrasse, ela “saberia, sentiria e sentiria imediatamente” - e sabia.

"Eu estava procurando por muitos anos um foco quando me deparei com o trabalho de Larry Charles e da Sociedade de Artistas Trompe l'Oeil", relata ela. “Esse foi o meu momento de galvanização, e soube instantaneamente que a pintura a óleo seria a minha expressão. Era como se eu tivesse mudado de tirar nada além de fotografias em preto e branco para tirar nada além de fotografias coloridas vibrantes. ” A analogia tem uma ressonância especial - antes de descobrir o trompe l'oeil, Teare fez grandes desenhos fotorrealistas em preto e branco por mais de 15 anos. Sombras profundas e texturas variadas há muito cativam a artista, e ela sempre sentiu um impulso premente de incluir uma forte qualidade tridimensional em seu trabalho. A pintura de Trompe l'oeil atendeu a essa necessidade. "Uma das razões pelas quais eu amo trompe l'oeil é por causa do meu fascínio por pinturas precisas", diz ela. "Apesar do fato de trompe l'oeil diferir de outras formas de arte no sentido de ter um conjunto de regras, considero suas supostas limitações absolutamente libertadoras". Embora Teare adore "pinturas soltas e deliciosas" no trabalho de outras pessoas, ela não consegue se ver indo nessa direção. "Com esse tipo de pintura", ela argumenta, "algo estaria perdido no que estou tentando dizer".

Deve avançar
2005, óleo, 12 x 10.
Coleção privada.

Embora ela goste da disciplina do gênero, Teare acha importante empurrar o trompe l'oeil para novas áreas. "Sinto que meu trabalho tem uma sensação contemporânea distinta", diz o artista. “Meu uso da caixa - uma técnica que eu uso para isolar a peça, empurrando-a de volta ao espaço e enfatizando os aspectos ilusionistas da pintura - é algo único, pelo menos da maneira que eu a uso. A caixa também me ajuda a criar uma profundidade de campo, mantendo a ilusão necessária da tridimensionalidade. Eu quero que os espectadores queiram tocar os objetos dentro da caixa, sentir metaforicamente e experimentar as texturas variadas. Então, quando se aproximam da pintura, ficam surpresos que ela seja plana.

“O tromp l'oeil tradicional pode parecer um pouco empoeirado e solitário para mim, então tento evitar isso usando cores mais brilhantes e incorporando objetos naturais ou vivos - uma concha ou borboleta, uma flor ou folha - e o máximo de cores possível” ela continua. Além disso, Teare gosta de contar uma boa história a cada pintura, uma espécie de narrativa sem palavras que implora para ser contada. "Se eu incluir, por exemplo, uma fotografia ou um livro em uma peça em particular, começo a imaginar como esse objeto em particular foi originalmente usado ou exibido - e até possivelmente amado - por seu proprietário".

A textura de cada item representado é essencial para Teare. A artista freqüentemente começa com uma textura simples que ama e depois tece um sentimento em torno dela. “Em The Message, por exemplo, organizei diligentemente o que são essencialmente três objetos simples, depois criei as texturas exatas que forneciam uma espécie de ressonância dimensional”, explica o artista. Uma coisa que Teare insiste é que texturas e cores devem se harmonizar e se complementam. Eles devem ser iluminados com iluminação exata para amplificar o conteúdo emocional. "A luz, portanto, é igualmente importante no meu trabalho, porque é o tom emocional final que unifica a peça", diz Teare. Ela se esforça ao máximo para sugerir um tipo específico de luz - seja ela externa, interna, natural ou artificial - o que for necessário para capturar as qualidades emocionais certas. “Frequentemente, uma boa iluminação é o ponto de inflexão entre uma peça marginal e uma pintura realmente ótima”, ela afirma.

Mães e margaridas
2007, óleo, 20½ x 9½.
Coleção Christine E. Lynn

Os profissionais de trompe l'oeil de hoje sabem que certas convenções comprovadas aumentam o efeito ilusionista. Teare emprega e observa muitos deles, mas nunca teve medo de romper a tradição para obter um resultado específico. Porém, uma convenção de trompe l'oeil que ela segue é gravar ou prender objetos planos em uma placa; isso mantém a profundidade de campo o mais rasa possível. Um bom exemplo disso é Deve seguir em frente. “Outra convenção à qual eu aderi”, ela acrescenta, “é iluminar a cena da esquerda, aumentando assim a chance de que a iluminação ilusionista da pintura corresponda à iluminação real de uma exposição. Ilumino todas as minhas pinturas no canto superior esquerdo. A sombra também é muito importante, ela observa. “Evitando propositadamente executar um objeto ou sombra na tela, como faço em Must Move Forward, preservo a ilusão de que os objetos existem inteiramente no espaço dentro do quadro”, explica Teare.

Quase tudo pode inspirar Teare a pintar, mas é fundamental que o assunto possua uma combinação de cor, textura e sombra. Dois de seus lugares favoritos para encontrar inspiração são jardins e lojas de antiguidades. Pode ser um jardim inteiro ou uma flor frágil e simples que Teare deseja preservar em uma pintura. Fotografias antigas mantêm uma reverência particular por ela, e ela frequentemente encontra um objeto antigo que combina perfeitamente com a fotografia de alguma maneira - e ela percebe que tem as sementes para uma ótima composição.

Em Textures in Tin, por exemplo, ela descobriu a lata de querosene vermelha e imediatamente soube que precisava compor uma peça usando a lata como ponto focal. Embora a pintura gire em torno da textura da lata de querosene, ela explica que desenvolveu lentamente a composição adicionando uma variedade de texturas. "Eu sabia que precisava de uma flor em algum lugar para o equilíbrio", acrescenta Teare. “Decidi finalmente adicionar o dente-de-leão, imaginando uma neta dando uma flor ao avô enquanto ele trabalhava em sua loja. Parecia ser o sotaque certo simbolicamente e artisticamente. Eu então incluí a garrafa azul para adicionar uma tonalidade fresca e para amarrar na tampa da lata de querosene. ” Teare, que pinta apenas em óleo, diz que o estágio de composição é quando ela pode ser mais flexível. "Às vezes, acho que estou compondo uma cena em torno de uma carta apenas para descobrir que, finalmente, removo a carta e a composição se torna algo completamente diferente", explica ela. "Há momentos, não importa o quanto eu tente, quando simplesmente não consigo fazer com que um objeto querido funcione - mesmo que esse objeto seja a inspiração para toda a peça - e eu tenho que eliminá-lo."

Efeito dominó
2005, óleo, 12 x 9.
Coleção do artista.
Mondrian's
Auto-retrato

2006, óleo, 23 x 18.
Coleção do artista.

Além da iluminação adequada, ela explica que a cor pode ser um fator muito importante para o humor da pintura. "Tenho aversão a cores de clichês, o que acho que mantém meu trabalho fresco", diz Teare. Ela gosta de cores vivas e usa a iluminação para harmonizar os tons. Com relação à cor que pode ser dissonante ou estridente, mas crucial para uma peça, o artista diz: "Modifico e harmonizo a cor para que a composição se torne um universo independente em paz consigo mesma".

Teare geralmente pinta alla prima. Ocasionalmente, ela usa esmaltes, mas não com tanta frequência quanto a maioria dos pintores a óleo. Acreditando que “toda pintura está basicamente recebendo a cor certa no lugar certo”, ela nunca começa uma peça até que sua composição seja exatamente do jeito que ela quer. “Posso começar uma pintura no ponto focal - uma flor, por exemplo - e depois pintar a flor inteira antes de prosseguir para outras seções”, diz o artista. "Eu pré-misturo todas as minhas cores para essa seção, que pode totalizar até 20 cores, dependendo da luz e sombra nessa área." Ela usa a fotografia como backup, porque alguns itens, como flores, não duram os dois meses que geralmente levam para terminar uma pintura. “Eu mantenho minhas naturezas-mortas na caixa na frente do meu cavalete enquanto pinto, porque as fotografias são muitas vezes inadequadas em muitos aspectos, especialmente no que diz respeito às sombras”, explica Teare.

Texturas em estanho
2006, óleo, 13 x 22.
Coleção privada.

Por sua própria admissão, Teare é muito exigente com pincéis e usa uma variedade de sintéticos muito pequenos (tamanhos 000 a 01) e baratos. “Como prefiro pintar em uma superfície dura, uso madeira compensada de bétula, sobre a qual afixo uma tela de textura fina que montei com cola sem ácido”, explica ela. "Uso apenas tintas Old Holland, pois são muito coloridas - além de suas texturas se adequarem à maneira como pinto". Teare pinta em um cavalete de mesa e usa meios Gamblin, geralmente Galkyd Medium misturado com uma porção igual de Gamsol. A artista gosta de usar muitas cores e não encontra vantagem em limitar sua paleta. "No entanto, eu nunca uso umber queimado e sienna cru", diz ela. "Acho que eles são simplesmente severos demais para o efeito que busco." Ela mistura todos os seus cinzas, geralmente a partir de complementos, ocasionalmente com o preto de Scheveningen e outras cores. O preto raramente é usado direto do tubo (com exceção, talvez, de uma borda na pintura). A artista prefere usar cores complementares para diminuir os valores de suas misturas. Ela considera o umbigo cru uma cor extremamente útil, especialmente com os azuis, e em geral prefere todas as cores mais vibrantes da Velha Holanda, principalmente ao pintar flores. Alguns de seus pigmentos favoritos são o verde cobalto da Old Holland, o azul do Caribe, a dioxazina malva e o azul profundo de Scheveningen. Dois amarelos que ela costuma usar são amarelo-cádmio profundo e amarelo de Scheveningen.

A mensagem
2005, óleo, 12 x 9.
Coleção do artista.

Ela mistura com muito cuidado todos os valores exatos necessários para cada aplicação de tinta. “Aplico a tinta metodicamente, avançando muito lentamente. Ocasionalmente, vidrarei, especialmente nas sombras, para dar um brilho luminoso ”, diz ela. “Normalmente, a cor complementar da luz conseguirá isso.

Sobre o Artista
Debra Teare é membro dos Artistas Aliados da América e membro fundador da Associação Internacional de Realistas. Ela reside em Providence, Utah, onde divide um estúdio com o marido, Brad Teare, pintor e artista de xilogravura. Teare estudou arte na Universidade Estadual de Utah, em Logan, e é representado por Winstanley-Roark Fine Arts, em Dennis, Massachusetts; a Galeria de Arte de Atlanta; Galeria do Princípio, em Alexandria, Virgínia; e Prince Gallery, em North Logan, Utah. Ela participou de muitas exposições regionais e recebeu recentemente um prêmio de mérito do Museu de Arte de Springville, em Utah. Seu trabalho foi exibido em mais de 25 mostras de museus em todo o país. Para mais informações sobre Teare, visite o site dela em www.debrateare.com.

James Metcalfe é um escritor freelancer residente em West Warwick, Rhode Island.

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