História da arte

Masters: Assobiadores Mark

Masters: Assobiadores Mark

Este americano expatriado se afastou do realismo para criar uma arte de beleza elegante e etérea, habilmente representada em seus desenhos.

por John A. Parks

Figura agachada no
Sinfonia Branca:
Três meninas

1869-1870, giz no marrom
papel, 10 5/8 x 10¾.
Recolha o Freer +
Galerias Sackler,
Washington DC.
Cais do Leão Negro
1859, gravura,
5 1/2? x 8 1/2.

Em uma carreira deslumbrante e extraordinária, James Abbott Whistler, McNeill usou arte e vida para tornar o mundo um lugar mais bonito e elegante. Ele se tornou famoso não apenas como pintor, mas também como um dândi, um provocador cultural, um designer de interiores, um autor, um ilustrador, um amante de muitas mulheres, um empresário aventureiro - mas nem sempre bem-sucedido -, um auto-promotor ultrajante, e um falador de classe mundial. Foi uma jornada marcada por enormes mudanças e com muitas contradições.

Whistler começou como realista, mas gradualmente desenvolveu um impressionismo tonal elegante e moderno, sustentado por um senso quase clássico de composição. Um esteta declarado que finalmente fez pinturas de enorme delicadeza e sugestividade, ele é mais lembrado por sua pintura extremamente severa e altamente organizada de sua mãe. Visto como muito vanguardista quando jovem, tornou-se bastante seguro e conservador no final da vida e foi banhado com honras e comissões. Falido e financeiramente desonrado aos 40 anos, ele se recuperou para se tornar um membro rico e respeitado da sociedade. Whistler era americano, mas passou boa parte de sua juventude na Rússia e nunca mais voltou para sua terra natal aos 21 anos. Seus conhecidos iam desde o topo até o fundo da ordem social, cultivando criminosos menores e aristocratas. , costureiras e damas da sociedade, artistas sem dinheiro e magníficos empresários. Ele era um conversador brilhante, cuja inteligência impressionou tanto o jovem Oscar Wilde que ele modelou grande parte de seu estilo no homem mais velho. Criticado por seus colegas na juventude por parecer quase não fazer trabalho, Whistler deixou para trás um vasto corpo de pinturas, desenhos e gravuras. Suas inovações em gravura e desenho pastel o colocam como um dos grandes praticantes da história das duas artes. Tudo isso, e muito mais, foi embalado em um homem de apenas 1,80m de altura, coberto por uma massa de cabelos pretos encaracolados e dotado de um par de grandes olhos escuros que olhavam o mundo com um humor sedutor. Assim como muitos artistas, os desenhos de Whistler geralmente oferecem uma visão muito mais pessoal e íntima de sua vida e evolução criativa do que as pinturas. Os primeiros exemplos datam de sua infância, e é aí que começaremos.

Figura drapeada
1866-1869, giz sobre
papel pardo, 15 x
5 7/8. Coleção The
Museu Metropolitano
de arte, Nova York,
Nova york.
Um artista em seu estúdio
1855-1856, grafite,
caneta, marrom e preto
tinta, em creme
papel, 9 3/16 de diâmetro.
Recolha o
Galeria de Arte Freer,
Washington DC.

Whistler nasceu em 1834 em Lowell, Massachusetts, filho de um engenheiro militar. Quando ele tinha 9 anos, seu pai recebeu uma posição do czar da Rússia para supervisionar a construção da Ferrovia São Petersburgo-Moscou, e a família se mudou para a Rússia por seis anos. Já um ávido desenhista, o jovem Whistler pôde assistir a aulas de desenho na Academia de Artes de São Petersburgo. Um auto-retrato de 1845 mostra um controle já notável da forma e da luz, com um tratamento precocemente sofisticado de recursos, linhas e pesos. Somente a desajeitada representação do colarinho nos lembra que este é o trabalho de um menino.

A família de Whistler retornou aos Estados Unidos após a conclusão da ferrovia, mas não antes de passar algum tempo na Inglaterra, onde a meia-irmã do artista, Deborah, havia se casado com o jovem cirurgião inglês Seymour Hayden. Hayden, um ávido amador etcher e cientista com extensas conexões sociais, mais tarde forneceria a Whistler uma entrada na sociedade inglesa.

Whistler seguiu os passos de seu pai se matriculando em West Point. Os cadetes eram obrigados a participar de aulas de desenho, onde copiavam de um estoque de desenhos e gravuras de mestres como J.M.W. Turner, Rembrandt e outros. As cópias de Whistler eram bonitas e profissionais, mas o artista se tornou mais famoso entre seus amigos por suas animadas caricaturas da vida no exército. No Matemática sua caneta capta brilhantemente postura e situação em alguns movimentos, enquanto Desfile de moda resume as posições favoráveis ​​e favoráveis ​​dos jovens soldados. Muitos outros pequenos esboços desse período, principalmente em caneta e tinta, mostram o crescente comando de gesto e postura do artista e sua capacidade de exagerá-lo para obter um efeito dramático, um talento que deveria servi-lo mais tarde.

The Lily
1870/1872, giz e
pastel
em papel pardo, 10 7/8 x
7. Recolha da multa
Museus de arte de San
Francisco, São Francisco,
Califórnia.
Desfile de moda
1852, grafite, caneta, marrom
tinta e lave em papel pardo
montado no cartão,
5 x 3 5/16.
Coleção The
Museu Metropolitano
de arte, Nova York,
Nova york.

Infelizmente, nem as brilhantes habilidades de desenho do artista nem o francês fluente que ele havia adquirido em São Petersburgo conseguiram manter Whistler na academia. Ele foi demitido por falhar na química e ameaçado por sua família com uma carreira na construção naval. Desesperado, ele foi para Washington e encontrou um trabalho fazendo mapas com o US Coast and Geodetic Survey. Embora ele tenha mantido esse cargo apenas por alguns meses, Whistler aprendeu a arte de gravar ali, às vezes decorando os mapas bastante monótonos com figuras vivas nas margens. Entediado com o trabalho, Whistler decidiu que iria para Paris e se tornaria um artista. Sua família concordou em fornecer-lhe uma pequena bolsa e ele se mudou para a Europa permanentemente em setembro de 1855.

Em Paris, Whistler imediatamente mergulhou em La Vie Bohéme, um estilo de vida de pobreza, amor livre e criação de arte que já haviam sido fascinados pela publicação da coleção de contos de Henri Murger Cenários da Vie de Bohéme em 1845. O desenho Um artista em seu estúdio mostra o jovem Whistler em um sótão quase arquetípico, cercado por materiais de artistas, estatuetas, um mahlstick, um livro sobre Fuseli, um portfólio e todos os detritos dispersos da vida juvenil.

A atenção de Whistler aos detalhes da vida cotidiana estava muito de acordo com algumas das principais idéias do dia. A arte do início do século XIX havia sido dominada por uma competição entre classicismo e romantismo. Na década de 1840, no entanto, críticos como Baudelaire em Paris e John Ruskin em Londres estavam escrevendo sobre a importância de pintar o mundo como era, e incentivaram os artistas a se envolverem nas aparências da vida cotidiana. O realismo estava no ar. O mais audacioso dos artistas que seguiram esse caminho foi Gustave Courbet, cujas composições poderosamente convincentes e altamente originais já estavam exercendo influência. Courbet foi o herói de muitos jovens artistas, incluindo os novos amigos de Whistler, Henri Fantin-Latour e Alphonse Legros. Whistler instalou-se para estudar no estúdio de Charles Gleyre, pintor clássico, e passou bastante tempo fazendo cópias no Louvre. Mas ele também era um desenhista infatigável do mundo ao seu redor. No Les Côtes à Dieppe, por exemplo, Whistler apresenta uma visão ampla que abrange uma enorme variedade de figuras passeando sob os penhascos. Aqui, ele habilmente varia o peso e a densidade da linha para criar uma maravilhosa sensação de profundidade e leveza no panorama.

O Tamisa
1872-1875, giz e
pastel em papel pardo, 7 x
10¾. Coleção
Indiana University Art
Museu de Belas Artes,
Indiana.
Matemática
1852, caneta e marrom
tinta sobre papel bege
colocado no cartão, 2¾ x
1 7/8 ?. Coleção The
Museu Metropolitano de
Arte, Nova Iorque,
Nova york.

Em 1857, Whistler realizou um passeio a pé e desenhou, durante o qual desenvolveu suas habilidades de observação. O desenho a lápis Uma cena de rua dá vida ao complexo espaço e textura de uma rua da vila com economia rápida. Uma aquarela mais acabada, A cozinha, recria um interior bem organizado, no qual uma velha trabalha à janela em um espaço profundo de paredes nuas e armários austeros, todos conjurados com alguns traços de lápis e pincel. Uma situação mais ambiciosa é assumida em Salão de jogos em Baden-Baden, onde uma enorme multidão de pessoas se aglomera nas mesas de jogo. Em todos esses esboços, é importante observar o quão sensível o artista é ao poder da sugestão - sua vontade de subestimar os detalhes e subestimar a descrição aguda dos rostos individuais.

Em suas viagens de desenho, Whistler montou seu primeiro conjunto publicado de gravuras, conhecido como Conjunto Francês, que foi impresso em 1858. Placas de Whistler, como Leitura de Lamplight, mostre-o pairando entre um acúmulo estudado de claro-escuro por meio de hachuras elaboradas e uma abordagem linear mais fluida, como se não tivesse muita certeza se deseja fazer com que a forma pareça realmente sólida ou que evapore no ar circundante.

Whistler executou a primeira de suas pinturas maduras em uma viagem à Inglaterra no final de 1858. No piano [não mostrado] é uma composição marcante e ousada, mostrando sua meia-irmã Deborah e sua filha de 10 anos nos ambientes mais gentis. Embora rejeitado pelo Salon de 1859, a imagem recebeu elogios do próprio Courbet. Logo Whistler e Courbet estavam pintando juntos, e o jovem americano se viu conduzido ao centro da vanguarda de Paris. O ano seguinte No piano foi aceito pela Academia Real de Londres e pendurado "na linha". Esse sucesso e a atmosfera geralmente mais aceitável para a arte inovadora em Londres convenceram Whistler a mudar sua carreira para lá. Além disso, seu cunhado estava em posição de ajudá-lo a receber apresentações e comissões. Whistler deixou a vida boêmia para sempre. No futuro, suas ambições eram geralmente de sucesso e reconhecimento de um tipo bastante mundano. Estes deveriam ser concedidos eventualmente, mas não antes de uma luta muito considerável.

Noturno: Battersea
Ponte

1872-1873, giz e
pastel em papel pardo
montado no cartão,
Coleção 7 1/8 x 11.
o Freer + Sackler
Galerias, Washington, DC.
A cozinha
1858, grafite,
guache e aquarela
em papel bege,
12 7/16 x 8¾.
Recolha o Freer +
Galerias Sackler,
Washington DC.

No início da década de 1860, Whistler iniciou um relacionamento íntimo com sua modelo Joanna Hiffernan, uma linda ruiva irlandesa que posou para sua famosa pintura Sinfonia em Branco, Nº 1: A Garota Branca. A idéia de fazer uma conexão entre composição musical e artes visuais não era exatamente nova. Murger incluiu conversas sobre isso em Paisagens de Vie Bohàme e vários outros críticos haviam divulgado a idéia. O uso de títulos musicais, no entanto, permitiu a Whistler chamar a atenção para a natureza abstrata e independente da obra. Essa idéia começou a exercer uma influência cada vez maior sobre ele.

Whistler desenhou sua bela amante muitas vezes, e sua Mulher dormindo mostra sua crescente liberdade de técnica. Aqui, a linha de giz é construída de maneira viva e fluida, de modo que a imagem emerge, quase como um fantasma, do espaço escuro. Os anos de 1860 e 1861 também encontraram Whistler trabalhando no Tâmisa com sua agulha de gravura, ainda seguindo seu desejo de produzir uma visão realista e sincera do mundo. Ali, ele enfrentou o mundo difícil e um tanto sombrio dos trabalhadores das docas e das mãos dos navios enquanto trabalhavam ao longo das fétidas margens de lama do Tamisa e dos desmoronados armazéns infestados de ratos que se estendiam por quilômetros a leste da torre. Em trabalhos como Cais do Leão Negro Whistler resolveu os edifícios e figuras com elementos gráficos arrojados e mostrou vontade de apresentar como imagem finalizada um trabalho em que algumas seções foram deixadas em branco ou discretas.

Desenho de Rich e
Pobres Pavões

1876, giz e lavagem
em papel pardo, picado
para transferência, 5 ′ 11 1/4 ″ x
12 ′ 93/4 ″. Coleção
Galeria de Arte Hunterian em
a Universidade de Glasgow,
Glasgow, Escócia.
Uma cena de rua
1857-1858, grafite sobre
papel de tecido esbranquiçado,
9 × 5 ×. Recolha o
Galerias Freer + Sackler,
Washington DC.

Nessa época, outra influência importante entrou no mundo de Whistler: o surgimento da arte japonesa. Whistler começou a colecionar porcelana e estampas japonesas, itens que lentamente se tornaram disponíveis após a abertura do Japão pelo comodoro Perry em 1854. O artista rapidamente percebeu que na arte japonesa não havia distinção entre artes decorativas e belas artes, e viu que o objetivo da arte decorativa a arte era, com efeito, estetizar toda a vida. No Estudo para variações na cor da carne e no verde: The Balcony, o artista mostrou o amálgama curioso e talvez desconfortável que ele fez da arte ocidental e japonesa. Três senhoras obviamente japonesas são mostradas se portando na varanda. Mas a vista é uma fábrica a carvão na margem sul do Tamisa, uma perspectiva claramente sem glamour. Whistler tampouco conseguiu dispensar as leis da perspectiva; suas fotos nunca ocupam o espaço elegante e indeterminado da arte japonesa. Em vez disso, somos apresentados a uma reunião improvável da beleza japonesa e da realidade sombria da Londres industrial. Foi uma contradição que levou algum tempo para o artista resolver. O esboço No estúdio começou a indicar como isso pode ser alcançado. Aqui, um modelo se reclina em uma rede com um espaço bastante ensopado ao seu redor, criado por pinceladas de cinza sobre um fundo de papel pardo. Vários fãs japoneses são indicados na parede. Embora a perspectiva não seja abandonada, ela é obscurecida por esse efeito atmosférico. Logo Whistler começaria a procurar tais efeitos na natureza e os encontraria prontamente à mão nos arredores nebulosos do vale do Tamisa. Enquanto isso, em suas pinturas, ele perseguia a idéia de uma única figura elegantemente posada, e muitos dos desenhos parecem ser estudos para eles. No Figura Drapeada, por exemplo, ele usou giz em papel pardo para transmitir uma pose muito clássica. Seus muitos desenhos de figuras em cortinas clássicas provavelmente foram inspirados no trabalho de seu amigo Albert Joseph Moore, que produziu muito mais estudos cuidadosos sobre esses assuntos enquanto explorava algumas possibilidades de cores bastante aventureiras. Em 1867, Whistler escreveu a seu amigo Fantin-Latour dizendo que agora rejeitava o realismo de Courbet e expressava o desejo que havia estudado com um mestre mais clássico. Parece que Whistler agora se sentia mais próximo da simplificação e artificialidade da arte clássica. Ao infundir figuras clássicas com um sabor distintamente japonês, ele agora conseguiu evitar os estereótipos cansados ​​desse tipo de arte e se aventurou em um novo território.

Noturno em Preto e Branco
Ouro: A Queda
Foguete

1875, óleo sobre madeira, 23¾
x 18 3/8. Recolha o
Instituto de Artes de Detroit,
Detroit, Michigan.
Salão de Jogos de Azar em
Baden-Baden

1858, grafite e
carvão em esbranquiçado
papel colocado, 8 11/16 x 10
16/09. Recolha o
Galeria de Arte Freer,
Washington DC.

Enquanto isso, as conexões sociais de Whistler estavam valendo a pena e começaram a aparecer comissões de retratos. Nelly é um estudo para um membro da rica família Ionides, um esboço encantadoramente alcançado que paira entre sugestão e renderização. Mais tarde, na década de 1860, Whistler foi apresentado a F. R. Leyland, um magnata da expedição dinâmico de Liverpool, que pretendia cortar uma figura em Londres e que compartilhava a paixão do artista por colecionar porcelana japonesa. Leyland encomendou várias pinturas grandes de Whistler, e os desenhos para As três meninas mostre com que assiduidade o artista se preparou para essa tarefa. Figura agachada na sinfonia branca: três meninas é executado em giz em papel pardo. Aqui, o artista estava ansioso para estabelecer um poderoso esboço gráfico para a figura e, ao mesmo tempo, garantir uma sensação de luz e solidez em toda a pintura. Ele ainda não havia realmente resolvido os impulsos opostos do design plano e da representação tridimensional, mas a tensão entre os dois permaneceria central em seu trabalho. Outro desenho bonito, The Lily, mostra um desafio semelhante. Aqui vemos a chegada da borboleta, um símbolo que Whistler acabaria por usar como assinatura, embora com uma picada na cauda. Os desenhos desse período foram marcados por uma crescente delicadeza no toque e uma crescente sensibilidade à superfície. Um de seus alunos, Otto Henry Bacher, lembrou que "a delicadeza lhe parecia a tônica de tudo, levando mais do que qualquer outra coisa ao uso da sugestão de ternura, limpeza e gentileza".

Cena veneziana
1879-1880, giz e
pastel no papel marrom,
11 5/8 x 7 15/16.
Coleção the New
Museu Britânico de
Arte Americana, Novo
Grã-Bretanha, Connecticut.
Les Côtes à Dieppe
1857, lápis sobre
papel de tecido esbranquiçado,

4 1/16 x 7 1/16. Recolha o Freer +
Galerias Sackler,
Washington DC.

No início da década de 1870, Whistler finalmente chegou ao assunto que resolveria muitos de seus problemas. O Tamisa mostra uma vista da água obscurecida por um nevoeiro escuro, em que as formas simplificadas ficam em um espaço profundo e tranquilo. Whistler logo começou a fazer desenhos do rio à noite com sua atmosfera quente e luzes cintilantes. Noturno: Battersea Bridge, uma das primeiras tentativas, mostra o artista usando um papel marrom escuro com alguns azuis e violetas simples, juntamente com um amarelo e um laranja, para criar um mundo inteiro da noite. Whistler fez quase todos esses desenhos, e as pinturas baseadas neles, de memória. Há muito que ele se interessava por uma técnica de memória ensinada pelo mestre francês Lecoq de Boisbaudran, na qual os alunos eram obrigados a estudar uma matéria com cuidado, memorizá-la e depois fazer uma pintura sem outra referência. Whistler percebeu que trabalhar dessa maneira inevitavelmente levou à simplificação e o libertou da tarefa onerosa de ser fiel à vida. Freqüentemente, ele levava um amigo com ele em suas excursões, passava algum tempo estudando uma cena e, então, dando as costas, recitava exatamente o que via. O amigo o corrigia se cometesse um erro e, em seguida, ele voltava e estudava a cena até conseguir descrevê-la completamente. Só então ele retornaria ao estúdio para fazer desenhos. O interesse de Whistler pelos efeitos do nevoeiro e da noite é obviamente muito sugestivo, mas eles também forneceram a ele uma maneira de fazer uma pintura que seja aceitável representacional, além de ter uma vida própria como um objeto esteticamente bonito. Ele organizou suas composições de maneira quase abstrata, equilibrando cuidadosamente pesos e intervalos para alcançar um senso quase clássico de repouso.

Pôr do sol, em vermelho
e marrom

1879-1880, giz e
pastel no papel marrom,
11 13/16 x 71 5/16.
Recolha o Freer +
Galerias Sackler,
Washington DC.
Reading by Lamplight
1858, gravura e
ponto seco impresso em preto
tinta sobre papel marfim,
6 13/16 x 4 9/16.
Coleção The New York
Biblioteca Pública, Nova Iorque,
Nova york.

O crescente interesse de Whistler no mundo decorativo o colocou na vanguarda do Movimento Estético, uma descrição vaga para vários artistas da época que foram atraídos pela idéia de que a arte pode embelezar e transformar todos os aspectos da vida. Eles acreditavam que a arte era obrigada a não servir a nenhum propósito e não tinha dimensão moral. Pelo contrário, seu único papel era ser bonito. Foi essa idéia que levou Whistler a revolucionar a maneira como a arte era exibida. Em vez de pendurar suas exposições espessas do chão ao teto, como era costume, ele decidiu pendurar as galerias com uma única linha de pinturas bem espaçadas. Ele tinha o espaço pintado em cores claras, geralmente amarelo e branco, e às vezes encomendava uniformes coordenados por cores para os comissários na porta.

Whistler também foi rápido em perceber que a tarefa de tornar o mundo bonito oferecia certas oportunidades de negócios e ficou muito impressionado com o sucesso de William Morris como decorador e designer na década de 1870. Whistler começou brevemente sua própria empresa de design, oferecendo interiores claros, tecidos cintilantes e muita porcelana japonesa. Seu Desenho de pavões ricos e pobres é um desenho de trabalho para seu esquema interior mais famoso e mais bem-sucedido. Seu rico patrono, F. Leyland, estava decorando uma casa grande em Londres e chamou Whistler para consultar na sala de jantar, que deveria abrigar sua coleção de porcelana e uma pintura do próprio Whistler. O artista viu sua chance de brilhar e concebeu um grande esquema para a sala. O desenho mostrado acima é o design da parede final, com base em modelos japoneses. Esta é a linha que flui da Whistler da melhor forma possível, finalmente liberada da exigência de perspectiva e criando movimentos gloriosos, além de ricas superfícies decorativas. Whistler se encarregou do projeto enquanto Leyland estava ausente no verão e depois ganhou a ira de seu patrono quando convidou um grupo de críticos para analisar o produto final. Leyland pagou apenas metade da taxa pedida por Whistler e o baniu da casa para sempre. Na furiosa correspondência que circulava em torno desse assunto, Whistler previu que Leyland só seria lembrado pela posteridade porque ele era a pessoa que encomendou a Sala dos Pavões. Ele acabou tendo razão. A sala é preservada inteira nas Galerias Freer + Sackler, em Washington, DC.

San Rocco
1879-1880, giz e
pastel no papel marrom,
11 13/6 x 6 3/8.
Recolha o
Boston Public Library
Departamento de Impressão, Boston,
Massachusetts.
Mulher dormindo
ca. 1863, giz e
carvão ativado
creme de papel tenso colocado
no cartão, 9 13/16 x
6 15/16. Coleção
Galeria Nacional de Arte,
Washington DC.

A maioria dos desenhos de Whistler feitos no final da década de 1870 eram esboços de retratos - ele parecia ocupado com as comissões e geralmente representava uma figura animada na cena londrina. Ele também exibiu suas noites, e foi a crítica vitriólica feita por John Ruskin, o mais eminente crítico da época, que deu origem ao famoso processo. A pintura em questão foi intitulada Noturno em preto e dourado: o foguete caindo, e mostrava uma representação vagamente pintada de fogos de artifício caindo sobre os Cremorne Gardens, um conhecido jardim de prazer em Londres. Ruskin escreveu sobre a pintura: “Eu já vi e ouvi muita impudência de Cockney até agora; mas nunca esperou ouvir um coxcomb pedir a duzentos guinéus por jogar um pote de tinta na cara do público. "? Whistler, que nunca se esquivou de uma briga e, sem dúvida, sentindo boa publicidade, decidiu processar o crítico por difamação. Embora parecesse uma disputa pessoal, o julgamento foi realmente um confronto entre dois pontos de vista muito diferentes. Desde o final da década de 1840, Ruskin defendia uma abordagem essencialmente realista da arte, sustentando que o estudo minucioso de qualquer parte da natureza revelaria a presença do divino. Nesta visão, a empresa realista tem uma dimensão muito moral. Whistler expôs um ponto de vista muito diferente em sua "Palestra das dez horas", proferida em 1885. "Que a natureza está sempre certa, é uma afirmação, artisticamente, como falsa, pois é aquela cuja verdade é universalmente aceita como certa. A natureza raramente está certa, de tal maneira uniforme, que quase se possa dizer que a natureza está geralmente errada: ou seja, a condição das coisas que produzirão a perfeição da harmonia digna de uma imagem é rara, e não comum em tudo. "

O canal Little Back
1879-1880, giz e
pastel em papel pardo
montado em papel,
10 13/16 x 8.
Estudo para variações
em Cor de Carne e
Verde: A Varanda

1864-1865, aquarela
e guache no lustre
teceu papel, 24¾ x
9 11/16. Coleção
Galeria de Arte Hunterian
na Universidade
de Glasgow, Glasgow,
Escócia.

No julgamento, o público foi tratado de um animado debate sobre a natureza da qualidade e do valor na arte, embora o próprio Ruskin não pudesse comparecer, tendo sofrido recentemente um colapso nervoso. Whistler chamou aplausos do tribunal quando afirmou que não pediu 200 guinéus pelo trabalho de dois dias, mas "pelo conhecimento de uma vida". O artista venceu o processo, mas recebeu apenas um farthing em danos e sem custos. E seus custos legais eram enormes. Além de seus problemas financeiros, estava sua dívida crescente pela construção de sua Casa Branca, em Chelsea, uma estrutura palaciana que estava muito acima do orçamento. No final de 1879, ele foi declarado falido, e os oficiais de justiça se mudaram, apreendendo pinturas e bens preciosos. Whistler ficou abalado e humilhado, mas estava longe de terminar. Ele obteve uma comissão da Sociedade de Belas Artes para produzir um conjunto de gravuras de Veneza e alegremente saiu de Londres por um ano.

O tempo de Whistler em Veneza foi provavelmente o período mais criativo e alegre de sua vida artística. A cidade, com seus canais cintilantes, luz espessa, nebulosa e superfícies esplendidamente ricas, era o assunto perfeito para a visão delicada, sugestiva e quase etérea que Whistler estava cultivando. Trabalhando em papel pardo com giz preto e pastel, o artista completou mais de 100 desenhos durante sua estadia. No Pôr do sol, em vermelho e marrom por exemplo, o artista usou um papel marrom escuro como uma folha para seus delicados toques de amarelo e azul para criar uma luminosidade considerável com a máxima economia. Tal como acontece com muitas das peças desta viagem, ele deixou uma grande quantidade de papel intocada. Uma estratégia semelhante foi seguida em Cena veneziana, onde um papel marrom-avermelhado mais claro foi usado para uma cena da luz do dia. Aqui o céu foi estabelecido totalmente com pinceladas pesadas de pastel, enquanto o primeiro plano com uma gôndola e uma doca era apenas levemente indicado. Alguns desenhos são construídos de maneira mais uniforme, como em San Rocco- toda a cena de um canal e ponte estreitos proporcionava um berço sólido para a cor sumptuosa nas paredes ao longe. No Canal Little Back, Whistler mostrou seu requintado senso de toque, habilmente tecendo um novelo de linhas rapidamente colocadas e adicionando apenas algumas deliciosas manchas de cor. Em alguns dos desenhos, Whistler alcançou um equilíbrio quase milagroso de realismo e esplendor decorativo, como em San Giovanni Apostolo et Evangelista,Saudação - pôr do sol o artista juntou um rosa suave no céu e a água contra um cinza violeta de aço no horizonte da cidade para obter uma luz abrangente e bastante mágica. Talvez seu desenho mais romântico de Veneza seja Pôr do sol: vermelho e dourado - o gondoleiro, em que uma figura sombria é mostrada em primeiro plano de um pôr do sol enevoado sobre San Giorgio. Aqui, o desenho em primeiro plano é todo tonal, enquanto o fundo é todo colorido, os dois mundos unificados pelo marrom rosado claro do papel.

San Giovanni
Apostolo et
Evangelista

1879-1880, giz,
carvão e pastel em
papel pardo,
11 x 7 15/16.
Recolha o Freer +
Galerias Sackler,
Washington DC.
Nelly
1867-1870, giz sobre
papel colocado azul, 8 7/16 x
5 9/16. Recolha o
Freer + Sackler
Galerias,
Washington DC.

As gravuras de Whistler da viagem a Veneza são as melhores. Ele conseguiu traduzir a qualidade etérea de seus pastéis em uma delicada linha gráfica que parece flutuar para fora da página. No O Riva, No. 2 ele expôs uma enorme variedade de edifícios e mar com numerosas figuras para criar uma poderosa impressão de luz, movimento e densidade. No entanto, quando você realmente examina os detalhes da impressão, quase não há nada por meio de informações sólidas. Tudo é sugerido e sugerido, mas nada é realmente descrito na íntegra. As gravuras parecem mais memórias, vislumbres rápidos deixados nos olhos da mente após umas férias exóticas.

Whistler retornou a Londres no final de 1880 e, a partir de então, sua carreira seguiu um caminho de grande sucesso - e sempre agitado. Embora a recepção inicial a suas gravuras venezianas tenha sido morna - um crítico reclamou - "a ausência, aparentemente, de desenhar as formas da água" -, o trabalho começou a vender. Enquanto isso, as comissões de retratos se tornaram mais abundantes, e o artista adquiriu o jovem e talentoso Walter Sickert como estudante. Ele também adquiriu a amizade de Oscar Wilde, e seu estúdio era, mais do que nunca, um lugar onde um grupo de jovens artistas e escritores brilhantes se encontravam e trocavam idéias. Whistler se viu viajando mais - para o distrito dos lagos, para Paris e Amsterdã - e completando um número crescente de aquarelas.

No estúdio
1865, aquarela e
guache em papel pardo
montado a bordo, 11
5/16 x 7¼. Coleção
o Instituto de Detroit
Artes, Detroit, Michigan.

Durante a década de 1880, o trabalho de retratos de Whistler começou a se concentrar cada vez mais na figura de pé. Lady in Grey, pintado em guache sobre papel pardo, mostra a estratégia do artista. A modelo paira sobre um fundo escuro, enquanto o formato vertical chama a atenção para sua postura e postura. E, como sempre no trabalho de Whistler, são essas informações sobre a disposição de todo o corpo, em vez de uma descrição cuidadosa do rosto, que nos diz mais sobre o assunto. Aqui, o estilo levemente altivo, autoconfiante e garantido da babá é surpreendentemente convincente.

Saudação-Pôr do sol
1880, giz e pastel
em papel pardo, 7 7/8
x 10 9/16. Recolha o
Galeria de Arte Hunterian,
a Universidade de
Glasgow, Glasgow,
Escócia.

A história de Whistler no final das décadas de 1880 e 1890 é um dos elogios crescentes: medalhas, comissões, exposições longínquas e um círculo cada vez maior de amigos e inimigos. Ele gostava de brigar na imprensa com seus críticos e finalmente se casou, escolhendo Beatrice Godwin, a viúva do arquiteto E. W. Godwin. De fato, os desenhos mais emocionantes dos últimos anos de Whistler são os que ele fez de sua esposa Beatrice durante sua longa e fatal doença. Sua litografia By the Balcony mostra sua esposa desfrutando de um pouco de ar fresco de uma cama de dia. A graciosa linha captura o resto desconfortável da mulher doente, enquanto a sombra profunda atrás da cabeça equilibra perfeitamente o ar e a luz sugeridos da paisagem urbana além. Esse design simples sugere eloquentemente a luta entre a vida e a morte.

A esposa de Whistler morreu em 1896, e o artista trabalhou de maneira um tanto instável por algum tempo depois. Ele viajou desconsolado para a costa sul da Inglaterra e, ocasionalmente, para a Europa, fazendo aquarelas e esboços. Prêmios e honrarias continuaram sendo acumulados sobre ele, mas seus anos mais criativos e produtivos ficaram para trás. Whistler morreu em 1903.

Pôr do sol: vermelho e dourado - o gondoleiro
1880, chalk and pastel on brown paper, 7 7/8 x 10 9/16. Collection the Fogg Art Museum at Harvard University, Cambridge, Massachusetts.

Lady in Gray
1883-1884, gouache on brown paper mounted on card, 7 7/8 x 10 9/16. Collection the Hunterian Art Gallery, the University of Glasgow, Glasgow, Scotland.

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