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Pintura a óleo: Pintores Plein-Air of America Membros: do site ao estúdio

Pintura a óleo: Pintores Plein-Air of America Membros: do site ao estúdio

Uma exposição atual em Stockton, Califórnia, mostra como os membros da Plein-Air Painters of America (PAPA) interpretam seus estudos no local para fazer pinturas em estúdio maiores. Aqui está o que eles tinham a dizer.

por Bob Bahr

Estude na geleira Dome do Canadá
por Linda Tippetts, 2006, óleo, 12 x 16.
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Geleira Dome do Canadá
por Linda Tippetts, 2006,
óleo, 18 x 24.

Linda Tippetts
A artista de Montana Linda Tippetts pintou a versão em estúdio dessa composição logo após o estudo. “É diferente para cada indivíduo, mas, para mim, se eu perdi a empolgação e a paixão que tive quando escolhi aquela cena no local e não consigo recapturá-la, simplesmente não faço a peça de estúdio”, diz o artista . "Ele precisa ser bastante imediato - eu tenho que manter essa continuidade indo do campo para o estúdio, sem interromper meu foco no meio".

Embora confesse que prefere um pouco os estudos, Tippetts diz que está motivada a criar versões de cenas ao ar livre por várias razões, incluindo o fato de que ocasionalmente fica sem luz do dia enquanto pinta no ar, e uma versão em estúdio permite que ela incorpore mais detalhes. Ela também pode alterar o design, como o artista fez quando ampliou e mudou a forma da geleira na versão de estúdio. Tippetts também mudou visivelmente a luz na pintura do estúdio - ela ficou intrigada com a composição e o design enquanto pintava no local, mas descobriu que a luz era melhor no dia seguinte. Ela filmou a cena com uma câmera de vídeo - considera que o vídeo faz um trabalho melhor capturando efeitos de luz - e usou as imagens junto com o estudo para criar sua maior peça de estúdio. Ela trabalha no quadro de lona no campo e estica a roupa no estúdio. Ela usa a mesma paleta completa para ambas as tarefas.

Tippetts pintou as Montanhas Rochosas canadenses em parte porque ela ama tanto as Montanhas Rochosas Americanas. "Como moro perto das Montanhas Rochosas, em Montana, eu queria explorar as Montanhas Rochosas canadenses para descobrir sua personalidade", diz ela. “Nasci e fui criado nas montanhas, e eles são muito queridos para mim. Mas se você observar a mesma cena por muito tempo, não verá uma nova visão. Ver as Montanhas Rochosas canadenses me deu uma nova perspectiva sobre a cadeia das Montanhas Rochosas. ”

Joseph Mendez
Joseph Mendez usa fotos de referência para ajudá-lo a obter certos detalhes de suas pinturas em estúdio, mas, em geral, ele as considera "uma grande mentira" e procura no estudo por notas coloridas. "As fotos não oferecem cores precisas", diz ele. "A fotografia está fria." Como Tippetts, Mendez acha que é importante pintar a versão em estúdio o mais rápido possível após a conclusão do estudo, enquanto ele ainda se lembra vividamente da experiência. "Faço isso em alguns dias", diz ele. "Eu tenho que fazer isso, caso contrário, a imagem desaparecerá."

Mendez pinta no quadro de lona ou na Masonite no local e estica o quadro no estúdio, usando a mesma paleta limitada para ambos. Acima de tudo, ele procura capturar a sensação do lugar. "Não me importo de tornar uma rocha maior ou menor - farei o que quiser", diz ele. "Mas a sensação do lugar é muito importante para mim, a sensação daquele dia em particular." A composição provavelmente mudará do estudo para a versão de estúdio, e Mendez espera isso. "A diferença de tamanho entre o estudo e a pintura do estúdio me força a ter uma composição diferente", ressalta.

O artista da Califórnia também emprega um passo incomum para ajudar a enfatizar a experiência, e não os objetos específicos visualizados: ele trabalha no estúdio pintando de cabeça para baixo. "Dessa forma, não usarei meu cérebro e pensarei sobre o que é a cena - ela me impede de pensar e justificar as coisas", diz Mendez. "Eu apenas pinto as cores que vejo e lembro."

John Budicin
Quando perguntado qual é o aspecto mais difícil de pintar uma versão de estúdio de um esboço no local, John Budicin concorda com vários artistas plein air: "Tentando manter a frescura que estava lá, esse é o maior desafio", ele admite. Esse artista californiano e atual presidente da PAPA não aborda necessariamente o problema ao tentar pintar a versão em estúdio o mais rápido possível após a conclusão do estudo no local. "Para mim, significa trabalhar um pouco de cada vez na versão de estúdio, para não sobrecarregar uma determinada área", explica ele. “Vou simplesmente me afastar ou trabalhar em uma moldura - gosto de fazer o meu próprio e aplicar a folha de ouro - e, depois de esclarecer minha mente, volto à pintura.

"Se você vir uma área que não funciona, isso é um sinal de aviso", oferece Budicin. "Se você vê uma árvore que não se encaixa bem, mesmo que você a tenha pintado várias vezes, perdeu a frescura." Ele também adverte que a pintura maior deve ter vida própria. "Você nunca pode duplicar o que ganhou com o pequeno", diz Budicin. “O estudo tem um idioma e o pedaço maior tem que falar por si. Estou apenas pintando no momento em que estou estudando. "

A parte da Toscana que Budicin retratou neste par de pinturas é uma de suas áreas favoritas para visitar. A maior mudança que ele fez do estudo para a versão de estúdio está no tratamento dos bastidores. “Eu adicionei mais detalhes e fiz com que ela retrocedesse mais”, diz o artista. "Eu dei mais interesse e o projetei para atrair o olhar do espectador de volta à pintura - eu estava tentando criar um padrão circular para manter o olho na pintura".

The Trailer Park
por Brian Stewart, 2006,
óleo, 18 x 40.
Estude para
The Trailer Park

por Brian Stewart, 2006,
óleo, 6 x 8.
Estude para
The Trailer Park

por Brian Stewart, 2006,
óleo, 6 x 8.
Estude para
The Trailer Park

por Brian Stewart, 2006,
óleo, 6 x 8.

Brian Stewart
O pintor de Minnesota, Brian Stewart, padroniza seu uso de estudos depois de mestres anteriores, como os pintores da Hudson River School, que trabalharam em vários estudos para produzir trabalhos maiores em estúdio. "A parte difícil é integrar tudo e fazer com que pareça crível", diz ele. “Obter o mesmo sentimento, fonte de luz, ângulo, distância, perspectiva - essa é a dificuldade, principalmente quando você está lidando com objetos feitos pelo homem. São coisas que o olho humano tende a identificar e a ter alguma familiaridade; portanto, você deve ser muito técnico em seu desenho. Se eu estiver fazendo uma paisagem de montanhas, árvores e pedras, pode haver um erro de desenho e ninguém irá buscá-lo. Mas se eu pintar um objeto feito pelo homem, tenho que acertar, porque as pessoas o entenderão, sejam treinados ou não. "

Stewart abordou essa imagem composta de reboques de carros retrô pintando numerosos estudos por cerca de duas horas cada, em painéis de lona de algodão 6 x 8. "O primeiro estudo, o parque de trailers em Bisbee, Arizona, ditou a tonalidade geral", diz ele. "Eu tentei fazer tudo coeso." Ele pintou o carro separadamente e ajustou a temperatura da cor do estudo ao pintar a peça do estúdio. As pessoas na composição foram pintadas a partir de fotografias que ele mais tarde colocou em ambientes fechados, com roupas, no inverno. O trailer que é o foco da peça de estúdio foi pintado em um parque de trailers diferente.

"Cor, valores e a sensação geral da luz é o que estou tentando capturar nos estudos", diz o artista. "Não estou me concentrando muito no desenho. Estou tentando obter um desenho preciso, mas posso confiar em fotos de referência para ter precisão na peça maior, se necessário. Ainda estou tentando criar arte, não estou tentando fazer uma documentação. " Em vez disso, ele tenta evocar um sentimento de nostalgia e se sente livre para tomar liberdades com detalhes nas sinalizações, prédios e elementos semelhantes na periferia da pintura.

Ele começa desenhando com tinta, usando muito poucas linhas. "Estou sempre desenhando enquanto concluo a pintura", diz Stewart. “Concluo o desenho enquanto pinto. Se eu fizer um desenho muito precioso no começo, posso me casar com ele e ter medo de me desviar dele. ” Em seguida, Stewart geralmente cria um desenho intermediário, um desenho animado a carvão sobre papel de Ingres com giz branco, para solucionar qualquer problema de desenho. Em seguida, ele adiciona uma grade sobre o desenho e a tela para poder transferir as informações com precisão.

"Geralmente não sou capaz de fazer pinturas maiores em estúdio imediatamente, mas quanto mais cedo eu terminar a pintura, mais bem-sucedido será", diz ele. “O sentimento permanece comigo inicialmente, mas parece se dissipar com o tempo. E com uma pintura, é mais importante como se sente do que como funciona. " Para The Trailer Park, Stewart pintou o parque de trailers que serve de cenário e, uma semana depois, o trailer principal. Cinco meses depois, ele encontrou o carro para puxá-lo. Seis meses depois, ele conseguiu iniciar a pintura em estúdio, o que levou uma semana e meia para ser executado.

Gil Dellinger
“Na versão de estúdio, subestimei levemente a luz dinâmica para dar mais unidade à pintura”, diz Gil Dellinger sobre esse par de peças de acrílico. “Havia uma ousadia que era realmente encantadora em pequena escala, mas em uma grande pintura seria muito berrante e meio desarmônica. Mudei ligeiramente as cores e mudei a forma da estrada - tentei isso na pintura do estúdio e decidi que gostava, então segui a nova idéia, deixei que ela se transformasse. ”

Dellinger diz que, quando está no local, quase se esquece do design, porque tem a intenção de capturar o sentido do lugar. "Eu trabalho sentindo o ambiente de um lugar", diz ele. “Até um cheiro - eu posso trazer materiais vegetais da área para o estúdio. Faz parte da experiência. Um cheiro é algo que ignora algumas funções cerebrais e o leva de volta à memória. Você pode cheirar alguma coisa e voltar 20 anos atrás.

"Normalmente, tenho que pintar uma área logo após a experiência", diz Dellinger. “Um ano depois, estou muito emocionalmente desapegado da experiência inicial. É muito difícil lembrar. ”

Scott Burdick
A diferença entre o estudo de Scott Burdick para uma pintura de Yosemite em janeiro e a pintura de estúdio inspirada na mesma cena é provavelmente o mais dramático dos pares exibidos na mostra PAPA. Não apenas o formato mudou de horizontal para vertical, mas uma pintura que parece focada nas colinas amarelas ao fundo se transformou em uma peça que enfatiza o jogo da luz amarela no riacho e as rochas frias e cor de neve.

"Mesmo enquanto eu estava pintando o estudo, estava pensando em fazê-lo verticalmente", explica ele. “Fico empolgado com a cena que vou pintar e só quero começar imediatamente. Mas estou sempre olhando em volta e vendo outras coisas que seriam ótimas para pintar. E as coisas mudam com o tempo. Nesse caso, a luz realmente não estava refletindo na água até bem depois que eu comecei. Então o amarelo nas colinas começou a refletir, fiquei impressionado e tirei algumas fotos - sabia que queria fazer uma vertical. Isso acontece com frequência - você começa e, de repente, vê outras possibilidades, melhores possibilidades. Mas se eu não tivesse feito o estudo, não teria ficado lá o tempo suficiente para ver essa mudança na luz. "

Burdick passa cerca de três horas pintando seus estudos, e considera um registro importante das cores da cena e, talvez igualmente importante, três horas de observação cuidadosa do assunto. Ele também tira fotos de referência, agrupando-as para capturar os detalhes nas áreas muito claras e muito escuras. O artista da Carolina do Norte considera satisfatórias as pinturas em estúdio, porque permitem que ele explore uma nova abordagem do assunto e faça uma pausa para ficar longe de casa. Mas pintar ao ar livre é claramente um destaque para Burdick.

"Pintar ao ar livre é a parte divertida de ser artista", diz Burdick. “Sair e explorar, aprender sobre o local - você vê como o sol muda, como a luz é diferente em um determinado lugar. Mesmo que essas pinturas não sejam as que são enviadas e compradas pelos colecionadores, para os artistas, os estudos são realmente divertidos. Mas você está se enganando se tudo o que faz é estudar. Todos os grandes artistas estudaram, mas são conhecidos por suas grandes obras incríveis feitas no estúdio, que só foram possíveis por causa de seus estudos. ”

Ken Auster
É provável que uma pintura de estúdio de Ken Auster seja 600% maior que o seu estudo, então seus objetivos são um pouco diferentes de alguns pintores de plein air. "O estudo é apenas para organizar meus pensamentos e estabelecer algo o mais rápido possível", diz o artista da Califórnia. "Quero ver se funcionará em um formato maior."

Ele usa um pincel grande em seus estudos de 12 x 16 "para que leve menos tempo para fazer a pintura". Auster diz que não gosta de ficar no caminho das pessoas quando está pintando na cidade; ele faz um estudo em 90 minutos, geralmente baixando o básico nos primeiros 30 minutos e depois se deslocando para um local menos invasivo para desenvolver ainda mais o estudo. Usando fotos de referência, ele adicionará alguns poucos detalhes ao estudo posteriormente no estúdio. Então, ele fará avaliações.

"Farei uma infinidade de pinturas menores e as observarei por um longo tempo, e finalmente decidirei qual delas fará uma boa pintura grande", explica ele. “Você precisa determinar se a pintura funcionará em um formato grande. Quanto mais forte o assunto ou o ponto focal de uma pintura pequena, mais bem-sucedido será a pintura maior. Você pode fazer quase tudo no formato 6 x 8, e ele funcionará, porque você não tentará colocar todas as informações em uma pequena pintura. Você é forçado a seguir as regras do bom design e resistir a enchê-lo com um monte de lixo. Uma boa pintura depende do que você deixa de fora.

O próximo passo para Auster é bloquear a grande pintura em seu estúdio. Ele diz que esse estágio, no qual o design é definido, deve ser realizado em uma sessão - ele geralmente completa essa "fundação" em uma tarde, vestindo luvas e manchando a tinta com as mãos. "É um processo rápido; você tem que trabalhar enquanto está molhado ", diz ele. "E é exercício físico; você tem que colocar muita tinta rapidamente ”. Auster considera que, se esse fundamento estiver correto, é quase impossível que ele estrague a pintura posteriormente durante os refinamentos. Apenas muito trabalho e uma grande escova poderiam sabotar a composição e o design.

O artista então passa pedaços de tempo ao longo de algumas semanas desenvolvendo pequenas áreas da pintura e estabelecendo o ponto focal. Ele evita muitos detalhes. "Nada machucará uma pintura grande mais do que muita informação", afirma Auster. “Você precisa de um metro quadrado de informações realmente interessantes, e o resto deve ser abstrato. Você não sente que precisa colocar mais coisas apenas porque há mais espaço. Você precisa controlar esse pensamento e manter o ponto focal.

"Em pedaços menores, você pode se dar bem com um pedaço enorme de vermelho, mas em uma grande pintura seria tão dominante que você não parava de olhar para ela", explica ele. "Você pode obter informações muito mais sutis em uma peça maior que uma menor, mas não obtém mais detalhes".

Auster acrescenta muito mais profundidade em suas pinturas maiores, e ele cuida para tornar suas cores um pouco mais sutis. "Em um estudo, posso dividir a paisagem em três camadas - primeiro plano, meio termo e plano de fundo - e haverá grandes mudanças de valor entre elas", diz ele. "Em uma peça de estúdio, eu posso colocar seis ou sete camadas lá - eu posso empurrar o envelope, mantendo toda a gama de valores"

Jim Morgan
O estudo de Jim Morgan de uma árvore de bordo no final do outono foi realmente realizado em estúdio, como a maioria de seus estudos. Ele faz esboços simples e grosseiros no local, depois realiza um pequeno estudo em casa antes de iniciar uma peça maior e mais acabada. "Este estudo foi baseado em alguns esboços de arranhões de galinha no local", diz o artista de Utah. “Eu faço isso para ver como a composição vai funcionar, antes de fazer a maior. Essas miniaturas iniciais me dão a essência do assunto e o movimento da linha. ” Morgan também usa fotos de referência, mas ele se refere a elas apenas rapidamente, preferindo confiar na memória e na intuição.
O pequeno junco na pintura do estúdio foi planejado desde o início, mas Morgan deixou o pássaro fora do escritório porque queria primeiro garantir que a composição fosse forte o suficiente sem ele.

Sobre PAPA
o Pintores Plein-Air of American (PAPA) foi fundada por Denise Burns na Ilha Catalina, na costa da Califórnia, em 1986. A idéia era escolher 20 artistas, pintá-los na ilha por uma semana e depois mostrar seu trabalho em uma venda no sábado à noite e domingo de manhã . Esse formato foi muito bem-sucedido e, nos 18 anos seguintes, o grupo pintou e exibiu na Catalina, seguido por dois anos na área de Lake Tahoe. A organização ainda limita seus membros e o objetivo permanece o mesmo: "documentar um local e um horário e chamar atenção para pontos de referência grandes e pequenos", de acordo com o site da PAPA. Os workshops anuais também se tornaram parte de suas atividades recentemente.

A 21ª exposição e venda anual do grupo, intitulada “From the Heart: Plein-Air Painters of America”, será aberta no The Haggin Museum, em Stockton, Califórnia, em 21 de outubro. Mais de 120 obras de arte de 34 assinantes, eméritos e honorários, além de seis artistas convidados, estarão em exibição até 6 de janeiro de 2008. As pinturas, feitas no ano passado, incluem trabalhos ao ar livre, bem como pinturas de estúdio criadas a partir de estudos de campo. Entre os eventos de abertura está uma demonstração de pintura (entrada gratuita) na manhã de sábado, 20 de outubro, na Jessie's Grove Winery, em Lodi, Califórnia. Um catálogo de exposições está disponível no museu.

Para mais informações sobre o PAPA, visite www.p-a-p-a.com.

Assista o vídeo: Plein air # 03 (Outubro 2020).