Desenhando

Pintura a óleo: Philip R. Jackson: Natureza morta extraordinária

Pintura a óleo: Philip R. Jackson: Natureza morta extraordinária

A natureza-morta não convencional do artista do Mississippi Philip R. Jackson pede aos espectadores que vejam a beleza nos objetos do cotidiano.

por James A. Metcalfe

O poderoso biscoito de peixe dourado
2004, óleo, 8 x 10.
Coleção privada.

Lançando itens comuns - um cacho de uvas, um ovo quebrado com casca irregular, um bule rústico - em um caos teatral e banhando-os com uma luz atraente, Philip R. Jackson chama os espectadores a reconsiderar a beleza que muitas vezes esquecemos em nossas vidas diárias. Esse morador do Mississippi acredita que o mundo da publicidade e da cultura pop permeia nossa sociedade de uma maneira que enfraquece nossos sentidos e nos impede de apreciar as coisas mais simples. Ele também sente fortemente que seu papel como artista é apresentar "um tempo longe desse mundo em que podemos adiar nossas complicações individuais por tempo suficiente para experimentar uma sensação de solidão, relaxamento e diversão", explica ele. O elemento de teatro no trabalho de Jackson o ajuda a alcançar essa visão e é o que ele chama de "um veículo para falar dramaticamente sobre esses valores esquecidos de momentos simples, engraçados, absurdos, estranhos e tranquilos que todos experimentamos".

Mas que qualidades um sujeito deve possuir para chamar a atenção de Jackson? "Algo novo, algo antigo, algo inventivo", diz o artista. Quando ele se aproxima de uma peça, geralmente o faz com um conceito definido em mente. Jackson insiste que seu primeiro requisito para uma natureza morta é estética, “um equilíbrio formal de composição, cor e espaço. Segundo, o conceito deve falar comigo. Seja calmo, invasivo ou bem-humorado, procuro algo que, no final, provoque uma forte reação do espectador. " Depois de considerar o foco da peça, Jackson escolhe objetos de sua coleção pessoal de itens artificiais por suas características distintas, como tamanho, forma, textura e cor. O artista seleciona objetos que oferecem fortes contrastes entre o artificial e o natural, pois, ele diz: “Eles devem capturar o ambiente em que vivemos. Por exemplo, fico fascinado quando olho por cima da mesa de jantar e vejo um arranjo natural de frutas e xícaras de chá ou olho pela janela do carro e vejo árvores e postes telefônicos justapostos. No geral, nossa interação diária com essas coisas cria uma existência estranha, mas normal, devido ao papel comum que desempenham. ”

Série de tensão: a festa acabou
2004, óleo, 12 x 12.
Coleção privada.

Em seus primeiros trabalhos, o interesse de Jackson era puramente perceptivo - como a luz define a forma. Mas, quando ele começou a experimentar várias maneiras de organizar seus objetos, ele diz: "Comecei a ver uma conexão rara na qual os objetos pareciam criar tensão e se comunicar". Ele apropriadamente intitulou esta série de Tensão. “Comecei a explorar a tensão visual, o contraste de um objeto com outro, a linguagem corporal e o peso ou as qualidades sem peso que eles apresentavam”, explica o artista. A pintura dele O poderoso biscoito de peixe dourado foi o primeiro desta série e aconteceu por acidente. “Coloquei um vaso de louça de Delftware na minha caixa de luz junto com alguns outros objetos e fiz uma pausa para comer um lanche: bolachas douradas. Eu acidentalmente deixei cair um dos biscoitos na caixa e saí da sala por alguns minutos apenas para voltar e encontrar essa joia incrível. Esse momento clicou, e foi então que eu realmente comecei a brincar com a idéia de equilíbrio, dando ao cracker Goldfish maior força ao superar o vaso. ”

Embora Jackson acredite firmemente no processo natural de observação, ele também sabe que, acima de tudo, está criando uma ilusão e, pelo bem da experiência visual, há momentos em que é preciso tomar decisões para sacrificar a realidade. "Na minha pintura Balanceamento de Uvas,O artista explica: “Eu tentei criar uma conversa íntima entre objetos que, por associação, são polos opostos, mas, por gesto, têm uma conexão entre eles. O bule é mais um objeto masculino - de arestas, geométrico e feito pelo homem; as uvas são mais femininas - delicadas, cheias de vida e naturais. Como acredito que os opostos se atraem, a conexão é o ponto em que os dois objetos se encontram, quase como se o bule de chá estivesse abraçando a mão de uma mulher adorável. Uma união é formada e a imagem fica tão imóvel quanto uma memória. ”

O extrator de suco da
Lei de equilíbrio de Tomatillo

2006, óleo, 7¼ x 8¾.
Coleção do artista.

Jackson acredita que a maior ilusão na pintura é criar uma sensação de espaço. “No meu trabalho”, ele enfatiza, “quero criar uma sensação que convença o espectador do ar entre os objetos e o espaço infinito em que os objetos são colocados. Estou sugerindo que não é a hora ou o local que é significativo, mas o espaço entre o espectador e a pintura, uma tentativa de conectar o espectador a um espaço imaginável. " Ele observa que o desenvolvimento da sensação de atmosfera em seu trabalho requer uma grande quantidade de camadas. “Depois de desenvolver um estudo monocromático completo, começo a decifrar muitas camadas de tons complementares e camadas rotativas de turnos quentes e frios para descrever os objetos e o plano de fundo”, explica ele. “Eu continuo ao longo de todo o processo, garantindo que o objeto e a atmosfera tenham a consistência correta da aplicação da tinta e o contraste de cores na criação da melhor representação possível.

“Ao pintar a primeira camada de fundo, geralmente começo com uma tonalidade que contrasta com a cor dominante de um objeto”, continua o artista. Para Balanceamento de Uvas, em particular, Jackson escolheu o primeiro tom para ser um violeta vermelho muito intenso. "Usei camadas muito finas de tinta com pinceladas muito soltas", diz ele. “Nas próximas camadas, usei vários tons neutros complementares de vermelho e verde, trocando-os entre cada camada. Isso faz parte do processo que cria os bolsos da atmosfera. Até esse momento, eu estava usando tons discretos. Comecei então a introduzir camadas de tons médios e altos, que definiam a sensação de luz para o fundo. Usei muito pouca tinta e principalmente escovagem a seco para esta técnica, permitindo que a pintura por baixo fosse vista através do véu da luz.

Balanceamento de uvas (detalhe)
2006, óleo, 12 x 12.
Cortesia Edith Caldwell Gallery,
Sausalito, Califórnia.

"Eu estava especialmente preocupado com a distinção de toque entre os dois objetos nesta pintura", continua o artista. “As uvas eram um pouco mais complicadas por causa das muitas facetas da luz refletida brilhando através delas. Eu escolhi uma abordagem indireta, tratando a tinta com uma aplicação fluida para dar às uvas uma qualidade translúcida e relacionando um toque de delicadeza. No bule oposto, apliquei a tinta mais diretamente, escovando as camadas mais como um tom modulado, partindo de um tom da tecla do meio e criando constantemente o contraste dos reflexos e destaques. ”

No Impacto delicado, o artista incluiu objetos que normalmente são usados ​​como ingredientes de trabalho para algo mais "bonito e saboroso". Durante o processo, Jackson ficou menos interessado no produto final e muito mais intrigado com os ingredientes deixados após o uso. “Eu queria criar uma conexão divertida entre os objetos, afastando-os de seus propósitos restritos. Embora eles nos forneçam proteínas e estimulem nosso paladar, quando realmente agradecemos pelo que temos? Eu acho que este trabalho é um apelo para olhar mais de perto e observar a beleza do lugar-comum. Quero incentivar uma pausa em nosso cronograma rigoroso para reconsiderar o valor da vida. ”

Série de Tensões: Um Retro Cultural,
Natural da dicotomia de um rabanete

2004, óleo, 9 x 6.
Coleção privada.

O maior desafio técnico de Jackson com pintura Impacto delicado estava dando tratamento individual a cada uma das três superfícies. "As cascas de ovos tinham um acabamento muito fosco e sutis mudanças de luz refletida no prato e na manteiga", afirma. “Pintei-os com esmaltes muito finos e secos, construindo sutilmente a forma primeiro, estabelecendo a fonte de luz e depois adicionando qualidades reflexivas por último.” Para a manteiga, ele usou um corpo mais espesso da tinta para melhorar sua forma sólida e terminou com esmaltes úmidos para molhar, para chamar a atenção para a suavidade da superfície. "Foi um desafio fazer com que a cor azul do prato realmente parecesse um esmalte azul em algo cerâmico", ele admite. "Tentei pintá-lo como se estivesse colocando o esmalte no prato e, depois que revelei a cor que sangrava na superfície da porcelana, ela se tornou um sucesso".

Jackson acredita que a segunda maior ilusão da pintura é convencer o espectador do peso físico de um objeto. “Com isso, quero dizer tomar uma decisão com base nas qualidades de uma marca física (espessa vs. fina), opacidade da mistura (opaca vs. translúcida) e mudança de tom mais apropriada”, diz ele. "Há momentos em que a primeira marca aplicada funciona, mas geralmente há mais que não estão funcionando, mesmo depois de várias tentativas. Embora os muitos erros necessários para chegar ao toque certo pareçam intermináveis, o espectador é convidado a ver o funcionamento interno do processo, a harmonia entre cada golpe. Também cria um vínculo entre o espectador e a pintura, revelando o toque humano. Estou sempre me lembrando de que estou tentando criar algo tridimensional em uma superfície bidimensional. Este é de longe o obstáculo mais desafiador, e acredito que a única maneira de realmente conseguir isso é pela observação.

Impacto delicado
2006, óleo, 9 x 12.
Coleção do artista.

"Criar a textura de um objeto geralmente é enganoso ao converter o real no observado", continua Jackson. “Descobri que um objeto precisa ser dividido em vários segmentos: a sombra principal, o realce e a luz refletida, que é um ponto de partida para ver a forma. À medida que avança a pintura, reduzo continuamente essas seções em segmentos menores para identificar o caráter de cada objeto. Como existem tantas facetas em um objeto, é fácil ignorar e generalizar, mas manter a integridade da pintura, reavaliando e reajustando a cada parte, se mostra mais convincente. ”

A pintura Gema quebrada- em que o artista colocou um ovo quebrado e gema dramaticamente iluminada como uma metáfora da tragédia e da esperança - foi um desses trabalhos que desafiou Jackson a retratar de maneira convincente o personagem do sujeito. “A cor em toda a gema e seu poderoso reflexo na casca dos ovos eram incríveis”, diz ele, “mas muito difíceis de traduzir em uma superfície pintada. Fiquei convencido de que precisava abordar a pintura de um ângulo diferente. ” Ele começou desenvolvendo um estudo de cores locais para resolver seus problemas técnicos de forma e depois determinou uma fonte consistente de luz. “Depois que a primeira camada ficou seca, trabalhei alguns esmaltes transparentes com um volume maior de meio na mistura de tinta. As camadas de tinta agiam como folhas de tecelagem líquida por cima e entre si, o que resolveu meu problema. Comecei a tratar a superfície pintada quando os elementos foram formados na minha frente. ”

Série de tensão: ficção rosa
e confusão gema

2004, óleo, 28 x 281/2.
Galeria de cortesia do Centro da Terra,
Charlotte, Carolina do Norte.
Série de tensão:
Adeus Goldfish

2004, óleo, 8 x 10.
Coleção privada.

Série de tensão:
Um ato orgulhoso de equilíbrio

2005, óleo, 9 x 5.
Coleção privada.
Gema quebrada
2006, óleo, 9 x 12.
Cortesia de Edith Caldwell
Galeria, Sausalito, Califórnia.
Lei de imposição deliciosa
2006, óleo, 7¼ x 8¾.
Galeria McMurtrey, Houston, Texas.

Jackson, que na maioria das vezes trabalha com óleos, prontamente admite que ele retira a maior parte de suas cores e raízes de design de minimalistas como Piet Mondrian e Mark Rothko. “Embora minhas pinturas lidem com alto contraste”, ele diz, “eu as desenvolvo em um nível extremamente tonal. Concentro-me em uma paleta neutra para dividir o espaço, dando aos olhos uma pausa para relaxar antes de examinar outro tom intenso ou cromático. Meus tons neutros são de misturas personalizadas em cores variando de quente a frio, e eu raramente uso preto. ” Essa abordagem tonal também ajuda Jackson a obter uma iluminação dramática. "O papel da luz é provavelmente o elemento mais importante e convidativo do meu trabalho", admite Jackson. "Vejo a luz não apenas como um meio de revelar a forma, mas também como uma metáfora - revelando a graça como o elemento que une tudo em um." Jackson credita os grandes pintores clássicos Chardin, Fantin-Latour, Joseph Decker e Walter Murch por inspirarem essa parte de seu processo. “Cada um desses pintores tinha sua própria distinção clara de aplicação de tinta e opções de paleta, mas todos compartilhavam a relação de como a luz define a forma”, diz o artista. "Como pintor realista contemporâneo, tento levar a mesma qualidade de observação íntima, também redefinindo o comum."

Cherry Balance Act
2005, óleo, 7¼ x 8¾.
Coleção privada.

Sobre o Artista
Philip R. Jackson atualmente dirige o departamento de pintura e ensina na Universidade do Mississippi, em Oxford, onde reside com sua esposa Nicole e a filha Sophia Grace. Ele se formou em 2000 com um B.F.A. do Columbus College of Art Design, em Ohio, e obteve seu M.F.A. em 2002 na Bowling Green State University, em Ohio. Em 2001, Jackson recebeu a prestigiada Elizabeth Greenshields Fellowship. O artista é representado pelo Center of the Earth Gallery, em Charlotte, Carolina do Norte; Edith Caldwell Gallery, em Sausalito, Califórnia; A McMurtrey Gallery, em Houston; e a Hammond Harkins Gallery, em Bexley, Ohio, e no Martha's Vineyard. Seu trabalho também está incluído nas coleções públicas do Fort Wayne Museum of Art e do Evansville Museum of Art, ambos em Indiana. Para mais informações sobre Jackson, visite seu site em www.p-jackson.com ou envie um e-mail para [email protected]

James A. Metcalfe é um escritor freelancer residente em West Warwick, Rhode Island.

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