Como começar

Desenho para iniciantes: Criando linhas melhores, Criando linhas melhores

Desenho para iniciantes: Criando linhas melhores, Criando linhas melhores

A linha existe há muito tempo. Desde a era pré-histórica, quando o primeiro artista pegou um pedaço de cinzas de uma fogueira consumida e delineou uma mão na parede da caverna, as linhas descreviam formas de todos os tipos - humanos, animais e paisagens. E quando associado a tons mais suaves e borrados, conhecidos como massas de valor, você tem uma força imparável combinada - exceto, talvez, por uma boa borracha.

por Dan Gheno

A linha existe há muito tempo. Desde a era pré-histórica, quando o primeiro artista pegou um pedaço de cinzas de uma fogueira consumida e delineou uma mão na parede da caverna, as linhas descreviam formas de todos os tipos - humanos, animais e paisagens. E quando associado a tons mais suaves e borrados, conhecidos como massas de valor, você tem uma força imparável combinada - exceto, talvez, por uma boa borracha.

Mulher sentada
por Egon Schiele, 1918, lápis de cor preta, 18 11/16 x 11 13/16. Coleção Ackland Art Museum, Universidade da Carolina do Norte em Chapel Hill.

Alguns artistas argumentam que você pode renderizar com mais eficiência a figura humana ou imagens abstratas apenas com a agregação de valores, que tudo o que você pode fazer com linhas, você pode fazer com tonalidades claras e escuras. Isso é verdade. Alguns dos desenhos mais sugestivos são realmente baseados apenas em valor. Mas, em sua essência, todas as formas tonais finamente observadas são vinculadas por uma borda implícita, ou linha conceitual, mesmo que exista apenas subconscientemente na mente dos espectadores. Pessoalmente, estou empolgado com a combinação explícita de linha e massa em meu próprio trabalho. Como explicarei neste artigo, por que não usar os dois? Primeiro descreverei como usar a linha por conta própria. Mais tarde, mostrarei como mesclar os dois em uma parceria dinâmica.

Ponto e linha para plano
A primeira linha começa silenciosamente na página como um ponto. Então, para emprestar livremente do título do livro de Wassily Kandinskys, Ponto e linha para avião, essa marca ou ponto potente se transforma em uma linha e, finalmente, nas mãos de um artista treinado, se transforma em um plano volumétrico. Ao variar a espessura, a escuridão e a textura da linha, você pode simular um movimento dentro e fora das formas humanas, especialmente se você deixar linhas cruzarem uma sobre a outra, cavando além das bordas externas da figura, em seus picos e vales internos . Dependendo do assunto ou da sua intenção estética, você pode usar linhas que são nítidas como arame, linhas que são ásperas como Brillo ou linhas que são tão macias que se fundem no papel ao redor. As linhas podem variar da franqueza de contornos geralmente não modulados de Egon Schieles, às pseudo-pinceladas de um Anders Zorn ou Charles Dana Gibson, até a qualidade curvilínea e gravada da Dürer. Dependendo de como você aplica o lápis no papel, as linhas podem ter um aspecto emocional e psicológico e quase sempre exibem algum tipo de propriedade visual e rítmica na maneira como dançam pela página.

No entanto, não cometa o erro comum de pensar que essa linha nada mais é do que uma preocupação conceitual. Durante todo o processo de desenho, a qualidade da sua linha é dramaticamente influenciada pela escolha de materiais, textura do papel, instrumentos de desenho, nitidez e pela maneira como você os segura na mão. Por exemplo, prefiro iniciar meus desenhos de figuras com linhas longas, amplas e levemente dobradas - uma tarefa impossível se eu segurar meu lápis ou giz entre o polegar e o indicador, como faria ao escrever uma carta. (Essa posição da mão funciona esplendidamente ao desenhar nos detalhes finais, especialmente se apoiada por um mahlstick ou um pequeno pedaço de papel limpo e separado sob a mão de desenho.) Em vez disso, ao iniciar, viro as costas da mão para o papel (veja a Fig. 1, à esquerda), segurando levemente o lápis em direção à extremidade do eixo e encaixei entre o polegar, a palma e o indicador. Frequentemente, mudo a posição da mão, dependendo da direção pretendida da linha: se estou puxando para baixo, seguro o lápis por baixo, permitindo que a gravidade guie firmemente a descida das mãos (Fig.2); Seguro o lápis de cima se estiver desenhando para cima (Fig.3). Ambas as posições permitem maior movimento do ombro e cotovelo, dando menos importância às ações irregulares do punho e dedos. Você também pode obter uma linha fina e limpa ao desenhar com a direção do lápis, afetada apenas pela aspereza do papel ou pela suavidade do instrumento de desenho. Mas observe com que facilidade você pode variar a espessura da linha quando muda repentinamente de direção, digamos, da vertical para a horizontal (Fig.4). Ao desenhar com o eixo do chumbo, em vez do ponto, essa linha fina fica subitamente espessa. Ao traçar os detalhes da figura, você encontrará sua linha flutuando automaticamente com a direção da mão e do lápis.

Linha Pure
Você pode dizer muito mesmo com um mínimo de linhas. Ao trabalhar da vida, você pode sugerir uma figura humana totalmente formada com uma linha simples de peso morto apenas observando e mapeando cuidadosamente o

Torso Torcido
por Dan Gheno, 2006,
lápis pastel e sanguíneo, 9 x 12.
Coleção do artista.

arestas externas do modelo. Observe atentamente o seu assunto, como Egon Schiele faz em Nu reclinado com torso levantado, traçando as variações sutis das formas exteriores. Cada inchaço sugere algum osso ou músculo. Você certamente pode distorcer as proporções da figura ou exagerar sua perspectiva, como Schiele faz com o desenho da mulher se lançando para o plano da figura, mas tenta responder franca e diretamente às formas externas. Seus espectadores sentirão os volumes internos, com base na experiência e no conhecimento instintivo de seus próprios corpos.

Fecho
Você não precisa envolver suas figuras com um contorno contínuo, rígido e ousado. Você pode criar uma sensação mais profunda de fechamento marcando as bordas das formas humanas menores com linhas intermitentes, da maneira que Cézanne e Degas às vezes faziam. Trabalhando dessa maneira, você pode adotar uma abordagem mínima: por exemplo, pode marcar a raiz, a base e a ponta do nariz, e o visualizador intuirá o restante da linha. Mas se você estiver interessado em simular formulários, não reduza muito o número de linhas. Você deve pelo menos colocar uma dica de uma linha em pontos altos e baixos importantes ao longo do perímetro de um objeto e onde um subformulário importante cruza o outro. O desenho parecerá incompleto ou chocantemente vazio em alguns lugares, se você não o fizer.

Linhas sobrepostas
Embora a forma externa seja importante e, como Platão parece sugerir em sua teoria da Forma Ideal, seja essencial para a própria identidade e reconhecimento do objeto, precisamos eventualmente viajar dentro da figura com nossas linhas. É difícil ou impossível para o artista iniciante fazer isso ao trabalhar a partir de fotos, mas enquanto trabalha na vida, você verá como as formas se sobrepõem continuamente, como quando o pescoço desliza por cima e por cima do ombro ou o deltóide corre em frente a ela. a clavícula e as cunhas no braço. No meu desenho Braço oscilante para trás, observe como eu variei a espessura e o valor da linha para simular o inchaço das formas subjacentes, principalmente nas pernas. Observe também como eu retratei a transição da panturrilha esquerda para a parte superior da perna, com as formas cortadas, como os escultores a expressam, representadas por linhas sobrepostas. No entanto, não se torne dogmático. Observe como eu uso essas técnicas de maneira discriminatória. Enfatizei a escuridão na linha ao longo do ombro próximo, para que o ombro mais fracamente renderizado pudesse retroceder. Embora o cotovelo próximo esteja mais próximo do observador do que o ombro, escolhi seletivamente enfatizar os pontos ósseos sobrepostos do cotovelo, em vez de toda a forma projetada do braço, para evitar que ele parecesse rigidamente fechado. Senti que as linhas do cotovelo eram escuras e afiadas o suficiente para colocá-lo à frente da mão recuada.

Incubação
Muitos artistas gostam de adotar uma abordagem topográfica e chocante em seus trabalhos de linha, como nos desenhos da Albrecht Dürers. Você pode aprender muito olhando o trabalho deste artista do Renascimento do Norte. No Cabeça de um apóstolo, veja como ele tece sua linha em torno das formas, usando movimentos mais longos e gradualmente curvos na forma mais suave e arredondada da cabeça geral. Enquanto isso, ele usa golpes mais curtos, alternando na direção, para descrever as formas menores e mais angulares das rugas e pontos ósseos. Observe como ele sobrepõe linhas de maneira graduada nos detalhes; ele nunca mergulha a eclosão de um jeito tic-tac-toe, em ângulo reto. Geralmente, um golpe gradualmente leva ao outro e, como no destaque renderizado em linhas brancas, a eclosão pode ter uma aparência quase espiralada. Em outro exemplo, observe como a profundidade das linhas de Michelangelos varia muito e parece se tornar mais escura e mais intensa, onde se fundem em torno dos pontos acentuados dos músculos ósseos e duros da figura em Estudo de um nu masculino. Quando renderizados com caneta e tinta, seus sotaques não apenas parecem mais escuros, mas também parecem ter um visual quase polido e polido.

Tente passar algum tempo estudando ou copiando gravuras antigas, como os estudantes da Academia Francesa deveriam fazer nos séculos 18 e 19. Também é útil estudar artistas de quadrinhos, como Neal Adams ou Mort Drucker, por seus métodos de entrelaçamento suave. Isso ajustará seu olho às nuances da linha e o ajudará a desenvolver uma sutileza e sintaxe para sua técnica de hachura. Mas não exagere, e não se torne um escravo da fantasia de linhas pirotécnicas. Ao trabalhar da vida, gaste pelo menos tanto tempo olhando o modelo quanto renderizando as linhas. Caso contrário, seu desenho parecerá simplista e estilizado, embrulhado em uma massa complicada de arame farpado ou no que um artista e influente escritor de técnicas de arte do século 19, Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, chamou de estudos miseráveis ​​e a paciência um tanto absurda de aqueles indivíduos que ... imitam exatamente a ferramenta de gravação em vez da natureza. De acordo com o historiador de arte Albert Boime, os professores da Academia Francesa freqüentemente se queixavam da tendência de seus alunos avançados de desenhar dessa maneira educada, sem saber que sua ênfase exagerada em gravuras copias sem pensar promoveu a aparência fria e sem vida que a própria Academia criticava. .

A fusão de linha e massa
Para um contraponto a essa abordagem de linha-dura, dê uma longa olhada nos desenhos de Charles Dana Gibsons,

Primeira Noite
por Charles Dana Gibson, tinta.

renderizados em traços entrelaçados mais suaves, mais amplos e mais soltos. Juntamente com vários artistas e ilustradores nesse período do século passado, Gibson tentou imitar o efeito fluente e pictórico de acumular valor apenas com a linha. Embora muitas de suas linhas paralelas e curvas livremente pareçam seguir os volumes de seus súditos, seu objetivo parece menos a sensação tátil da forma que Dürer perseguia e mais uma tentativa de mostrar os efeitos ópticos da luz na estrutura. Observe como Gibson evocativamente cria tons claros e escuros, variando a proximidade e o número de linhas tracejadas para indicar alteração de valor. Ele aplica uma delicada trama de linhas sutis ao papel quando representa as formas mais suaves que parecem ser gradualmente mais escuras à medida que se afastam da fonte de luz. Ele usa uma quantidade maior de linhas mais duras quando indica as formas mais duras que se afastam nitidamente da luz e se transformam dramaticamente em massas de sombras mais escuras.

Não é fácil desenhar com tinta, mas é uma ótima maneira de acelerar o processo de aprendizado. Você não pode cometer erros com caneta e tinta, para aprender rapidamente a observar e escolher suas linhas com sabedoria. Existem muitas ferramentas para escolher para esta tortura; você deve tentar todos eles até encontrar o que mais lhe convier. A geração Gibson usou canetas de mergulho flexíveis e pincéis finos e pontudos para dominar suas elegantes linhas finas e grossas. Van Gogh fez algumas de suas próprias canetas rudimentares, porém eficazes, com juncos e penas comuns. Hoje, também temos uma grande variedade de canetas e até pincéis para remover parte do tormento do processo. Eu costumava desenhar com os dois nos meus primeiros anos, mas agora acho que uma caneta esferográfica também serve aos meus propósitos. Algumas marcas contemporâneas de canetas esferográficas são propensas a acidentes frustrantemente manchados, mas se você tentar vários fabricantes diferentes, descobrirá alguns que fornecem uma linha sensível e confiável. Você encontrará uma caneta esferográfica bastante útil enquanto estiver em movimento, quando desejar uma aparência fluida e superficial ou quando desejar indicar uma grande massa de valor na página com um conjunto de linhas tracejadas rapidamente.

Linhas como massa
Se você empilhar linhas de hachura finas e delicadamente processadas o suficiente em seu desenho, poderá criar a aparência de uma forma tonal suave e sem linha quando vista à distância. Eu gosto de combinar linhas ousadas com essas linhas de hachura mais delicadas. Às vezes, eu uso propositadamente a textura alinhada em paralelo do papel colocado para aprimorar esse efeito, permitindo que meu lápis viaje para cima e para baixo com a direção do grão, como fiz em Figura sentada. Em alguns casos, bato um tomzinho no papel texturizado com um toco, para que o contraste entre as cristas e as calhas do papel não seja muito chocante. Na maioria dos casos, tento encontrar uma fusão de linha com tom, visando uma transição gradual do trabalho de linha em massa de puro valor. Quanto mais eu passo por essas passagens suaves, mais para trás eu agarro o lápis na caixa. Acho mais fácil controlar a pressão da minha linha com a mão nesta posição elevada, permitindo que eu acaricie em um movimento de arco cada vez mais amplo. Nesses momentos, seguro o lápis com tanta delicadeza que muitas vezes cai da minha mão.

É preciso muita prática para manipular linha em massa de valor tonal. Se você está apenas começando, ensaie a qualidade da sua linha o máximo possível. Mesmo assistindo televisão, você pode puxar um bloco e desenhar linhas repetidamente em pequenas amostras quadradas, testando diferentes posições das mãos e variando a pressão. Tente praticar a mistura de suas linhas. Passe delicadamente as linhas paralelas umas às outras, colocando-as cada vez mais perto, até que quase pareçam desaparecer. Em seguida, tente desenhar linhas na direção oposta nesta mesma amostra para obter ainda mais sutileza e mesclagem de linhas em massa. Se você é um artista avançado, é igualmente recomendável manter um pedaço de papel extra à mão ao desenhar, para que você possa testar a pressão da mão ou ensaiar um tom complicado antes de colocá-lo no desenho final.

Wet Media
O método de tinta e lavagem é outra ferramenta eficaz em nossa busca para unir linha e massa e, devido à sua semelhança técnica com o meio aquarela, serve até como uma ponte útil entre as categorias artificiais de desenho e pintura. Observe como os dois Giambattista Tiepolo com A Sagrada Família e Jean-Baptiste Greuze com Mulher abraçando um velho recostado executam lavagens de valor frouxas em suas composições, juntando suas figuras em massas de valor maiores e abstratas em termos de pintura. Observe também como as linhas mais duras às vezes se fundem na lavagem úmida, transformando-se em acentos mais suaves e misturados. Tente isso em seu próprio trabalho, usando tinta solúvel em água. Muitas vezes, você nem precisa usar uma lavagem de acompanhamento - pode usar um pincel carregado com água para arrastar um pouco de tinta para fora da linha e criar um padrão de valor subjacente.

Fonte de Refrigerente
de Isabel Bishop, ca. 1954,
lavagem com tinta, 7 1/8 x 6.

Às vezes, a massa pode dominar tanto uma imagem que a linha pode parecer um mero complemento do parceiro, servindo para acentuar as sombras mais profundas ou as luzes mais brilhantes, ou simplesmente contendo as bordas externas em alguns lugares. Mesmo quando usado com moderação, como tento fazer na maioria dos meus desenhos (consulte Torso Torcido), a linha ainda é indispensável ao meu trabalho. Mas lembre-se de que uma pequena linha percorre um longo caminho. Nesse rápido esboço de cinco minutos, eu limitei a maior parte do meu trabalho de linha às formas periféricas, sobrepondo e variando seu peso para reforçar as formas internas e interligadas. Tentei não atrapalhar o fluxo das gradações de valores, mas em alguns locais adicionei alguns movimentos para acentuar alguns dos pontos ósseos e áreas de alívio profundo onde a ação endurece os músculos. Recuei da massa tonal nas extremidades do tronco, contando com as linhas solitárias restantes para facilitar a figura no papel vazio.

O poder da linha e da massa não termina com a representação escultórica e os efeitos naturais da luz na forma humana. Eles podem desempenhar uma função de design como no exemplo anterior ou, como no desenho de Charles LeBrun, em que linha e massa gradualmente entram e saem da página em branco. A massa e a linha de valor quase se tornam uma unidade abstrata em alguns desenhos de lavagem de tinta dos Bispos de Isabel. É difícil dizer onde termina a forma e começa a caligrafia nela Fonte de Refrigerente. Ela também usou marcas de formas e formas híbridas arrojadas em muitas de suas pinturas, às vezes sobrepondo-as de uma maneira desencarnada que reforça o nivelamento essencial e o potencial formal da tela ou do papel. Também não devemos ignorar completamente os outros ativos conceituais desses traços contrastantes. Observe como Fragonard explora suas habilidades emotivas e expressivas em O Pacha. Conhecido por seu uso rubenésico de cores e pinceladas animadas, ele se aproximou do desenho com igual entusiasmo, arrastando um pincel rapidamente pelo papel texturizado em um roteiro desesperado e apaixonado e preenchendo a página com um padrão quase moderno e repetitivo de marcas grosseiras.

O uso da linha na pintura
O uso da linha não se limita ao domínio do papel e do desenho. Até muitos artistas centrados na massa usam a linha para iniciar suas pinturas. Costumo começar minhas telas com um esboço a carvão.

Figura multicolorida
por Dan Gheno, 1996,
lápis colorido, 18 x 24.
Coleção do artista.

Então, reconfirmo e construo minhas linhas iniciais de carvão com tinta, geralmente um vermelho ou azul alizarino permanente. Diluo a tinta com muito solvente para que a cor flua livremente, como tinta. Graças à grande proporção de solvente, as linhas pintadas secam rapidamente, geralmente em cinco a 20 minutos. Isso me dá muita liberdade, permitindo que eu passe para o processo de pintura imediatamente. Se eu acho que perdi o controle do desenho, posso raspar algumas das camadas superiores para recuperar o desenho original abaixo. Mas tome cuidado ao usar essa abordagem. A tinta a óleo fica transparente com o tempo, e você deve evitar desenhar com uma linha extremamente escura, principalmente se pintar em camadas finas.

Às vezes, uso linhas para redesenhar uma pintura em andamento, mudando para uma nova cor cada vez que faço uma revisão para poder comparar minhas alterações com a encarnação anterior. Eu esporadicamente faço isso no meu trabalho desenhado, como Figura para recortar, só por diversão - acho também interessante documentar o caminho da descoberta, com cada decisão ou ajuste registrado por uma cor diferente. Mesmo quando desenho da minha maneira normal e monocromática, nunca apago meus erros até ter rabiscado uma possível solução. É mais fácil fazer uma revisão em qualquer meio quando você pode ver onde esteve. Dessa forma, você não comete o mesmo erro duas vezes (ou três vezes).

Alguns pintores usam a linha extensivamente ao longo de seu trabalho. Van Gogh é provavelmente o exemplo mais óbvio. Ele usou um golpe de caligrafia altamente caligráfico em muitas de suas pinturas, enquanto, ironicamente, em muitos de seus desenhos, ele frequentemente imitava os aspectos texturais das pinceladas. Como muitos outros pintores, costumo usar linhas como uma saída expressiva ou como uma maneira de implicar sobreposição de formas, assim como em meus desenhos. Até um artista de massa, como John Singer Sargent, recorreu a um uso pesado de contornos em grande parte de seu trabalho mural. Muitos muralistas da época, incluindo Kenyon Cox e, mais recentemente, Dean Cornwell, usavam a linha para tornar as imagens mais reconhecíveis à distância, e junto com Georges Rouault em seu trabalho de cavalete, costumavam usar contornos distintos em uma emulação declarada da pintura. linhas de chumbo que suportam vitrais. De certa forma, você pode até dizer que essas linhas escuras servem mais a uma cor do que a um fim de desenho; eles reforçam e aprimoram os tons internos. Tente imaginar o auto-retrato de Hans Hoffmann sem as linhas. Não funcionaria.

Um artista abstrato como Hoffmann não tinha medo de linhas ou desenhos em geral. De fato, alguns de seus ensinamentos giravam em torno do desenho do modelo. Infelizmente, hoje em dia muitos artistas e críticos criticam a fusão de linha e massa e argumentam veementemente contra contaminar a pureza do impulso da pintura com preocupações de desenho. Isso me lembra outro momento infeliz da história da arte, quando os Poussinistas, partidários de desenho e contenção, e os Rubenistas, soldados de cor e emoção, estavam na garganta um do outro. Cada um deles era inflexível em sua opinião. De fato, um professor e artista popular do movimento neoclássico, Barão Antoine-Jean Gros, cometeu suicídio porque não estava disposto a sacrificar seu lado emocional rubenista para homenagear seu patrono e pai artístico, Jacques-Louis David, um zeloso Poussinista.

Hoje, a maioria das pessoas pode apreciar esses dois campos e pode ver sua eventual fusão na arte tradicional dos séculos XIX e XX. Pense em quanto potencial foi perdido por essas guerras artísticas. A vida é muito curta para ser dissuadida pelos ditados de outros artistas. Use linhas quando servir a seus propósitos visuais e use massas de valor quando forem apropriadas. Deixe alguém se preocupar com as supostas regras estéticas. Seu trabalho é desenhar. Se você se apegar a isso, será tão imparável quanto a equipe de linha e massa.


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