Desenhando

Pintura a óleo: Sean Cheetham: Usando uma paleta de lama para alcançar a harmonia

Pintura a óleo: Sean Cheetham: Usando uma paleta de lama para alcançar a harmonia

Para obter precisão e harmonia em suas pinturas alla prima figure, o californiano Sean Cheetham enfatiza o desenho e um sistema de mistura de cores com base nas misturas de "lama", como ele as chama, que governam sombras, tons médios e destaques. Recentemente, ele ofereceu longas demonstrações dessas técnicas durante um workshop de cinco dias.

de M. Stephen Doherty

Mesmo que ele ainda não tenha 30 anos, Sean Cheetham já estabeleceu uma forte reputação com colecionadores de arte e estudantes no sul da Califórnia. Ele apresentou exposições esgotadas de suas pinturas de figuras, recebeu comissões importantes e reuniu aulas com alunos ansiosos para vê-lo pintar a forma humana com precisão, estilo e drama. No verão passado, ele conduziu uma oficina de cinco dias na Academia de Arte Figurativa de Los Angeles e acrescentou uma demonstração noturna para aqueles que não tiveram a sorte de encontrar espaço na sala de aula.

Sara
2005, óleo, 24
x 20. Coleção
o artista.

Além de ter uma capacidade excepcional de entender, desenhar e pintar a forma humana, Cheetham conta com uma paleta de cores e uma técnica de pintura que aprendeu com Mike Hussar, seu professor e amigo no Art Center College of Design, em Pasadena, Califórnia. . Um dos aspectos mais importantes dessa técnica e sistema de paleta é primeiro misturar a cor mais escura (verde azeitona, alizarina carmesim e amarelo indiano) e usá-la para estabelecer o tom da tela, o desenho do sujeito e as formas mais escuras. As grandes quantidades de uma cor específica de "lama" da sombra são misturadas com base na cor local da sombra do modelo e ajustadas de acordo com as sombras mais escuras e mais claras e nas sombras mais quentes ou frias. Quando os lados mais escuros, o fundo e a sombra estiverem mais escuros, o artista prepara uma “lama” do lado da luz e mistura-a para obter meios-tons e realces.

Este sistema tem várias vantagens distintas, especialmente para pintores inexperientes. Primeiro, simplifica o processo de desenho, aliviando qualquer preocupação com cor e unidade. Segundo, ajuda a estabelecer um tom de sombra escuro e transparente que ajuda a ilusão de luminosidade. Terceiro, resulta em uma imagem harmoniosa, especialmente nas áreas de transição entre valores relativos e temperaturas de cor. E, finalmente, elimina a necessidade de fazer ajustes radicais nas relações de valor e cor no final do processo de pintura.

Depois de tonificar um
24-x-20
lona com um
lavagem leve de
verde oliva,
alizarina
carmesim e
Amarelo indiano,
Cheetham
desenhou o seu
modelo usando
o mais escuro-
cor escura.

Como Cheetham apontou para os alunos que participaram de sua oficina recente, o sistema de “paleta de lama” depende de começar com um desenho preciso, usar uma seleção específica de cores do tubo e desenvolver as imagens de valores escuros para claros. "A maior fraqueza nas pinturas de figuras é geralmente o desenho", diz Cheetham ao revisar sua experiência de ensino. “Os alunos costumam estar tão ansiosos para pintar que não conseguem corrigir os problemas no desenho que acabam atormentando-os durante todo o processo de pintura. É importante refinar e corrigir constantemente o desenho enquanto eles estão trabalhando, mas se eles não começarem com uma estrutura precisa para a figura, esses ajustes não corrigirão as falhas básicas ".

Durante todas as demonstrações que Cheetham ofereceu durante o workshop e o programa noturno, ele desenhou seu modelo em uma tela tonificada com uma mistura fina da cor mais escura. “Para começar, tonifiquei a tela pintando a superfície com uma fina cor de terra (uma combinação de verde azeitona, alizarina carmesim e amarelo indiano) com base no valor do lado claro do modelo.”

Cheetham mergulhou uma escova de cerda em forma de avelã em um pote de Turpenóide e esfregou na cor de lama da paleta. Ele então usou a tinta fina para sugerir a escala da cabeça do modelo, marcando a parte superior, inferior e lateral aproximada da forma, bem como a extensão dos ombros. As cabeças geralmente são um pouco menores que o tamanho natural, mas Cheetham tende a aumentá-las enquanto faz uma demonstração. Quando o artista ficou satisfeito com a escala geral da forma do modelo, ele usou a tinta fina para desenhar o rosto, começando pelos olhos, depois pelo nariz e daí para a frente. "Prefiro trabalhar de dentro para fora, começando pelos olhos, em vez de trabalhar da forma exterior da cabeça para o meio", explicou.

Alexis
2003, óleo, 24 x
20. Coleção
o artista.

Depois de estabelecer as sombras mais escuras e o fundo, Cheetham passou para os tons de pele do lado sombrio. “A combinação exata varia de acordo com as condições de iluminação, mas geralmente possui uma base de sienna queimada com um pouco da mistura de cinza de fundo para neutralizá-la”, explicou ele. "Na verdade, não vou pintar com essa mistura de lama, mas vou misturá-la para todas as combinações de cores que preparar ao longo do caminho. Por exemplo, posso adicionar mais da mistura escura mais escura para tornar os valores mais escuros; ou posso aquecer a mistura adicionando um lago escarlate ou um cádmio vermelho profundo. ”

"Meus desenhos são lineares e não tonais", mencionou Cheetham como uma maneira de apontar que ele desenha as linhas que descrevem as bordas das características faciais em vez de bloquear as massas das órbitas oculares ou as sombras projetadas sob o nariz, boca, e queixo. "Não me preocupo com muitos detalhes no começo, preferindo me concentrar em capturar imediatamente uma semelhança e garantir que o desenho seja preciso. Eu pintei alguns sotaques escuros com a mistura mais escura, usando mais alizarina carmesim nas pálpebras, nariz, lábios e orelhas; então eu bloqueio no fundo com uma mistura cinza neutra de azul cobalto e sienna queimada. ”

Antes de se envolver na pintura de um tom de pele, Cheetham avaliou se a luz no modelo era predominantemente quente ou fria e se poderia haver outros tipos de luz influenciando a aparência do modelo. “Frequentemente, o modelo que posa em um estúdio da escola é inundado com luz quente de um holofote, e algumas luzes fluorescentes suspensas se misturam com esses tons quentes”, explicou o artista. “A maior parte da pintura inicial na fase de desenho é monocromática, com variações entre o verde oliva e o carmesim alizarino, dependendo da quantidade de calor profundo nas características do modelo. Gradualmente, ajusto a temperatura da lama das sombras aquecendo-a com a adição de lago escarlate e verde-cádmio pálido, ou esfriando-a com uma mistura de tonalidade azul de manganês e branco para dar conta das luzes fluorescentes.

"Eu realmente não gosto de uma cor de carne vermelho-alaranjada, então coloquei um gel azul sobre os holofotes durante o workshop para que a carne do modelo ficasse um pouco mais fria na temperatura da cor", continuou Cheetham. “Meu processo é mais sobre como medir os valores primeiro e sobre a temperatura da cor. Se o desenho estiver correto e os valores estiverem corretos, a pintura será lida corretamente com qualquer cor. ”

Enquanto Cheetham trabalhava por longos períodos na sombra, ele apertou os olhos para identificar uma cor e uma mistura de valores para cada sombra específica e luz refletida. Ele então tirou um tempo para misturar uma grande quantidade de lama clara (titânio branco, siena queimada, ocre amarelo pálido, lago escarlate e azul de manganês). “Lembre-se de que eu nunca pinto a cor da lama diretamente”, ele lembrou aos alunos. "Eu misturo dessa pilha e é isso que a mantém unificada."

Porta da frente
2006, óleo, 12 x
18. Particular
coleção.

Depois de pintar por três horas, Cheetham pediu uma pausa para o almoço. Uma hora depois, ele estava de volta à demonstração, construindo os valores do escuro para a luz. "Eu sempre misturo na paleta, não na tela", disse ele ao retomar a pintura. "Você verá alguns pintores de óleo jogarem uma cor e trabalharem na tinta que já está na tela. Prefiro manter as cores limpas e as sombras finas, julgando os valores na paleta e aplicando a mistura na tela.

"Agora vou desenvolver os meios-tons ajustando a cor da lama clara", continuou Cheetham. “Eu uso uma mistura de azul cobalto e sienna queimada, que é semelhante ao fundo, para misturar na minha mistura do lado da luz para obter as luzes mais escuras. Posso aquecer a mistura adicionando lago escarlate ou sienna queimada, neutralizar o tom laranja adicionando mais cobalto, clarear adicionando mais branco de titânio ou resfriá-lo com um dos azuis, violetas ou verdes. ”

Turtle Hill
2006, óleo,
45 x 30.
Coleção privada.

Durante todo o processo de pintura, Cheetham parou por alguns minutos para verificar o desenho do rosto e das roupas da modelo. "Você precisa se afastar de uma pintura para determinar a precisão do que está fazendo", explicou ele aos alunos. "Não faça esses julgamentos quando seu nariz estiver pressionado contra a tela, porque você precisa se preocupar com o efeito geral, não com os pequenos detalhes."

Cheetham passou um total de cinco horas na demonstração que ofereceu no primeiro dia do workshop e sete horas no outro, depois dedicou três horas ao retrato de Rajiv que foi pintado durante a sessão da noite. Apesar das demonstrações relativamente longas, o artista indicou que suas pinturas alla prima são muito mais ásperas que seu trabalho de estúdio. “Construo minhas pinturas de estúdio em painéis cobertos com gesso acrílico e pasta de modelagem, em vez de em tela, e trabalho mais devagar, mas uso o mesmo processo ao misturar cores”, explicou. “Por causa desse processo tedioso, confio mais nas fotografias do que nos modelos ao vivo. Ultimamente, venho trazendo as fotografias digitais para a tela do computador e trabalhando diretamente com elas, em vez de com as impressões fotográficas, porque a luz por trás da imagem a torna mais realista. Eu pintei figuras em ambientes que colocam uma distância emocional entre o espectador e o assunto das fotos. Não contratei modelos porque prefiro pintar amigos, especialmente minha namorada - pessoas que me cercam e me inspiram diariamente. ”

Nos dias em que Cheetham não estava oferecendo uma demonstração, os participantes do workshop pintaram com modelos ao vivo enquanto ele andava pelo estúdio, oferecendo conselhos úteis. Como muitos instrutores, Cheetham descobriu que era mais capaz de apontar pontos fracos nas pinturas, pintando diretamente nas pinturas dos alunos. "Eu sempre digo aos alunos para me impedir, se não me querem trabalhando em suas pinturas, mas ninguém o faz", diz ele. "Eles entendem que, às vezes, é melhor mostrar a eles como fazer uma melhoria do que descrever uma alteração sugerida com palavras. Normalmente, são necessárias apenas uma ou duas marcas para salvar uma pintura, porque a maioria dos participantes da oficina tem experiência suficiente para estar razoavelmente perto de acertar. Um dos benefícios de um workshop de cinco dias é que há continuidade de um dia para o outro, de uma lição para a seguinte. Isso geralmente se perde quando uma turma se reúne apenas um dia por semana durante um semestre de três a quatro meses ".

Cheetham está tão ocupado fornecendo pinturas à sua galeria que ele não tem tempo para ensinar regularmente, mas oferece oficinas ocasionais. Além do programa que ele ofereceu na Academia de Arte Figurativa de Los Angeles, ele conduziu recentemente um workshop para amigos de escolas de arte que estabeleceram a Academia do Lado Sul, em Pittsburgh.

Sobre o Artista
Sean Cheetham nasceu em San Francisco, estudou no College of San Mateo, na Califórnia, e obteve um diploma de bacharel em Direito. diploma com distinção pelo Art Center College of Design, em Pasadena, Califórnia. Suas pinturas foram incluídas em exposições internacionais, e atualmente ele é representado pela Mendenhall Sobieski Gallery, em Los Angeles. Visite o site dele para mais informações.

M. Stephen Doherty é o editor-chefe da Oficina.


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