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Aquarela: Sondra Freckelton: Planejando a expressão

Aquarela: Sondra Freckelton: Planejando a expressão

Sondra Freckelton é amplamente reconhecida por suas aquarelas bem planejadas, atenciosas e habilmente criadas, que ela desenvolve usando princípios que expandem a expressão artística; e ela é apreciada por ajudar outras pessoas a aprender esses princípios enquanto ganha uma compreensão concreta da pintura em aquarela.

de M. Stephen Doherty

Paleta holandesa
1998, aquarela, 28 x 27.
Coleção do artista.

Quando o artista de Nova York Sondra Freckelton leva os alunos a uma série de exercícios projetados para ajudá-los a entender como tornar suas pinturas mais dinâmicas e convidativas para os espectadores, eles ficam surpresos. E quando ela demonstra como trabalhar com aquarela transparente para obter o máximo benefício do meio, eles ficam surpresos com o quão lógicos e apropriados são seus métodos, especialmente se eles fizeram outros workshops durante os quais foram ensinados como pintar, mas não porque. No final do workshop, os alunos costumam observar que aprenderam a compor e executar pinturas em aquarela pela primeira vez.

Alguns dos exercícios que os alunos de Freckelton realizam são projetados para ajudá-los a entender como selecionar e aplicar cores, enquanto outros visam fazer com que eles reconheçam como os materiais podem ser usados ​​para transmitir a razão pela qual eles selecionaram um determinado assunto. Por exemplo, ela demonstra como pintar uma maçã ou ameixa simples, estratificando tons das três cores primárias para obter a cor no papel, em vez de misturar a cor na paleta. Freckelton explica que, por ser um meio transparente, os artistas podem obter uma tonalidade mais rica para pintar objetos luminosos ou vivos com cores alcançadas, onde todas as cores usadas são evidentes; e mais tarde talvez contrastando isso misturando as cores da paleta para assuntos que não liberam luz, como tecidos ou madeira. Os alunos fazem suas próprias tentativas de colocar camadas de cores transparentes sobre uma forma oval desenhada em um pedaço de papel branco, sempre atentos ao modo como as cores estão interagindo e se desenvolvendo em direção à ilusão de um objeto tridimensional.

Fim de verão
1995, aquarela, 39½ x 36.
Coleção privada.

Ajudar os alunos a entender como transmitir as razões pelas quais selecionaram um assunto é um desafio maior, porque a maioria dos aquarelistas é ensinada a simplesmente pintar o que observa, a não se concentrar nos motivos pelos quais foram atraídos por um assunto. Em um exercício, Freckelton pede aos alunos que criem formas abstratas que transmitam emoções fortes, como medo, paz, raiva ou alegria. Depois de selecionar um assunto, ela recomenda que os alunos escrevam um cartão postal para si mesmos com uma mensagem que desejam que o espectador de sua pintura receba. Depois de concluir a pintura, os alunos comparam as duas formas de comunicação para determinar se elas correspondem.

“Os aquarelistas iniciantes precisam pensar sobre a escolha de um assunto, perceber por que o escolheram e determinar os fatores mais importantes e interessantes; depois esse processo se torna natural ”, diz Freckelton ao resumir seus conselhos. “Fazer arte é mais do que apenas registrar fatos. O pintor deve exagerar questões importantes e diminuir ou deixar de fora detalhes sem importância ou obscuros. O olho seletivo deve ser desenvolvido.

“Depois de anos fazendo arte, percebi que quanto mais econômico eu fosse ao pintar um assunto, mais chegava à essência dele”, continua Freckelton. "Eu também entendi que, exagerando os recursos importantes e minimizando os fatores que não melhoravam a forma, a luz, o ritmo ou o movimento, enfatizaria o conceito principal que me motivou a pintar o quadro. Ao mesmo tempo, pude chegar a uma imagem que tinha mais vida.

Zinnias de flores
1979, aquarela, 28½ x 29.
Coleção privada.

"O próximo passo é o mais difícil e mais útil", explica o artista. “Essa etapa é usar elementos de composição para reforçar suas idéias e transmitir sua visão para o público. Existem elementos padrão de design - linha, forma, volume, tom - mas há outras questões a serem consideradas na apresentação de um ponto de vista específico. Esses incluem o formato da pintura (quadrada, horizontal, vertical); o ponto de vista do artista (acima, abaixo ou mesmo com o assunto); proporção de espaços e cores; e as formas que levam os espectadores a entrar, circular e sair do espaço pictórico. Essas são as considerações que podem elevar uma pintura de um pedestre para uma emocionante obra de arte. ”

Freckelton recomenda frequentemente que os artistas façam esboços em miniatura das pinturas pretendidas, para que possam avaliar algumas dessas considerações de composição antes de começar a pintar. "A mente deve começar a trabalhar muito antes que o pincel atinja o papel", ela recomenda. Uma das principais considerações é a localização do centro de interesse e outra é o estabelecimento de um ponto de entrada a partir do qual o espectador é levado à imagem. "Há uma razão para o meio geográfico do jornal ser chamado de" ponto morto "", ela comenta. "É porque uma pintura na qual o sujeito está localizado naquele local ficará sem vida. Você sempre terá uma imagem mais atraente quando o centro de interesse estiver localizado de um lado ou de outro, de acordo com as intenções do artista.

“Da mesma forma, se uma imagem não possui um ponto de entrada - geralmente uma forma diagonal que se eleva da parte inferior da página - os espectadores sentirão que estão se intrometendo em uma cena privada em vez de serem convidados para a imagem”, acrescenta Freckelton. "E se houver um local de entrada, também é preciso haver um ponto de saída, geralmente uma diagonal, levando o espectador a atravessar e sair da foto."

Fim de outono
1996, aquarela,
37 x 38. Coleção
o artista.

Freckelton e seu marido, o artista Jack Beal, costumam divertir seus alunos referindo-se a esse uso de aviões de entrada e saída como a invenção de uma "composição de concha". Com isso, eles significam que o plano de espaço no qual o espectador entra em uma pintura pode ser pensado como um trapézio que é articulado a trapézios de espaço com formas semelhantes, através dos quais eles sairão. Em termos mais simples, é como um campo de grama encontrando o céu ao longo do horizonte, com o campo aparecendo como a metade inferior da concha, o horizonte sendo a dobradiça e o céu como a metade superior da concha. “Por mais tolo que isso possa parecer - e nossos ex-alunos nos enviam amêijoas e pinturas de amêijoas o tempo todo - pensar em uma concha lembra os artistas a considerar o espaço em suas pinturas”, explica Beal. “Muitos artistas pintam uma visão direta de objetos em uma prateleira plana ou colocam modelos em um cenário estreito como o de um veado. O resultado é que as pinturas não têm a profundidade que se poderia imaginar pintando os mesmos assuntos de um ângulo ou altura diferente. ”

Além dessas considerações, Freckelton usa um esboço em miniatura para determinar se os objetos em uma natureza morta se estenderão além dos limites do papel ou serão confinados por eles, se os elementos em uma imagem puderem atuar como áreas de interesse secundárias ou terciárias, se formas e padrões podem ser repetidos para dar ritmo à composição e se os elementos podem ser exagerados em escala ou direção para adicionar antecipação e energia à imagem. Por exemplo, em muitas de suas pinturas de natureza morta, Freckelton inclinará
uma mesa para a frente, para que os objetos sobre ela estejam prontos para rolar e cair no colo do espectador; ou ela aumentará a escala de uma flor para torná-la mais importante que as outras ou para reforçar a ilusão de espaço e distância.

Peônias em Taça Iridescente
2000, aquarela,
23 x 30. Coleção
o artista.

O espaço aberto ou negativo é tão importante para o plano de Freckelton quanto o espaço positivo. Ela acredita que a forma e o valor de uma parede de fundo podem ser tão importantes para o sucesso de uma pintura quanto os detalhes pintados nos objetos à sua frente. “Assim como uma grande peça musical oferece uma variedade de sons altos e suaves, e uma ótima performance de dança combina o atlético com o gracioso, também uma ótima pintura deve oferecer áreas de emoção e descanso. É uma questão de proporção - de padrões, formas e cores. "

Alguns aquarelistas acreditam que todo esse trabalho preparatório sufoca a criatividade porque transforma a pintura em um processo de execução de um plano estabelecido, em vez de explorar o quadro em evolução. "É exatamente o oposto", responde Freckelton. “O plano também evolui e muda conforme você olha e descobre mais elementos que aprimoram seu conceito original. Depois de saber por que está pintando um assunto, como irá compor uma imagem e ter uma idéia geral da sequência do aplicativo de pintura que você usará, você estará livre de falsas partidas e correções frustrantes e poderá responder à maneira como a tinta beija o papel. Sem algum tipo de plano, você lutará com todos os aspectos do processo de pintura. ”

Jarro de bola
1989, aquarela, 54 x 45.
Coleção do artista.

Sobre o Artista
Sondra Freckelton estudou no Instituto de Artes da Escola de Chicago e começou sua carreira artística como escultora trabalhando em madeira e plástico. Ela mudou seu interesse para aquarela nos anos 70 e rapidamente se estabeleceu como uma das artistas mais importantes que trabalhavam com a mídia. Suas pinturas foram exibidas em galerias e museus nos Estados Unidos, foram adquiridas para importantes coleções públicas e privadas e foram reproduzidas em dezenas de revistas, livros e catálogos. Suas pinturas foram exibidas na Galeria de Arte da SUNY Oneonta (no campus da Universidade Estadual de Nova York), de 28 de agosto a 14 de setembro de 2006, e reproduzidas em um catálogo da exposição. Para obter mais informações sobre a Galeria de Arte da SUNY Oneonta, entre em contato com Timothy Sheesley na SUNY Oneonta, 222 Fine Arts Building, Oneonta, NY 13820; (607) 436-2445.

Leia mais recursos como este da edição de 20º aniversário do outono de 2006 de Aguarela revista.


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