Desenhando

Pintura a óleo: Milt Kobayashi: Pinte o que você quer ver

Pintura a óleo: Milt Kobayashi: Pinte o que você quer ver

Milt Kobayashi concede aos alunos permissão para assumir o controle total de suas pinturas e não se sentirem obrigados a pintar exatamente o que vêem. Durante um workshop recente, ele incentivou os participantes a mudar a pose, a cor e os trajes de um modelo para se adequar às suas próprias idéias.

por Molly Siple

Suas aulas são mais sobre aprender a se abrir a possibilidades e menos sobre terminar a semana com uma nova lista de prós e contras artísticos. Como um aluno disse ao resumir a abordagem de ensino de Kobayashi: "Ele nos dá permissão para confiar em nós mesmos".

Artistas que participaram recentemente de uma das oficinas de Kobayashi na Escola de Artistas de Scottsdale descobriram que não é fácil tomar decisões de pintura com base no gosto pessoal, e não na observação. De fato, fazer o que você quer é um processo aprendido. O aprendizado ocorreu durante cada um dos cinco dias da oficina, com as manhãs dedicadas a uma demonstração de três horas por Kobayashi, durante a qual ele raramente falava. "Eu ensino da maneira que gostaria de aprender com Sargent", explicou ele. "Eu quero que Sargent pinte e não apenas fale sobre isso. Eu descobriria o que ele está fazendo! "

Kobayashi ajudou um aluno
fortalecer sua figura pintura.

Embora Kobayashi tenha poucas palavras sobre sua filosofia da arte, ele oferece aos alunos muitas oportunidades, através da observação, para entender seu estilo de pintura.

Ele também fornece pistas sobre seu processo na maneira como responde a perguntas. Questionado sobre uma mistura específica de cores que era favorita em um workshop anterior, ele responde: "Ah, eu não faço mais isso". Quando um aluno queria identificá-lo da maneira como estabelece sombras ou pinta as mãos, ele dava respostas como: "Continua mudando" ou "Normalmente faço isso, mas não hoje". Os alunos entenderam que deveriam permanecer no presente, confiar no que veem e assumir o controle artístico de seu trabalho.

Kobayashi libera os alunos para explorar e inventar da mesma maneira que os instrutores de arte que ensinavam Expressionismo Abstrato na década de 1960 colocavam o processo de pintura acima do assunto. O assunto real - o modelo vestindo uma roupa específica e posicionado em uma determinada pose - era apenas um ponto de partida. Como a pintura se desenvolveu foi baseada no que o artista viu em sua tela. Sobre pintar a figura, ele disse: "Pinte como deve ser a aparência".

O primeiro dia do workshop começou com Kobayashi cumprimentando o que parecia uma pequena multidão de fãs adoradores. (A turma de 18 completou os primeiros 45 minutos após a abertura do registro.) Vários dos alunos frequentam suas oficinas há uma década ou mais. As amizades experientes que Kobayashi com muitos logo se tornaram evidentes quando a sala se encheu de risos e conversas. Um aluno perguntou: "Você vai nos contar sobre novas cores secretas que está usando?" Ele imediatamente voltou com: "Se eu soubesse, não estaria lhe dizendo." Isso foi dito com um sorriso malicioso, pois Kobayashi dissipou quaisquer barreiras formais entre professor e alunos. Ele tornou a si mesmo e suas instruções acessíveis, fazendo com que os participantes se sentissem como se estivessem aprendendo com um amigo muito bem informado.

Todas as demonstrações de Kobayashi ocorreram em uma extremidade de um estúdio longo e amplo. A modelo ocupou seu lugar em uma cadeira de plástico branco comum, colocada em uma plataforma baixa. Para começar, Kobayashi tonificou um quadro coberto de lona 11 x 14 com uma mistura de pigmento verde escuro e ocre misturado com um pouco de tinta e óleo de linhaça. Ele aplicou movimentos rápidos e firmes, misturou-os e tentou várias composições desenhando um contorno básico de cabeça e ombro. Ele alertou os alunos para garantir que a cabeça não estivesse alinhada com o tronco, porque isso seria "muito rígido", mas inclinar a cabeça. Ele também tentou criar variedade dentro da pose. “Em qualquer pose, existe um lado ativo e um inativo. Eu faço um lado muito reto e o outro torto como contraponto.

Em seguida, ele posicionou o modelo para corresponder ao que havia desenhado. Ele inclinou a cabeça e usou o lápis para guiar seu olhar. "É assim que eu trabalho", explicou ele. "Começo com uma idéia de como quero a pintura e, em seguida, tenho o modelo sentado dessa maneira." Nesta fase do desenho inicial, ele também começou a estabelecer a posição das mãos, indicando-as com retângulos simples. Ele tentou várias posições, um tanto arbitrárias em termos de anatomia e pose do modelo, mas importantes em termos de design. Ele se afastava da tela com frequência para avaliar a composição, depois ajustava o posicionamento e o ângulo dos elementos, reposicionando-os para o fluxo, até ficar satisfeito.

Muitos dos estudantes
(e seus animais de estimação)
participou de workshops anteriores
com Kobayahshi e foram
familiarizado com sua abordagem.

Para definir o formato da cabeça, Kobayashi desenhou um círculo para a parte superior do crânio e, em seguida, adicionou uma espécie de triângulo com uma ponta plana - uma forma de focinho para a frente do rosto. Se a veiculação não parecesse correta, o artista poderia mover essas formas brevemente anotadas. Ele terminou de planejar o rosto, indicando os olhos ao longo do arco onde o círculo se encaixava no triângulo. A boca foi na ponta do triângulo e, embaixo, ele desenhou um cilindro saliente que definia o queixo.

Kobayashi credita George B. Bridgman, um renomado instrutor de anatomia da The Art Students League de Nova York, em Manhattan, por mais de 50 anos, por essa abordagem de desenhar a figura na qual a forma humana é reduzida a blocos presos em outros blocos . "Seu método era simples e fácil, e os blocos mostravam a direção dos diferentes elementos do corpo", explicou. "Essa abordagem permite acertar o esqueleto sem se preocupar muito com os músculos - o que funciona para o meu tipo de pintura." Kobayashi recomendou que os alunos comprassem cópias dos livros de Bridgman para referência: Guia completo de Bridgman para tirar da vida (Sterling Publications, Nova York, Nova York); Cabeças, figuras e rostos (Dover Publications, Mineola, Nova York); Anatomia Construtiva (Dover Publications, Mineola, Nova York).

"Às vezes, a pose que eu quero é realmente difícil de manter", explicou Kobayashi. "Acho que isso vem dos meus primeiros anos de cartum, colocando figuras em posições estranhas." Para superar esse problema de ter um modelo segurando uma pose desajeitada, Kobayashi frequentemente trabalha com fotografias Polaroid do modelo.

“Antes de começar a desenhar demais, gosto de pintar as massas para poder ver para onde a pintura está indo”, explicou Kobayashi enquanto continuava a demonstração. Ele usou um pincel de avelã nº 4 e sua paleta padrão de tons de terra, incluindo uma cor mãe, como preto ou cinza quente pré-misturado, mas sem cádmio e raramente branco. Ele também gosta das cores da série Mars, mas, além disso, ele não oferece aos alunos uma paleta de pigmentos específicos, porque seus favoritos continuam mudando. Usando ocre amarelo, ele delineou a cabeça com traços de largura variável para transmitir forma e absorveu valores para os olhos, nariz, boca e ouvidos. Ele parou um momento para garantir aos alunos que eles poderiam brincar com a colocação dos recursos. “A pintura é realmente uma mentira. Tudo o que você precisa fazer é convencer o espectador de que a pintura está certa. Ele então espalhou uma massa selvagem de cabelo. Enquanto ele pintava, Kobayashi comentou: “Eu tento pintar o cabelo rápido e solto porque o cabelo está solto. Lembro-me do tipo de material que estou pintando, para que as pinceladas expressem isso. ”

Trabalho de estudante
Kobayashi evita qualquer
crítica formal do aluno
trabalhar porque na aula
não há tempo suficiente
trazer pinturas para
conclusão, e ele sente
julgá-los seria
prematuro. No entanto, mais de
os anos, Kobayashi tem
visto um erro mais
os alunos fazem: eles têm medo
usar escuridão e começar
suas pinturas com um
tom do meio que faz
seu trabalho parece enlameado.

Kobayashi também pode mudar a cor dos cabelos. Nesta demonstração, ele pintou o cabelo com Marte de preto porque "seca muito preto". O preto é uma parte essencial da paleta de Kobayashi, na tradição de artistas como Degas, Manet e Velázquez. Em geral, ele prefere preto marfim do que carvão, e quando ele quer que o cabelo pareça muito preto, ele adiciona um azul ultramarino.

Em seguida, ele abordou os tons de pele do rosto e pescoço, usando cores notavelmente lamacentas, que fazem parte de seu estilo característico. Ele pode começar com violeta de Marte ou amarelo de Marte, ou um monocromático quente de Holbein. Se algum pigmento preto deixado em seu pincel ao pintar o cabelo se misturar com as outras cores, tanto melhor. "Para mim, há algo errado com cores carnudas e band-aid e bochechas vermelhas", comentou Kobayashi. “Eles me jogam para fora dos trilhos, e a pintura começa a seguir em uma direção mais convencional, em vez de ser um Kobayashi. Me sinto mais livre quando uso cores incomuns. ” Como ele respondeu à pergunta de um aluno sobre os pigmentos específicos usados ​​para o rosto, ele revelou a diversão que ele tem em ser não convencional. "Estou pensando em um tom de pele cinza e feio - com aparência muito morta".

Em seguida, ele bloqueou a sombra da cavidade ocular, seguida pela cor na crista do nariz e pela sombra sob o lábio e no pescoço. Ele misturou azul, sienna queimado e um branco amarelado para eles. Atualmente, ele também gosta da laranja de Holbein em Marte porque "não é muito marrom. Aquece um azul claro e dá um ótimo tom de sombra. ” Em seguida, ele preencheu a parte exposta do peito, perto do decote, mas com um valor mais leve, pois essa parte do corpo geralmente recebe menos sol que o rosto. Para Kobayashi, o valor é mais importante que a cor. “O valor fundamenta sua pintura. Você pode usar a cor que desejar. ”

Ele voltou sua atenção novamente para as mãos, fazendo com que o modelo tentasse posições diferentes. "Eu sou como diretor. Levo muito tempo colocando as mãos para que elas não fiquem cerradas ou tenham uma forma muito geométrica. Dobre um pouco o pulso ou será muito reto e parecerá um tronco. Pense em como os dançarinos seguram as mãos em posições que movimentam a forma. Quero que eles sejam colocados graciosamente. Ele tira fotografias Polaroid das mãos da modelo e as usa para deitar nos planos básicos. Embora ele faça as mãos grandes, ele gosta de pintar os braços magros para dar mais ação às pinturas e levar o olhar do espectador para fora da cena. Seus braços são tubulares, exceto quando descansam em um encosto da cadeira, afundam no estofamento ou oferecem uma oportunidade para criar uma borda macia e uma forma interessante.

Kobayashi continuou cobrindo a tela, colocando todos os valores e formas. "Neste ponto, quero saber como tudo se relaciona", explicou. Em seguida, ele pediu aos alunos para decidirem qual a cor da blusa da modelo. Ele sugeriu uma cor fria para que a cor do rosto não parecesse monótona. Os alunos optaram pela lavanda e Kobayashi misturou uma pervinca de uma combinação de cinza violeta e rosa. Ele então cobriu o fundo com um bege quente usando um pincel nº 8 e uma faca de paleta, cortando a forma do cabelo com a tinta de fundo. Ele manteve essa cor clara para manter a silhueta da figura. O artista diz que evita o azul como pano de fundo porque parece muito com o céu.

Durante esse período, as pinceladas de Kobayashi foram garantidas e harmoniosas. Em relação a isso, o artista teve uma dica fascinante para seus alunos: "Existe um ritmo na pintura que se estende da paleta à tela, e o tamanho dos recipientes que você usa para reter o solvente e os pigmentos pode afetar isso" ele aconselhou. “Use grandes recipientes para fazer grandes movimentos. Eu mantenho pincéis em uma lata de café que contém tinta mais fina e uso uma lata de atum com a tampa removida para o óleo de linhaça. Recipientes maiores me permitem mexer o pincel livremente. É uma coisa de fluxo contínuo. Não uso aquelas xícaras minúsculas que vendem para guardar óleo. Mergulhar um pouco com uma escova e depois dar um grande golpe na tela é um ritmo diferente. ”

Com o lay-in concluído, Kobayashi terminou a etapa um de seu processo de pintura em pouco mais de uma hora. "O estágio dois envolve a limpeza do desenho", explicou. Pintando molhado-a-molhado, ele trabalhou no rosto novamente. "Agora estou redesenhando para mim." Ele alterou os valores, adicionou um pouco de violeta de Marte às bochechas e enfatizou a projeção do nariz.

Durante o estágio dois, Kobayashi ficou muito perto da tela para “pintura séria”. Os alunos examinaram de perto os binóculos que foram convidados a trazer com os materiais de pintura. Ele adicionou um pouco de luz ao lado mais escuro do rosto porque, como explicou, "esse lado se curva para a luz", e acrescentou uma sombra ao lado mais claro para iluminá-lo. Em seguida, ele focou na boca, esculpindo a borda com o tom de pele adjacente. Ele detalhou as mãos. "Penso nos três dedos do meio da mão como uma cunha com o mindinho e o polegar mais parecidos com sotaques", comentou. "Eles dão expressão à mão." Ele pintou grossas linhas pretas entre os dedos para defini-las. Ele também notou uma mudança de cor no osso do pulso e pintou um plano com uma rosa profunda. Mas as mãos ainda eram planas e estilizadas, lembrando as mãos gráficas do expressionista vienense Gustav Klimt.

Nesse ponto, Kobayashi considerou adicionar um padrão à blusa da figura. Fiel à liberdade que ele se permite pintar, fez um desenho de manchas dançantes de cores ou listras. A essa altura, a personalidade da figura estava surgindo. Quando um aluno perguntou a ele quem são as mulheres em suas pinturas e se elas têm uma mensagem, Kobayashi respondeu com naturalidade: “Acredito muito em 'é o que é'. 'É assim que eu pinto mulheres. Eu não consigo explicar. "

Kobayashi trabalhou com mais detalhes ao passar para o estágio três. Ele decidiu onde colocar a pupila do olho - uma hora e meia para abrir o olho - e, para dar alguma textura à pupila, recomendou o uso de uma tinta viscosa feita à mão, como Doak ou Harding, e mergulhando a ponta do olho. pincel no pigmento. Em seguida, ele ajustou os cílios e as sobrancelhas e acrescentou à boca - a parte mais expressiva do rosto, porque está sempre mudando. “Nesta fase, também verifico como um acidente vascular cerebral funciona com outro. Quero que a superfície pareça atraente. Ele descreve sua pincelada de assinatura como "mais redonda" e, portanto, prefere modelos com uma face mais cheia.

Após uma pausa para o almoço, os participantes da oficina voltaram ao estúdio para descobrir três modelos posando em várias áreas da sala. Eles começaram a pintar as mulheres, e Kobayashi percorreu a sala elogiando uma boa forma, a planicidade gráfica de um design ou o manuseio de cores. Ele explicou que falaria alto ao criticar a pintura de cada pessoa, para que aqueles que enfrentam problemas semelhantes pudessem se beneficiar de seus comentários. Uma estudante estava tendo problemas com o vestido rosa de cetim que uma das modelos usava, então Kobayashi mostrou a ela uma reprodução de uma pintura de Sargent na qual ele lidara com cetim. Depois, ele ajudou o aluno a encontrar a cor básica do tecido que o modelo da turma usava e pintou antes de adicionar sombra e cores de destaque. Ele também lembrou o tempo em que digitalizou uma pintura figurativa de Sargent em seu computador e apagou digitalmente as poucas áreas e pontos mais escuros para descobrir que o mestre se baseava principalmente em apenas dois valores para retratar o formulário.

Para outro participante, ele desenterrou um pente espanhol e o colocou no cabelo da modelo para complementar o fundo que o aluno havia pintado. À medida que a tarde prosseguia, todos estavam envolvidos em seu trabalho. De repente, a pintura foi divertida, pois Kobayashi libertou os estudantes do modelo e os incentivou a criar suas próprias pinturas originais.

Ao longo do workshop, Kobayashi construiu um relacionamento caloroso com seus alunos. No último dia, alguém trouxe um sapateiro e um sorvete para compartilhar, e Kobayashi deu um abraço nos estudantes antes de seguirem seu caminho.

Sobre o Artista
Milt Kobayashi nasceu na cidade de Nova York, um nipo-americano de terceira geração, mas passou a primeira infância em Oahu, Havaí e depois em Los Angeles. Ele ganhou um B.A. da Universidade da Califórnia, Los Angeles, em 1970, e logo começou a trabalhar como ilustrador. No entanto, seu estilo não se adequava ao mercado de arte comercial de Los Angeles e ele retornou a Nova York em 1977. Aqui, em uma visita ao Metropolitan Museum of Art, em Nova York, ele ficou tão impressionado com uma pintura de Velázquez, o retrato Juan de Pareja, que sua carreira teve uma grande mudança em direção à arte. Kobayashi começou a estudar o trabalho de Whistler, Chase e Sargent - todos os artistas também influenciados por Velázquez. Posteriormente, a arte japonesa também se tornou uma inspiração para Kobayashi, em particular os mestres japoneses de impressão em blocos de madeira Ukiyo-e dos séculos XVI e XVII, como Hokusai, Sharaku e Utamaro. Kobayashi recebeu dois prêmios importantes: o Prêmio de Compra de Guarda Florestal da Academia Nacional de Design e a Medalha de Prata das Artes Aliadas.

Molly Siple frequentemente escreve sobre arte em sua cidade natal, Los Angeles, e é um membro do artista do California Art Club. Veja seu outro artigo nesta edição sobre Kenn Backhaus.


Assista o vídeo: Longing In Gray (Dezembro 2020).